镜头就是摄影师的眼睛，这个比喻似乎已经成为一种陈词滥调。但是当我们试图给摄影行为增添更加厚重的社会文化意义的时候，将重点放在按动快门的手与指挥双手的大脑的时候，摄影行为中的这种眼睛观看的能力，却被忽略了。 我所说的忽略是指我们应该明白“看”不是一个结果，而是一个过程；看不是发生在稍纵即逝的1/125秒的时间内，而是一个在凝视、对视甚至是窥视的过程中的缓慢发生的互动行为。 因此，抛开摄影是记录历史，摄影是阐释这样一些复杂的理念，而仅仅把摄影当作一种观看，一个最简单最直接的用眼睛观看的过程，会产生怎样的结果？ 最近看到几位摄影师的作品，给我印象深刻，他们充分发挥了照相机作为“眼睛”的功能，创作理念简洁但是充满力量： （一） Nicola Dove的凝视 摄影术诞生之初，由于感光材料的感光能力低下，拍摄肖像需要经历痛苦的煎熬，长时间固定姿势并非是一件易事，一些摄影师甚至发明支架用于缓解被摄对象的痛苦。而这也让普通人更加对摄影心怀恐惧，担心自己的影像乃至灵魂真的是在被一步步吸入那个神秘的盒子，最终停留在一张相片上。 “我看到了这个喇嘛”一位策展人对摄影师Nicola Dove一张照片的评论，让Dove产生了新的拍摄想法，回到了那个拍摄节奏缓慢的年代。这套名为Observance的作品，摄影师让具有不同信仰的被摄对象直视镜头，心中默默祈祷，十五秒的曝光时间足以让相机吸收存在于这个空间的能量，让镜头中的底片和镜头对面的人发生真正的联系。 祷告的时候，恐怕是一个人最为安静的时刻，此时的凝视是神秘的灵魂的对话，相机看到了什么呢？ 另外：请注意肖像工坊第三阶段的活动要求已经发布在click园地上了。 补充.刚刚发生的讨论： “祷告的时候，恐怕是一个人最为安静的时刻，此时的凝视是神秘的灵魂的对话，相机看到了什么呢？”，这话听起来和“经过交流了解之后拍的肖像才自然才能抓住其内心”云云很像。 评论 由 zeyez — 10月 11, 2007 @ 8:32 谢谢zeyez的批评，也正好提醒读者，这篇文章很不成熟。我觉得有些想法没有写出来，而且挺难写的。嗯，你指出的这句话的确写得过于讨巧。这也让我重新考虑，摄影师的将祷告引入到摄影过程中，究竟应该如何阐释，是不是也是一种讨巧行为呢？
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阿鲁斯•在路上
前两天写摄影版在路上的时候，并没有想到在我身边就有一位在路上的摄影师。 我还记得有一次去阿鲁斯家里作客的情景，胡同里的一间平房，到处堆得都是书，那个地方离三联书店很近，他津津乐道的是最近一次的购书经历，然后慨叹没有时间整理堆积如山的底片。不过，我竟然忘记了，就是在那次谈话中，他告诉我，阿鲁斯这个名字在蒙语里的意思是“远方的路”。 关于阿鲁斯，我发现虽然我们算是朋友，但是我却不知道他的任何来龙去脉，比如他从哪里来？干过什么工作？甚至当初我们怎么认识的，都模糊了。唯一肯定的就是，我很喜欢他的照片。 阿鲁斯，这个一直在行走状态中的内蒙古自由摄影师，在北京南锣鼓巷里的一个名叫沙漏的小咖啡馆暂时停留下来，这种状态甚至有一些神秘，比如最近《城市画报》刊登了一张沙漏的院子的照片，图片说明里是：据说店主是两名蒙古籍摄影师。 店里当然只有一名摄影师，另一个帅小伙是阿鲁斯的弟弟乌拉。 之所以让许多事情变得如此飘忽不定，完全是阿鲁斯自在的天性使然，这让人们对他充满迷惑，也让他一直处于在路上的状态，而也正是因为这个原因，他的照片是如此发自内心，毫不矫揉造作。 《流浪•马•暗恋》这是阿鲁斯的摄影主题，是他一本未完成的小说的主题，也是他即将在三影堂做的幻灯片放映的主题。这个至今不会电脑的人，竟然想到让我在blog上介绍一下他的这个放映，实在让我受宠若惊，我在沙漏那里拿到将近100张照片，他建议我挑10张，我本来计划弄5张，但是实在太喜欢，搞了13张。 以下便是活动介绍和阿鲁斯的作品——请注意，这不是广告。 