1416 教室

2011年度美国普利策新闻奖揭晓了。 如果你只看到两项摄影报道奖，那你就错了。 的确，在名单最后只有两个摄影类别：突发新闻摄影报道（Breaking News Photography）和特写新闻摄影报道（Feature Photography），它们分别奖给了华盛顿邮报三位摄影记者组成的联合报道小组和洛杉矶时报的Barbara Davidson，前者所拍摄的是海地地震，后者则关注的是洛杉矶帮派枪战中无辜的受害者。 Carol Guzy 摄影  华盛顿邮报 《枪战受害者》Barbara Davidson摄影   《洛杉矶时报》 两组照片的获奖都没有任何意外，报道题材都是重大和经典话题，视觉表现方法也是传统的套路。唯一值得一提的是，今年是普利策奖第一年接受数字照片参加评选，此前的评选中，摄影作品都必须是纸质版本。去年在修改这一章程的时候，评委会提出：“现在已经很少有报纸把照片打印出来了，照片的选择，编辑，都是数字化的。取消纸质版本可以和现在的媒体实践以及其他摄影比赛的评选方法可以取得一致。” 才接纳数字照片！这个普利策眼光太老了。 但是，这个美国报业甚至世界范围内最为权威的新闻报道奖，它的步伐向来都很谨慎，并非先锋和前卫，而是在实践发展成熟之后，才开始设立奖项和标准，可以看看摄影类别在这个比赛中的设置情况和发展历史，普利策资料库显示： 第一个摄影奖（photography）从1942年开始颁发，不分类别。（这个时间点，已经到了画报的活跃期了，报纸的新闻摄影发展较为成熟） 1968年，粗放的摄影开始被细化，变为特写新闻摄影报道和体育新闻摄影报道（1999年取消），第一组获奖的报道的题材是越战。（这已经到了新闻摄影的黄金期） 1998年，出现突发新闻摄影报道奖。（电视的直播效应也波及到了新闻摄影的视觉表达） 这一变化，说明普利策新闻奖在不断根据媒介发展的现状调整自己的评选类别，但是令人遗憾的是，摄影在这个比赛中始终与文字割裂，并且排名比较靠后。甚至可以这么说，普利策新闻奖是来自文字世界的比赛，这当然也和美国报纸发展的实际情况相吻合。 说到这里，就不得不提及去年12月9日普利策委员会所发布的2011年比赛的规则修改通告，这篇文章对于视觉传播工作者来说，颇为令人激动，文章提到： 比赛规则的修订是对日益变得重要的视觉报道的回应，其中使用了视频、多媒体等多种手段。 除了摄影、评论和卡通的比赛之外，其他所有的奖项评选里都明确指出：报道可以使用任何新闻报道工具（journalistic tool），包括文字，视频，数据库，多媒体，互动展示以及以上这些方式的结合使用。 这个变化强调了优秀的新闻报道应该是跨媒体的，并且明确指出，参加比赛的组织应该奉上的报道和他们的读者看到的是一致的——假如多媒体和视觉元素是所发表作品的重点，那么这也必须是参与竞争普利策奖的重要部分 为了确保视觉工作者的贡献得以认知，除了评委可以带笔记本电脑来观看作品，获奖人员的名单也从以前的团队只能写三个改成五个。并且一定强调所有对报道有贡献的人员都要署名：不管他们是文字记者，摄影记者，视频记者，图表艺术家，制片人，还是那些身兼数职的记者，所有的人都应该平等对待。 喔！这文章，简直是一个报纸新闻业新世纪到来的宣告。 我很喜欢“新闻报道工具”的这个提法，普利策的改变并非是它基于新闻专业主义的立场的改变，而是一个工具的革新，我非常兴奋地看到“视觉工具”再也不是被用来生产媒介信息的花边和装饰，而真正地成为了信息生产工具，并得到重视。 当然，这个改变不是视觉对文字的颠覆，也并不意味着摄影记者的位置会提高，文字不再重要，它意味着我们未来的编辑部会越来越热闹，曾经呆在角落里人们应该获得更多的邀请来参与报道。 (…) Read more

