肖尔说：“我想要拍摄那些自然而然的照片，一种正在看的感觉，并非是从这个世界拿走些什么，并非是从其中制造什么艺术。”在肖尔看来，摄影师在表征这个世界的时候，他们不是非要传达一种隐喻，摄影师要寻找的是心理的，情感的，和文化的共振。
共振这个词，真的是极好。
那么话又说回来了，我自己究竟喜不喜欢肖尔呢？这个问题很难回答，因为里面包含一种很复杂的情感，只能一边看，一边感慨。 Read more
Posts Tagged ‘Stephen Shore’
两个人的坦白
在一次访谈中，Stephen Shore被问起来，为什么他现在展览的照片，颜色做得那么的鲜艳，显得太新了，和他1970年代的照片那种怀旧色调一点儿也不一样…… Read more
1416专栏：纽约来信
“他们毫不掩饰地用外来人的方式解剖一个看起来异样甚至荒谬的美国，并独断地将它的肌理展现在我们眼前。” @布罗迪报告 从纽约发回他的观展报告，在一个叫做《美国天天见》（Everyday America）的展览里，摄影师们对美国这个模特有着怎样的视觉发现？ Read more
关于社会景观摄影的琐碎思绪
这是一篇投稿，作者是现在在美国视觉艺术学院（SVA）读摄影本科的朱喆。文章是他自己关于社会景观摄影的一些心得，正好当下在国内也有不少摄影师也选择了同样的表达方式，这篇小文或许可以帮助大家形成一些关于这个脉络分支的索引。 Social Landscape in China 朱喆/文 前几天以前的同学问起social landscape如何定义，才发现这个分支完全没有在中国普及开来。中文翻译就是＂社会景观＂，最早是属于街头摄影的一个分支，现在算是独立开来了。 Martin Parr摄影 社会景观真正的定义很难解释明白，看到照片却能够一清二楚的和普通的风景区分开来。目前理论上对拍Social Landscape的摄影师最有帮助的书是The Life and Death of Buildings:On Photography and Time，作者是Joel Smith。 关于街头摄影，国内的爱好者流传的最多的就是布勒松的＂决定性瞬间＂，就是在某一时刻所记录下的图像可以准确的揭示整个事件的内容，所有一切都在一张照片中，对于这个我一直是深表怀疑的，这个暂且不谈。 布勒松摄影的精髓在于处理人性的主题：无论是表现战争，和平，爱，自由等。古典街拍摄影的精髓也如此，在记录某一时刻的生活方式的同时显示情感。而当代的街头摄影就有了更进一步的探索，我个人认为最具有代表性的人物就是Paul Graham，最近纽约的佩斯画廊也给他在做一个回顾展。从技术上来讲，他和Magnum的传统风格摄影师就有很大区别。在佩斯他的照片被拓展到100英尺宽，细节却依然清晰。他预先设好三脚架，用中画幅相机的清晰度来记录（以前用Mamiya 7，现在据说是H3D）。在回顾展中，都是照片并列放着，同一个角度，不同的焦点。在上课的时候我们对他也有讨论，在我看来他的作品的重要性在于对于街头摄影的探索，通过将熟悉的街头景观变成舞台，让镜头里的普通市民也成为了演员。他的作品也让我想起Philip-Lorca diCorcia来。 Paul Graham在佩斯画廊 Graham的新元素，对于Social Landscape也有非常重要的影响。最早是Helen (…) Read more
英雄和导师