流浪 马 暗恋 “复归永恒的马，复归永恒的人，他们都将一去不回” 文：豆子 内容：内蒙古自由摄影师阿鲁斯黑白摄影作品放映 内蒙古乐队“杭盖”，哈萨克音乐人马木尔现场音乐表演 时间：2007年10月13日晚上7点半 地点：三影堂摄影艺术中心 地址：北京朝阳区草场地155号 电话：86-10-6432 2663 （请来电查询具体地址） 网站：www.threeshadows.cn 信箱：info@threeshadows.cn 免费对外开放 “目击众神死亡的草原上野花一片 远在远方的风比远方更远 我的琴声呜咽 泪水全无 我把这远方的远归还草原” —节选自海子《九月》 (…) Read more
被取缔的图片
昨天去位于北京环铁艺术区的琴山画廊看荒木的展览，同去的朋友是一个严肃的情色艺术研究者，他发现展览的图录里有几张照片并没有在墙上出现，经过再三追问，我们在二楼有幸目睹了被“取缔”的三幅作品。 几乎在同一时刻，另一位艺术家南戈丁也在英国遭到了同样的礼遇，一幅关于两个小女孩的图片被认为儿童不宜，在展览开幕的前一天被封存。 之前在连州也有艺术家的作品被撤下来。 道德检查在全世界都发生，而受到关照的却往往并非是那些露点严重的，比起荒木和南戈丁，一些摄影爱好者的裸体艺术作品其实是有过之而无不及。荒木们的大胆和火爆在于它们并非在描述“裸”而是在诠释“性”，并且将之表达得相当自然以及坦白，唯其如此才会刺痛检察官以及旁观者的神经，让人心惊胆寒。 看来，作品被取缔也并非一定是坏事，色情和情色仅仅相距“一墙之隔”。
沈玮访谈
肖像摄影工作坊第二阶段——肖像摄影文论选部分已经结束了。周六的聚会算是一个小小的总结。这里再发布一下我对摄影师沈玮的一个简单的采访，希望能对大家有所启发： 1， 目前似乎很多艺术家选择了以“无人的风景”为自己的创作方式，当你确定“almost naked”这个主题，并且以肖像的方式呈现，当时是如何考虑的呢？ 我是从拍摄肖像开始自己的摄影生涯的。在进入他人的世界之前，我拍了很多自拍像。虽然我也喜欢拍摄风景，但是对于肖像我更加富有激情。拍摄肖像的时候，摄影师必须介入，而不是仅仅发现和纪录，因此，拍摄肖像的过程是充满感性的一个互动过程。 2， 肖像是一种看似简单的表达方式，但并非容易掌控，在你看来肖像这种表达方式最大的困难在哪里？ 肖像绝对不简单。对于我来说，最富挑战的是拍摄中和被摄者的交流。在拍摄那些你原本一无所知但是却又需要很快去了解的人物的时候，你需要花费很多心思。这是一个心理交锋的过程。很多时候花费在交流上面的时间远远超过拍摄的时间。因此，摄影师和模特之间建立信任是至关重要的。 3， 你参加了新美国肖像这个展览，对于你而言，如果真存在“新美国肖像”这种现象，其中的“新”该如何定义呢？ 实话说，尽管我非常喜欢这个展览，但是我并不是十分理解”新美国肖像”这个概念的内涵，从表面上来看，我觉得这意味着新的肖像表现手法出现，我们都用一种不同的观念工作。此外，这个展览将重点放在感性和社会生活角色的主体上，这是当今肖像摄影的黄金主题，这也是新鲜的。 4， 你用肖像谋生吗？如果有的话，拍摄这类肖像的感觉是否有所不同？ 艺术摄影工作是我谋生的主要方法。当然，我也从事一些委托拍摄工作以及卖自己的照片。不过，即使我在完成委托任务的时候，我也用我自己的一贯表现方式。在接受一项工作的时候，我总是要确认我对作品的艺术创作有一定的控制力 5， 大学里你印象最深的一门摄影课是怎样的？能否就此给我们稍微介绍一下美国摄影教育的一些相关情况。 我最喜欢的一门课程是作品评论课。大概有5-10个人一起观看并且讨论各自的作品。这堂课不仅仅是看照片和评论照片这么简单，它锻炼你用语言文字的思维方式来思考照片以及学会评价照片的方法。这是艺术学院里最重要且必须的一门课。好的老师能够让这门课非常与众不同。我非常有幸碰到一些好老师，比如DavidGoldes, Andrew Moore, Collier Schorr以及策展人Sylvia Wolf 在美国，黑白摄影是基础课程，包括黑白照片的拍摄、冲洗和后期制作。