当下是一个融合的时代，不过，我的一位朋友和我说过，你可以从纯艺术领域跨界到编辑类图片，同时给媒体拍东西，但是你不太可能以给媒体拍照的身份，同时存在于纯艺术领域。这句话的潜台词是，艺术很在意出身。 比如，安妮列伯维兹，她是风云人物，但她的身份却始终被定义在媒体圈，再怎么风光，画廊里的高艺术圈子里，永远只有辛迪雪曼的位置。 再比如说南戈丁，她是艺术家，却还同时涉足时尚领域，而且时尚圈就喜欢她这种范儿。我还在一个展览里看到过 菲利浦－洛卡•迪柯西亚（Philip-Lorca diCorcia）给时尚杂志拍的照片，特别平庸，感觉像是国家地理杂志的风光大片。 每个人都有若干个隐秘身份，我们看到的都只是一面。或者说，被得以强调的总只有一面 最近，美国Bruce Silverstein正在展出日本摄影师 Shinichi Maruyama的作品，KUSHO（空中的书写）。摄影师用1／7500的速度记录了白色液体和黑色液体在空中相遇的那一刹那。 Shinichi Maruyama的简历很简单，甚至是空白的，只有一句话：他从2003年开始住在曼哈顿。我随手搜索了一下，发现Shinichi Maruyama是一个商业摄影师。他有一个名为biwa的工作室，专门以高速摄影为特长，接拍各种商品广告。画廊里展出的作品就出现在他网页上的“委托任务”的影廊里。 媒体摄影师跨界到艺术圈都很艰难，Shinichi Maruyama作为一名标准的商业摄影师却得以跨界到纯艺术领域，看来势利的艺术圈突然开始不嫌弃出身了？我并非鄙视广告，这些照片也很悦目。我就是对所谓艺术圈的游戏规则突然产生了好奇和困惑，不知道Shinichi Maruyama之后还是否还会拍商业广告，画廊又会怎样继续包装这位拍广告的艺术家。

昨天收到最新一期《艺术当代》，本期主题是当代中国摄影艺术，其中也有我的一篇小文章，贴在click园地里，请大家批评指正。 杂志还刊登了多媒体艺术家peter weibel的一篇文章，节选自他的论文《合成时代》，看得很过瘾，我上网找了一下，发现还有pdf版本下载，挺不错的。 在传播学领域有一个媒介融合现象，看的、听的、读的，都在往一个平台上汇聚；peter weibel则分析了艺术创作领域的媒介融合，从媒介平等到媒介混合，从必须经过官方评论机制确认才能进入艺术殿堂的”合法艺术“，到借助互联网就可以得以传播的“非合法艺术” ，未来的艺术创作呈现一种新格局，peter weibel将之成为后媒体状态，以下节选了部分文章，我想，这对于当代摄影创作也该有不少启发： 这后媒体状态被定义为两个阶段： 1. 媒体间的平等 2. 媒体间的混合 这第一个阶段是要取得各媒体间的平等，为新媒体——摄影、电影、录像、数码艺术——建立与传统媒体——绘画和雕塑——一样的艺术认可。在这一阶段中，所有媒体，包括绘画和摄影，都全力探索各媒体自身的内在特质世界。 绘画展示了颜料的内在价值，展现了它的流动、滴漏和突起。摄影证明了其真实描绘对象的能力。电影表现了其叙事的能力。录像展示了其对于电视大众媒介的颠覆。而数码艺术表现了其在虚拟世界中的想象力。 就媒体的艺术价值及认识论价值而言，这第一阶段基本上已结束。幸运地是，媒体的特质性和批判性已是有目共睹。