美国摄影界新闻（PDN）做了一系列名为“英雄和导师”（Heroes&Mentors）的访谈，其特殊之处在于，访谈者和被访谈者双方都是著名摄影师，他们彼此欣赏，风格虽然不同，却有隐形的联系。 Stephen Shore摄影 最近一次的谈话双方是Stephen Shore和Gregory Crewdson。前者拍摄美国的平凡生活，24岁就在大都会博物馆展出了自己的彩色摄影作品，也使其成为美国彩色摄影的先锋，Shore出版的画册“ Uncommon Places” ，“ American Surfaces ”，都被业内奉为经典。Gregory Grewdson是耶鲁大学艺术系的高材生，并随后留校任教，他所拍摄的美国小镇照片，看似平常，但却是用超大规模的电影布景的方法拍摄出来的摆拍照片，Crewdson也是当代艺术界的潮头人物。 Gregory Grewdson 摄影 一位严谨的学院派如何访谈整日悠游四方拍照的野路子摄影师，他对他有什么好奇，以下就是Gregory Crewdson对Stephen Shore的访谈，这里截取几段对话： Stephen Shore摄影 Gregory Crewdson:你是从什么时候感受到摄影的魔力所在的？ Stephen Shore:我六岁呆在暗房的时候就被摄影的魔力所倾倒。当时我有一个柯达的暗房作为生日礼物。我不怎么拍照片，就是冲洗和放大家庭照片。我八岁的时候人家送我一个35毫米的旁轴相机，玩了几年，我就感到，这就是我喜欢做的事情。 Crewdson:你是什么时候意识到摄影可以作为一种艺术而存在。 Walker Evans摄影 Shore:我住在纽约的时候，楼上的邻居送我一本Walker Evans的书做生日礼物，这是我的第一本摄影书，他的照片真的非常棒，现在对我仍然如此。 (…) Read more
周一消息树
三个博客 博客“APhotoEditor”邀请摄影师Jonathan Blaustein撰写了一篇刚刚结束的2010年度PDN Photo Plus 博览会的观后感，这令我有些惊奇，因为在我的印象中，Photo Plus是一个器材博览会，不知道如何会使得jonathan blaustein 这样的艺术家也会欣然前往，混迹其中。 仔细查看了Photo Plus的网站，发现这里是一个杂烩，但有一个共同的气场，这就是“实用”——所有的展出和讲座都围绕着各种有关摄影的实用技巧，比如除了器材还有如何用光，如何获得广告公司的青睐等等各种实用的讲座。 吸引Jonathan关注的两个讲座，一个是如何申请摄影基金，主讲人对摄影师强调的只有一点：请做好家庭作业！因为根据统计，大约有75%的基金申请人其实并不是十分明了基金的情况就贸然申请，有关基金的背景，规定，对方的要求则一无所知。此外，据统计，92%的基金获奖者在申请基金之前就有联系，因此在平日积累关系也很重要。 Jonathan参加的另外一个讲座则有关“杂志的未来”，他说，在这个为期两个小时的论坛上，讲座人至少提到300次“ipad”，似乎乔布斯已经成为这个领域最大的救星。参与研讨的人都认为ipad这个平台可以承载更多的照片，吸引与纸质传媒完全不同的受众（年轻人），因此围绕其一定会有一个新的市场产生，使得杂志产业更为多元和丰富。更重要的是，ipad的apps是一个融合的商业平台，因此参会的Hano提到：“现在，我认为我能够尽可能地去考虑把一切东西都给变现（货币化）了。” 提到“货币化”，跑个题，建议去看看Jonathan成名作品——“一美元能够买什么”，几个蓝莓，一个汉堡，一包饼干，一小堆盐，一把米，他探讨一美元的等量食物，好奇于这些价格如何形成，又怎样波动的。 现在到另外一个摄影师 Blake Andrews的博客上去看看，他提出了一个非常值得思考的话题：究竟我们在网络上如何欣赏彩色摄影作品？ 这篇名为“Shore Call”的文章，探索著名彩色摄影师Stephen Shore的作品 Merced River在互联网上所呈现的颜色，作者通过检索得到了2600个结果，你会看到它们的色彩不仅是各个不同，甚至是有着天壤之别。 对“真实色彩”的追寻会导致什么结果呢？ Blake Andrews的回答是这样的： “真实的颜色？你当然要看原作，我的朋友家里墙上挂着一幅。不过，谁又能保证它没有褪色呢？或者是摄影者本人的制作能够保证每张照片色彩一致？我的天内！原作也不能看成是真实的，书？也是一个样。” “真实的颜色？我认为唯一欣赏Stephen Shore这张拍摄自1979年8月13日约瑟米勒国家公园的照片的真实色彩的方法是和他一起见证这个场景，不过，假如你也在那里，你还拍照片干嘛？你就站在Shore所面对的这么美丽的河流旁边，天很热，何不跳下去畅游一下，然后忘掉这一切。。。” 最后，建议去 bagnewsnotes这个博客瞅瞅，这个博客主要探讨摄影行为的政治学语意，其实可以说是一个“与摄影无关”的讨论摄影的地方。那些关于美国选举的文章并不让我感冒，我比较喜欢最近这篇文章：“Dragline: (…) Read more