传统的彩色摄影是第二步要学习的。我所就读的明尼阿波利斯艺术设计学院 和纽约视觉艺术学院都有着很棒的设备，硬件设施比如传统暗房以及数字工作室也非常先进，这里还有媒介器材中心，学生可以在这里找到任何他们需要的摄影、摄像器材。当我在攻读硕士的时候，我分配了一间自己的私人暗房，但是我很少使用，因为那时候我主要采用数字彩色成色的方式印制自己的作品。在学校里你可以选择各种不同的课程，教学体系非常开放。在我读硕士的最后一年，我确定了自己的导师。我毕业作品的导师是 Brian Wallis，他是国际摄影中心的主策展人。一些我的同学也有很著名的摄影人士担当他们的导师，比如Tina Barney 和Tim Davis 6， 你如何推广自己的作品？通过哪些渠道，你对那些刚刚出道的摄影师如何拓展自己的职业生涯有怎样的建议。 自我推广应该就像你的全职工作，需要将之持续不断，并且以正确的方法进行下去，这非常重要，我认为可以采用以下一些方式： A,展示作品：上学的时候我就开始把照片给任何感兴趣的人看，向他人展示我自己的作品。 B，个人网站非常重要，其他人可以很快看到你的作品，并且有所反馈。 C，参加摄影比赛，这会增加你的知名度。 D, (…) Read more
一周一周
和书做游戏 1， 从二维到三维 给托马斯•艾伦（Thomas Allen）一个准确的身份定位并不容易，尽管他的新书刚刚由光圈出版社出版，但是看过这本名叫“Uncovered”的新书之后，你也许会对他超凡的想象力佩服得五体投地，也许会发出质疑——这也是摄影么？ 托马斯•艾伦称自己在完成Uncovered这部作品时，将星探、布景、灯光师、编剧与摄影师等多种角色集于一身。之所以这样说，是因为他的摄影作品非常特殊——他将一些古旧的小说封面上的人物剪下来，然后粘贴在书的某一个位置，周围再搭上一个“布景”，形成一幕故事场景。（有些像立体贺年片，不知道大家接触过这种东西没有）随后再把这些场景拍摄下来，使用非常小的景深，造成一种虚虚实实的感觉。最终的效果便是，原本被压缩在图书二维平面的人物给解救出来，并且被摄影师重新赋予生命。 出版人认为，这本可爱的书将不仅仅引起摄影爱好者的兴趣，同时还会吸引艺术设计人员，以及藏书者的关注。 更多照片点击这里 2， 从三维到二维 托马斯让图书里的人物“站”了起来，而下面这个在互联网上流传的游戏，却大变活人，你可以钻进一本书里——不信吗？看了下面这些照片以后，你也可以尝试一下，如果成功的话把你的照片发给我哦。 消息来源：http://www.fubiz.net/blog/index.php?2007/08/08/1231-magazine-illusions
对不起，您的电话暂时无法接通
“对不起，您的电话暂时无法接通”这句话和摄影究竟能够产生多少关联？而这的确是近日英国HOST画廊的一个展览的名称。 成千上万的人每日出没在伦敦的地铁里，大家彼此之间互不理睬，甚至有些人连隐形眼镜都懒得带，到处是擦肩而过的陌生人或者互相推搡拥挤不堪的人流，每当这个时候，总有一个声音很客气很礼貌的声音在站台里响起：请大家注意安全，保持和站台之间的距离。 就是这个声音，激发了摄影师Laurie Fletcher 的想象，那些将陌生人彼此连接起来的声音背后怎样的面孔？尤其是在当下这个越来越自我封闭的，机器化的社会中，这些声音变得尤为重要。 Laurie Fletcher 寻找那些在人们日常生活中出现的一些经典的声音的拥有者，比如拨错电话时传来的声音，体育比赛中播报结果的声音。他在这些“播音员”自己的家里为其拍照，目的是使之和我们在公共空间中听到的声音形成反差，体现他们自己的生活和独立的个性。 这个摄影项目是一个只有欧洲人才能想得出的主意，我很喜欢，声音和影像在一定的社会文化背景下巧妙地结合起来，互相对照，激发我们的想象空间。 对于我来说，最感兴趣的是每次给手机充值或者查询余额的时候传来的声音，“请输入提示语言的种类，1为普通话。。”在不同的省份这些声音都有所不同。 不晓得在这些我们所熟知的声音背后是怎样的人，也许这些声音在不远的将来都会逐渐被机器人模拟出的人声所替代。 广播里的足球比赛结果播报员。