媒体的平等，即各媒体在其艺术性和合法性上的平等，在其试图明确所有媒体（从绘画到录像等）的各自特质并获得成功后，已然成为普遍之势。 在艺术及认识论的角度上看，新的第二阶段将要在媒体世界中混合各媒体的特质。 例如，录像通过使用多台投影设备取代单一屏幕，以及在同一时间从多个角度而不是一个角度来讲述故事，从而成功取得原属于电影的叙事想象。摄影凭借新款大型数码相机和图形处理程序的运用，得以创造出不可见的虚拟世界。雕塑作品可以是由照片或录像带组成。而摄影捕捉到的事物也可以是一座雕塑、一篇文章或一幅图画。录像或照片中人或物的行为能够成为一件雕塑。语言也可以是雕塑。发光二极管屏幕上的语言能够成为一幅绘画、一本书或一件雕塑。录像与电脑装置可以是一部文学作品、一座建筑或是一件雕塑。在装置空间中，原本限于二维空间的摄影和录像艺术也获得了空间和雕塑的维度。绘画经常涉及摄影或数码平面设计程序，抑或是两者都用。电影越发显现出在纪录性现实主义方面的优势，而这种现实主义正是从录像那里获得的对于大众媒体的批评。互联网在它的聊天室中为所有媒体提供对话和文本。网络中的全部文本储存能够用来进行文本的自动控制和语言世界的自产。而网络也制造自产性的图片世界，并且网络内的文本可以用作电影演员或广播剧播讲者的脚本，或是诗人或业余作家的文字。通过Ipod，人人都能制作自己的广播节目：用“pod传播”代替广播。通过网络电视广播，人人都能制作自己的电视节目。网络电话（Voice Over Internet Protocol）与网络电视（Internet Protocol Television）为每个人提供材料，使他们可以选择使用照相、录像或电脑等任何媒体，来创造他们自己的文本和视听装置。由此可能相应会产生电影、音乐或建筑等产品。 这种媒体的混合导致了艺术和每种媒体的巨大革新。从而，绘画重获新生，这不是它自身的缘故，而是因为对于其它媒体的借鉴。录像从电影那里获得生命，电影从文学那里获得生命，而雕塑从摄影和录像那里获得生命。它们都依靠数码和科技的创新而存在。隐藏在所有这些艺术形式背后的密码就是计算机的二进制码，而这些艺术形式背后的美学由运算规则和程序组成。因此，艺术实践的这种现状最合适的叫法应该是后媒体状态，因为再没有哪种媒体是占据统治地位的；相反，各种不同的媒体互相影响也互为决定。所有媒体形式结合在一起组成了一种普遍通用的自给自足的媒介。这就是我们今天艺术实践中后媒体状态。 所有这些的最终作用就是要解放观察者、访问者和使用者。在后媒体状态中，我们体验了所有人的平等，这其中包括艺术圈之外的人，业余爱好者，门外汉。 “使用者创新”或“消费者产生消费内容”这类词语见证了一种新民主艺术的诞生，所有人都能够参与其中。这种参与的平台就是互联网，在那里每个人都能够上传文章、照片或影音。历史上第一次出现了一种“机制”，一处“空间和地方”，公众在其中可以将他们的作品通过媒体艺术的帮助传递给其他人，而不需要受到评判标准的限制。在此之前，这些作品不见经传。只有“合法化”的艺术才能被允许在博物馆或是其它国有或私人的空间中展出。现在，非合法化艺术的道路终于铺好了。艺术间的竞争已经结束，然而这种竞争又回到了它的起始点，回到了科学与理论，艺术与实践的关系上面。