柯达克罗姆的瞬间
编者按：这篇文章是从slate电子杂志中翻译而来的，柯达克罗姆（Kodachrome）是柯达公司专业反转片系列，特殊的K-14冲洗工艺使其必须寄回公司才能冲洗，色彩浓郁，正是这款彩色胶片带动了彩色摄影的狂潮。作者： Jim Lewis 原文点这里 柯达克罗姆的瞬间：William Eggleston的革命性展览如何改变了一切 2002年，很多人都忽视了一个重要的纪念活动，那是一场革命的第一声枪响——随之一切都被改变了。这个活动就是10月份现代艺术博物馆（MOMA）重印了一个展览的目录册，这个目录册的原版早就销售一空，消失了很多年，作为稀有书籍，它的价格早就被炒到500-600美元，是我们这些囊中羞涩的人无缘见到的。 这本书就叫做《William Eggleston向导》（William Eggleston’s Guide），书的作者是一个有些怪癖的35岁上下的青年，当年他找到MoMA，带着一箱子幻灯片，试图说服这个严肃谨慎的艺术机构为他举办一个彩色摄影个展。 展览具有里程碑意义，宣布了彩色摄影时代的到来，在这以后，黑白影像变得有些古老而珍贵，给人的感觉是过去时代的产物。当代艺术摄影很多都是彩色的：南戈丁、米奇•爱博斯坦（Mitch Epstein）、理查德•普林斯(Richard Prince)、安德烈亚斯﹒古尔斯基（Andreas Gursky）都随之接受了以彩色的方式创作他们的作品。 现在，假如我让你猜一猜，这个展览是哪一年举办的——背景资料是彩色电影在30年代流行，彩色电视在1955年试播，所以，第一个彩色摄影个展的时间是。。。。。？ 1976年． 这有些让人觉得震惊，1976年的时候彩色摄影到处都是，几乎所有的杂志封面，电影电视都是彩色的。沃霍尔（Warhol）著名的Campbell汤罐头作品出现在1965年，丹﹒佛雷文( Dan Flavin ）的荧光灯雕塑展是1966年在画廊出现。但是摄影却一直是黑白的世界，一些前辈比如沃克﹒埃文思声称彩色是“丑陋”的，而罗伯特﹒弗兰克坚持认为“黑白的就是彩色的”。 回顾过去，实在难以想象，70年代中期那时候究竟是什么原因让彩色影像地位如此卑微。我猜测，部分原因是因为摄影从诞生之时起就不被当作一种艺术形式，而是某种科技手段，而黑白摄影则是超现实的，它通过把现实世界中的色彩去掉从而具有了艺术感觉。另外一些原因是彩色影像看起来更加商业，总是出现在杂志、广告牌和人们的家庭快照中。 同样，彩色摄影让摄影师失去了很多掌控能力，因为很少有人能够有冲洗制作自己的彩色摄影作品的技能（或者是买不起设备），艺术家的工作多少完全有赖于快门。 另外一个原因是彩色胶片的工艺还没有达到黑白胶片的水平，对于光线的敏感度、锐度都不够，这样就只能在室外或者利用强烈的人造光源才能拍照。 面对这种混乱一团的现状——敌视、技术的缺陷，Eggleston却走出了自己的路，他成为了彩色摄影之父。其实给他这种名号要稍微往前追溯一下历史：Paul Outerbridge 和 Eliot Porter早就开始拍摄彩色，和Eggleston同时代的Stephen Shore也拍彩色。但是Eggleston却做出了他们没有做到的事情，他让这种媒介合法化，把人们印象中的彩色摄影的缺陷却充分利用，变为优势，从而解放了这种语言，使其具有自己的逻辑。 (…) Read more