慢慢回归工作状态
从一次旅行中康复并不容易。外出的这10天一直从未睡过一个好觉，直到现在仍旧觉得懵懵懂懂。这一次的远行，目的是探访我的出生地，父亲年轻时工作的地方。整个旅程似乎穿越了一个时空隧道，过去的父亲，过去的我，远离喧嚣的村庄，信仰。很多很多事情。似乎需要很久才能把条理梳理清晰。 照片被锁定在另一个笔记本中了，奇怪，USB接口似乎出了问题，什么移动硬盘都无法工作，是因为照片们不想回到这个灰蒙蒙的城市？ 离开了将近10天，打开电脑，互联网里的消息足以让我的大脑发生交通阻塞。干脆就从最新的内容开始—— 十本杂志，一个卡特里娜 时代集团的老总带着旗下10本杂志的总编辑们，五月份在美国新奥尔良曾经的卡特里娜地区游历了一圈，老总的意思是让编辑们在飓风袭击两周年之际好好体会一下民间疾苦。但是他没有想到，编辑们回家以后都没闲着，不约而同地都在各自杂志中开始鼓捣卡特里娜专题。 时代集团决定不妨将计就计，步伐一致，于是，在卡特里娜两周年来临之际，全美十本顶尖杂志同步发出了声音，我觉得有意思的是，这些杂志五花八门，但是都从自己的视点切入，比如时代周刊在研究新奥尔良依旧处于危险之中的原因，老房子杂志访问了重建自己房屋的人们，财富调查救灾款的去向。不要以为娱乐和体育和这一事件很难沾边，体育画报报道了当地学校一个棒球队的故事，而娱乐杂志则和R.E.M乐队的主唱联合拍摄了一个纪录片。 从文化的、社会的、历史的角度切入一场灾难带来的影响，让10本杂志的报道更加厚重，而背后关键的因素是那次集体出游，这次美国出版史上罕有的主编下乡运动，让他们从办公桌走向了现实。 摄影是这次报道的重头戏，10本杂志的报道在时代的网站中有一个集纳：time.com/katrina, 值得一看，但是速度很慢需要用代理服务器。 十一个摄影师，一个“风景” 芝加哥美国当代摄影艺术馆（Mocp）“沉重的风景”（Loaded Lanscape）摄影展开幕。 这是一个重新为“风光摄影”定义的展览。展出的作品被美国摄影杂志的编辑称之为充满了静谧的力量，画面里没有嘈杂的声音，在展开对历史的回忆，控诉战争的残酷的时候，它们并没有用视觉冲击力作为诉求，而是通过一种安静的表达直抵人们的心灵。柬埔寨——曾经发生过大屠杀的土地，南北朝鲜的边境线——在策展人看来，这个展览是在探寻风光摄影的真正意义，它也许不应只跟在浪漫派画家身后书写甜美的自然景观，它的意义也在于“纪实”。 Alan Cohen, NOW (Killing Fields, Cambodia, 2001
第一印象
似乎到了一个缅怀胶片的年代。数码相机那种可以无休止按动快门的感觉，不知道是不是会让一些用惯了胶片的摄影记者感到烦躁？ 怀念胶片的一种方式是怀念胶片印出的小样（contact sheet），1416曾经介绍过的华尔街投资者Bruce Silverstein的画廊Silverstein正在举办一个名为“第一印象，摄影师的写生簿”（First Contact: A Photographer’s Sketchbook）的展览。 Elliott Erwitt的小样，非常工整地探寻决定性瞬间 威廉姆克莱因的小样——没有决定性瞬间的小样 展览的题目《摄影师的写生簿》这个比喻非常生动，小样里的起承转合就是摄影师在不断转换视点观察过程中绘制的一幅幅草图，接触印像里呈现出的是摄影者对世界的第一印象。 画廊的策展人希望通过小样对布列松的“决定性瞬间”予以阐述——在若干个瞬间中，究竟怎样的瞬间被摄影师挑选出来予以强调呢？ 展出的小样包括两个部分，一部分是马格南摄影师的小样，另一部分是一些私人收藏，包括Richard Avedon,、Robert Frank,、Man Ray、Irving Penn和Diane Arbus拍摄双胞胎时的那卷底片。 随着胶片时代的落幕，收藏摄影师的小样也逐渐变成一个很有价值的投资行为。 Bruce Gilden的小样也很凶猛 点击这里，和这里可以看到展出的部分作品。