继续编译 2007广告摄影新势力 © Popel Coumou, Holland （三）商品化与反商品化并存 当下的形势一方面是图片的商品属性被逐渐强调，但是另一方面也出现了一些反商品化的机会。在未来的2-3年之内，这个领域的商业气息将更加浓郁，一些照片的价格将会下降。但是在另一方面那些能够脱离这种流水线作业生产照片的人，将会更加引人注目，能够建立起他们个人或者组织的品牌，从而让人们都知道好照片就在他们那里。 照片的商品化是照片制作、印刷以及发行的整个过程成本紧缩的压力而造成的后果。照片的制作费用决定了照片的品质，当制作成本高，人们都重视图片，但是当下图片费用不比文字的费用更高，图片频繁在媒体出现，而且由于成本降低的原因，它的质量也就随之下降。 另外一个造成这种图片饱和状态的是照片愈发成为一种一次性的消费品，从前影像都会长时间展示，而今天图片的生命周期随着媒体的印刷周期而变得更短——几天甚至几个小时。 但与此同时，因为日常生活中充斥着照片，对那些能够脱颖而出的影像的需求就变得迫切，独特的、新鲜有创造力的影像则会受到追捧，取得品牌效应，价格也能得到提升。 一直以来，摄影都被看做是一种机械工艺，直到最近二三十年摄影艺术市场的活跃才改变了这种状况，你可以看到，Gursky的作品在拍卖市场价格不断攀升。那么我们是否也可以大胆预言广告摄影也会产生同样的状况，不过，由于广告的目的是销售产品。人们对于广告摄影的刻板印象是其必须具有引诱作用，是泛滥的，互相抄袭的。但事实上，广告影像也是一种有力量的大众传播工具，可以对一种产品、一种生活方式形成标示作用。当下最好的广告摄影作品就是那些打破商业和艺术界限的作品。然而，把艺术摄影挪用到商业影像中更容易一些，反过来难以做到，因为艺术世界对于具有商业目的的影像是非常小心且不怎么开放的。 （四）媒介融合，动态静态融合 当下一个有趣的现象是静态和动态影像也开始融合，有的时候客户对一张照片如何使用是没有什么把握的，他们希望能够用在印刷媒体、网站等等，也因此对动态和静态影像的需求都同样强烈。 这对于摄影师如何拍摄以及编辑照片将产生很大影响，会需要其同时拍摄静态和动态，如果有人能够在此有所突破，他立刻就能成为行业领袖。 我们要看到，一方面卫报这样的媒体开始使用对开页照片，另一方面手机影像的需求有巨大缺口，摄影师要体察这种趋势应对其变化。 对于“My space”语境中成长的年轻人来说，他们不看报纸，他们利用各种传播方式交流，他们喜欢静态照片，也同样喜欢视频，他们就是一群生活在“现场直播”环境中的一代人，这挑战了广告摄影的表达方式。 (完)

前两天在《中国摄影》杂志的一个活动上碰到大木，他问我去年狂想了2007，今年是不是还要再狂想2008。当时我觉得今年过得特别平静，似乎没有狂想的激情。这两天老外们都在过圣诞。网络上很安静，逛来逛去翻出一篇发表于年初的旧文：当时盖蒂发布了2007年广告摄影新势力——35位值得关注的年轻摄影师名单，其创意总监Lewis Blackwell接受了访谈。去年影响杂志也做过这个题目，但是这篇文章分析得非常精彩，让我突然意识到，2007的变化是一股潜流。“融合”是我们这个时代的关键字，在不知不觉中，小溪已经汇成了大河。下面就分两次编译这篇文章。 © Ofer Wolberger, United States 2007摄影新势力 （一） 在现实与虚幻的真空地带起舞 当下，在新闻摄影（editorial）和广告摄影之间出现融合的趋势，媒体上具有信息属性的摄影元素越来越具有抽象、概念性的特质，而广告摄影的表现方法却开始更多借鉴纪实的手法——为了让影像具有说服力努力从现实中寻找力量。 这或许就是一种融合吧，或者是不是可以说，纪实和虚构的世界之间的界限开始变得模糊了？