一周一周
两生花 1， VII摄影师Lauren Greenfield拿过无数奖项，但是她最近获得的一个奖颇有深意，似乎预示着未来摄影记者工作有着更加广阔的天地，这就是美国电视领域的顶尖奖项艾美奖（Emmys）的提名。最终获奖结果将在9月16日揭晓。 7月19日，Lauren Greenfield的名字出现在59届艾美奖最佳记录片的提名名单中，是纪录片“骨瘦如柴”（《Thin》）给她带来这一荣誉，这部讲述厌食症女孩的记录片曾经在HBO播放，Lauren Greenfield的这部纪实摄影作品最终产生了三个成果：一本书、一部纪录片、一个网站。 上面这幅图片是一个厌食症女孩在刚刚进入康复中心和即将出院前后的比照。 1416曾经介绍过拍记录片的摄影师，请看这里 ——————————————— 2， 最近一期New York magazine里的一页广告，很有创意。两个不同产品的广告，左边是珠宝广告，右边是酸奶广告，非常生动地并置在一起，要协调两个广告主并非易事，广告设计者是怎么做到的呢？有趣。 ——————————————— 3， 美国两家报纸的头版刊登了同样一张照片——等等，还是有一些不同，似乎有张照片放反了。左边是正确的，右边则是错误的。 出错的原因并非是报纸将照片反转过来，而是他们从照片提供者那里拿到照片的时候就是错的，这家报纸仍然就这个失误发表了致歉声明。“不能倒转照片”是很多报社摄影部的照片使用守则之一，但是常常有图片编辑和设计师因为设计的需要而违背规定。 ——————————————— 4， 最近，现代艺术博物馆（MOMA）在展出摄影师JoAnn Verburg的作品，作品的特点上大画幅（5*7拍摄的，放大到4*6英尺）同时常常两张或者三张构成一组。 纽约时报评论JoAnn Verburg的作品特点是在“尽力将摄影中的瞬间延展开来”，摄影师早年的一部代表作品是将一些一百年以前拍摄的美国风光地貌，以同样的角度重新拍摄。
动物黑市
“吃动物的本质和吞噬人类自己的生命没有差别。”摄影师Patrick Brown用五年的时间跟踪动物黑市交易。野生动物交易是毒品、枪支交易以外第三大肮脏的黑市交易，试图用自己的努力阻止这些残害野生动物的行为继续。 这部片子大部分内容拍自中国——熊掌、蛇、各种入药的动物骨骼，以及皮毛生意。 Patrick Brown的这部纪实摄影作品和多媒体先锋公司Mediastorm合作，在网络上推出了多媒体报道，其中包括一个概括性的总的介绍大约10分钟，还有13个具有不同主题的片断，每个片段在1分钟左右。逻辑清晰，非常便于观看欣赏。Patrick Brown的作品也出版了画册《黑市》（Black Market）。摄影师的照片还可以通过Ponas图片库购买。他希望让这些作品广泛传播，引发人们对这个话题的关注。
纪念John Szarkowski
纽约现代艺术馆摄影部主任John Szarkowski的时间停留在81岁，纽约时报对他的评论是：“作为一个策展人，他独自一人将摄影的地位提升，使摄影在上个世纪后半期走入艺术的殿堂，在他的一生里撰写了很多颇具启发性的著作，筹办了具有里程碑意义的影展。” 1962年，当爱德华﹒斯泰肯将纽约现代艺术馆（MOMA）摄影部主任的大印传给John Szarkowski的时候，他可能没有料到，这个选择的意义如此深远。MOMA的两任摄影部主任成为摄影史上两个里程碑人物，前者将摄影从虚无缥缈的模仿秀（对绘画的依赖）以及无病呻吟的摄影主题中解放出来，认定“现实”就是摄影最重要的身份，而后者则改变了世人对摄影这种媒介的认知，他大声呼吁，摄影不仅仅是实用的，文献的，同时也是一种艺术形态。这两者的工作前赴后继，前者确定了摄影和现实之间的血脉关系，后者则将这种联系赋予艺术地位，可以想象，没有他们的努力，摄影会是一个没有身份的孩子，在和绘画纠缠不清的关系中徘徊。 我也是从最近一些纪念文献中更加深入地了解John Szarkowski这个人物的，而了解越多，就越发尊敬这位先生。以下就把一些关于John Szarkowski的信息介绍给各位： A 著作 1，摄影师的眼睛“The Photographer’s Eye,” (1964) 2，MOMA100张照片精选 “Looking at Photographs: 100 Pictures From the Collection of the Museum of Modern Art” (1973), B (…) Read more
如果这种热爱能够继续——从自发到自觉的摄影
昨天贴的关于“中国有人在摄影”的帖子，sunxin和busoni相继发表了他们的“长篇大论”。我觉得这种讨论真好。 我给busoni写的邮件中谈到了自发的摄影和自觉的摄影，其实这是我当年在给《中国摄影》杂志撰写高磊作品评论时候的思考。当时写这篇文章弄得脑袋疼，生怕绕不出来了。现在借机把这篇文章重新贴出来，供大家拍砖。 高磊在人民大学做讲座的时候，我发现他是少有的控制能力很强的人，因为他废话极少，思路清楚。后来，我的一个学生是这样描述观看高磊照片的感觉：“我喜欢的是他的方式 我觉得他是把摄影当作生活方式的人。” 从那个时候开始，我感觉高磊是一个很有些故事的人，在那场讲座之后的晚上，我认真浏览了高磊所有的照片，然后给他写了一封很长的邮件，而这封邮件则成了我在这里再次对高磊说三道四的理由。 邮件里的好多言语都是凭一时感觉而写，经不起推敲，我认为有意义的是，在里面我们探讨了一个绕口令一样的话题：如果高磊要把照片结集出版，他要表现的是一个摄影的高磊呢？还是高磊的摄影？高磊的回答是后者，而这个回答成为今天我们可以继续探讨的起点。 在高磊的博客或者说在网络里，他鲜明的个性，独特的经历，对摄影的执著与热爱，在摄影技艺方面的高超的见解，使得一个生动的高磊，摄影人高磊呈现在我们面前，并且让同样有着各种不同爱好，不同期待的网络受众，都能得以从不同角度亲近他。没有过硬的照片，自然也无法赢得尊重，但事实的另一方面是人们对过程的关注超出了对影像本体的关注，高磊的摄影已经逐渐湮没在各种各样对摄影的高磊的讨论中。但是我们需要从网络中所形成的语境中剥离出来探讨高磊的摄影。 我认为高磊的很多照片都是不错的好照片，在很多展览上，他的不少照片都深深地打动了观者。而且经过国外的系统训练之后，他对高素质影像的要求，在目前的中国摄影师中也不多见。 但是如果把这些照片整体拿出来“看”就会有问题。它们很难让人产生一个整体评价，有报道摄影风格的，那是些符号化的“快速”传达信息的影像；也有纪实摄影风格的，是“平静”而又需要揣摩的照片。有的时候他对影像控制极为职业，比如孩子哀怨的眼神漫不经心的撇来，让我们完全忘记摄影师的存在，而在有些时候，他拍摄更多凭着感觉肆意发挥，缺少控制。我惊讶于他的这种跳跃。这组照片可以编辑成很多个不同的故事，这可以是一件好事，但是有的时候也是灾难。因为这些问题，当然完全可以通过后期的图片编辑解决，但是这却有可能使得你影像的存在不得不更多依靠图片编辑或者图片评论者的诠释，这是大多数摄影师都不情愿的。 不过，我们无法对巴以的这组照片过多苛求，在如此很极端的环境下，要真正操作一部作品不是一次两次，一个月两个月能够完成，而巴以的环境不允许摄影师精打细算。但是，高磊的这种“犹豫”，却多少反映了他从自发的摄影到自觉的摄影转变过程中的一些心态。 高磊对摄影的热爱生发得很自然，与一开始就立志成为什么摄影家的人不同，他是在对影像真挚的追求的过程中，逐步走向职业化的道路的。我认为他在自发摄影的阶段，拍摄的是一些精致的小品，技艺上无可挑剔，感觉上愉悦身心，而在内涵上，却并不在乎所谈内容的影像价值、历史价值、社会价值。照片与照片之间是较为孤立存在的。