我们似乎生活在一个后结构主义的时代，一个打破原有的界限以及属性差异的年代。这不禁让我们想起了Jeff Wall、Simon Norfolk以及 Eric Baudelaire的摄影作品，他们都在质疑摄影所谓的“真实性”，摄影的证史与证实的作用究竟有几分可靠性呢？这些摄影师有意模糊了纪实和虚构的风格而对此进行反诘。 大约150年以来，摄影或者光学的真实是构成以及定义视觉真实的主要依据，当下，影像被修改合成、从摄影到造影，但是我们依然在下意识地寻找所谓的“摄影的真实”，但更多的目的是给影像作为视觉语言的一个认同与定位。影像一直都走在现实的边上，模糊的、不期而至的感觉让我们并不能十分确认哪里是现实哪里不是。 （二）影像创作开始了内容革命，信息传播朝向非语言文字形态 近些年的技术革命首先带来了信息获取方式的革命，但是最终带来的是信息内容的革命。这和我们当下社会文化的视觉转向息息相关。 以广告为例，尽管大多数广告活动仍旧基于文字概念但是最终的广告产品却是视觉的。最典型的案例就是贝纳通从90年代开始展开的广告宣传活动，始终是基于甚至超越文字理念，非常视觉化的表达。 广告内容传播的变化是和更大的信息传播方式的变化相呼应——从重视文字到重视视觉思维。回顾历史你可以发现这样一些事实：中世纪，修道院的修道士把文字绘制成图画，从17世纪的报纸到19世纪的报纸，一个最大的变化是视觉元素的增加，现在，广播让位给电视，最开始以文字为主的网络让位给视觉，电话里面都装上了照相机。。。。

从上周开始，新浪的首页发生了变化： ——在要闻旁边出现了一些小小的摄像机的符号，标志着这条新闻点开之后可以看到动态的视频报道。 这个形象的视频符号并非是新浪的专利，因为这已经是美国报纸网络版，或者新闻类网站中通用的符号： 上图是cnn首页的当日重要新闻栏目，可以看到它们使用的是和新浪同样的符号。首页的大照片是从图片巨头gettyimages那里购买的。 这是MSNBC网站的首页，要闻部分也有同样的符号表明这条新闻有视频辅助，同时还有一个照相机的符号注明有图片可以观看。 除了视频与文字新闻的配合，图片和声音也在网络上大显身手，同时也有相应的符号化说明： 上图是华盛顿邮报首页的一则新闻导航，配有三个图片影廊 上图是纽约时报首页的新闻，配的是带声音的图片幻灯片演示。 需要说明的是，以上展示的都是各个不同类型的新闻类网站的首页导航，并非是它们专门的图片或者视频频道。这尤其重要，说明网络媒体已经逐渐开始将各种信息资源整合在一起传播，而不是分而治之。 无论是声音还是视频亦或是照片，你不能小看这些符号，它们也许将会成为互联网上的一些通识符号，这些符号背后所代表的就是媒介融合趋势。也就是说，将来你看到的、听到的、读到的信息将在同一个平台上给您传输，信息之间互为弥补协同运作。 再想一下，目前这种融合还只是后端上的融合，也就是通过编辑将信息整合而实现的融合。后端的编辑需要一定会推演到前端的生产者，可以预见的一个趋势就是，未来在新闻信息采集的时候也需要用媒介融合的思路去报道新闻。那么也可以推导出这样一个公式，传统的摄影记者+视频报道的学习+文字报道能力=不可替代的新闻人才。 这就是达拉斯晨报的David lesson为什么会宣称“这是我们（摄影记者）称王称霸的时候！” 我这么说都是纸上谈兵，大家未必一定会相信。因为在动员新闻学院学生参与新闻摄影方向的学习的时候我也这么说来着。昨天下午的最新消息，目前仍然只有10个人报名。如果不到15个这个方向今年就只能取消了。这个消息让我非常郁闷，很郁闷〉〉〉〉〉