而后在巴黎的学习让高磊从一个摄影的发烧友走向职业化，“拿照相机当作工具说事的人从本质上来讲是：用影像写作的作家。”这是高磊在回复我的邮件中所说的话。作为职业摄影师的高磊已经不满足于拍摄句子，他想系统的表达自己。 写好句子与写好文章是两个阶段，对于摄影而言，片段的表达与持续的表达是两种境界，也是我们评价一个摄影师的重要标准。有这样几点必须清楚：首先，对照片孤立的解读是危险的，因为所有的解读必须发生在一个语境之下，某个语境下的好照片可能在另外一个语境下就成了坏照片。其次，这种多重解说也反映了一个现实，摄影师在拍摄结束以后可能会失去对影象的控制权，由于视觉媒介在传达语义上的模糊性，观者在解读影像的时候不免会出现多义的理解，而策展人和图片编辑其实也就因此而生——他们创造出新的语境来解读照片。第三，也是最重要的，摄影师并不是完全被动的，他可以通过持续而连贯的表达自己，创造一个能够使他人更好的理解自己的“场”。 这种清晰的思路的形成，也许需要很长的一段磨合期。当一个摄影人从天马行空的自发阶段，进入试图用影像表达自己的自觉阶段的时候，对自我的认知，结合对摄影史的认知，从而为自己寻找一个稳定的语言系统，勾画出前行的坐标原点，是他必须要考虑的问题。 摄影评论者刘树勇先生对摄影的语言形态及分类原则的研究，值得借鉴。他把摄影分为这样几类：（1）记录的摄影（2）研究摄影语言本质特性的摄影（3）表现的摄影（4）观念的摄影。 这些不同语言形态之间的表现方式完全不同，摄影师在开始自己的职业生涯之时，要首先找到自己喜爱并且适合的表达方式，同时了解在摄影史上，前人已经做了什么，达到了怎样的高度，比如就研究摄影语言的这类摄影来说，毫无疑问亚当斯是这一领域的颠峰。而这一过程就如同开车找准了自己的车道和与前车的距离，接下来的也是最容易的，就是开足马力。 肯定会有人质疑这种思考过于僵硬与理性，但是我们必须通过这种痛苦而缜密的思考，才能完成自我到自发的蜕变，不过也有时候，这个过程是潜在的甚至是浪漫的——很多人是在不经意间撞到了自己的天地。
不一样的展览
Host画廊 英国Panos图片社的负责人Adrian Evans是学艺术史出身，Panos图片社在他的带领下也算经营得有声有色，其代理的摄影师不断在荷赛上获得大奖。近些年，他的兴趣点有了转移，目光投向了画廊的经营。2005年，他和另外一个著名的网络摄影杂志FOTO8的负责人合作，开设了HOST画廊。 Host画廊在当下有些糜烂的艺术氛围中独树一帜，这个画廊的宗旨是：在画廊的语境里，用或新或传统的方式讲述故事，展出作品的标准是要富有创造力和激情的高水平的纪实摄影以及叙事性的摄影。 以代理纪实摄影为主的画廊在当下的确罕见，Host近些年来举办的展览既有历史性的回顾展比如维加的展览，也有传统的经典纪实的作品比如Paul Lowe的波斯尼亚人，此外还有尤金史密斯获奖者Pep Bonet 对非洲爱滋病的报道——作品大胆地将彩色和黑白混杂在一起。Host同时也把目光投向了一些当代的纪实摄影师比如Alec Soth用8*10拍摄的充满柔情的的“尼亚加拉河”。 我挺喜欢这个画廊的，秉承摄影的纪实传统，但是又不因循守旧，你可以去浏览它近些年的展览介绍，其中部分展览很遗憾没有更多的作品展示，比如瑞士摄影师Yann Mingard的人迹罕至的村庄这个展览，作者访问了一些偏僻地区，记录那里人们的生活，其中包括中国西部（新疆）的一些地区（摄影师沿着丝绸之路进行了探访），摄影师的个人网站可能打不开，但是还可以在这里看到一些，真的很棒。 中国有人在摄影 Busoni先是搞了一个Opps felting在线影廊，大量优秀摄影师的作品给学生们提供了饕餮大餐。他又弄了一个中国有人在摄影的在线影展，集纳了一些出于自然之心，真纯的年轻摄影师的作品。 我忍不住给他发了一封邮件。关于Busoni组织这个展览的初衷和我的一点点看法，都可以在他的blog上可以看到。也欢迎大家发表意见。 木格摄 木格摄
Michael Wolf：“拷贝艺术家”
深圳摄影师余海波的荷赛获奖作品《大芬油画村》以经典专题摄影的方式报道了一群临摹画师的生活。而德国摄影师Michael Wolf则用另外一种方式诠释了同样的故事，这就是他的新作：中国拷贝艺术家（China Copy Artist） 曾经在本教室介绍过Michael Wolf，在著名的德国明星周刊干了八年之后，选择了自由摄影师的道路，他希望更充分地表达自己，之后虽然仍然坚实纪实摄影风格，但是他的报道方式呈现了变化，作品的去向也走向了图书出版和画廊。 这组拷贝艺术家继续延续了Michael Wolf的那种于微观之处看世界的风格，透出一些黑色幽默。摄影师将拷贝艺术家和他们的作品并置在一起拍摄，拍摄场地就选择在这些艺术家自己的居住地。有人这样形容自己的观感：“这些作品我会看很久，它引起了我的好奇，这些人都是谁？他们为什么要选择这样的生活？” Michael Wolf另一个新项目——关于香港公屋的报道“100*100”也值得一看。他拍摄了住在仅仅10平米公屋内的香港居民，一共拍了100户。 Michael Wolf将自己的作品分为两种：中国/非中国，细细看他的作品，你会为这位摄影师旺盛的创作力感到吃惊，似乎在中国有太多太多的故事让他不得不马不停蹄地奔忙。
一周一周
“稀奇古怪”的影展 A 美国国家地理杂志摄影师搞行为艺术 美国国家地理杂志摄影师Nick Nichols在美国弗吉尼亚州夏洛茨维尔举办的LOOK3摄影节上遭遇了尴尬，而他则将这种尴尬变成了行为艺术。 此次摄影节是首次举办，但是请来了尤金理查兹和莎丽曼等摄影界的大牌人物。Nick Nichols的展览非常独特，他将自己拍摄的野生动物影像制成巨大的海报模样，然后将其悬挂在室外的树枝上。 但是其中一幅猩猩的照片生殖器清晰可见，引来了市民的不满，尤其是一些孩子的父母，他们认为这样的照片非常不雅和下流。但是Nick Nichol并不想就此妥协，他认为这就是动物本来的面貌，自然的状态。最后，Nick决定将画中敏感部位用红漆遮住。此行为的全过程有视频可以观看，这一方式尤其值得中国一些策划“身体艺术展”的策展人借鉴以备不测。 B 马格南报道摄影师亲密接触时尚 网络红人Alec Soth成为马格南的“时尚杂志”（Fashion Magazine）项目的新一个接班人。“时尚杂志”每年一本，由一位马格南摄影师以独特视角诠释他眼中的时尚，活动已经持续了两年，前面两位摄影师就是马格南非常劲爆的马丁帕尔和Bruce Gilden。 如今，这个接力棒交到了Alec Soth手上，他承认自己花了一番功夫来考虑如何完成自己的任务，最后决定以自己的故乡明尼苏达州为据点展开拍摄。他认为最能体现自己观点的是这样一个例子： 在巴黎拍摄了夏奈尔的设计师Karl Lagerfeld，随后又拍摄了在明尼苏达州的一个提着夏奈尔手袋的女孩，两者之间的并置体现了巴黎和明尼苏达之间的联系，也是时尚和生活之间的联系。 Alec Soth版的“时尚杂志”于6月5日在巴黎出版，一共188页。而相配合的影展已经完全成为一个时尚圈的聚会，夹杂着赤裸裸的商业广告，活动中有一个别出心裁的项目，在照片中寻宝，Alec Soth将一些著名的时尚品牌的产品隐藏在自己的照片中，参观者则需要细心辨认才能发现，这也许是强迫人们仔细看照片的一个最佳方式。 作为马格南图片社的一位新成员，Alec Soth非常之离经叛道，他和时尚圈打得一团火热，并声称自己很习惯和发型师、化妆师合作。一个典型的案例是他和W杂志的合作，共同完成了4月号一组大片的拍摄。其内容是让一些明尼苏达州的普通人穿上高级时装在他们自己的生活环境中拍照。他的这组照片发表之后引起了激烈的争论，W后来原文刊登了一则读者来信，他认为这种不伦不类的照片糟糕透顶，恳请W千万不要用Alec Soth这种不着边际的报道摄影师拍摄时尚。当然，也有人对之表示赞叹，他们认为这才是真正的时尚。 点击这里看Alec Soth工作的片段。点击这里看K1973转载的W杂志的照片