1416 教室

编者按：1416教室的两位专栏作者很有可能在Luigi Ghirri纽约的展览上曾擦肩而过，现在，我手头有两份Luigi观后感。今天把两人的文章先后刊出，您可以顺便再去检索一下Luigi Ghirri的彩色摄影作品，这个小长假，你的眼睛有福了。 Luigi Ghirri和照片里的小人儿 文/刘张铂泷 说起彩色摄影的话，大概第一个想到的名字就会是William Eggleston吧。MoMA历史上第一次做彩色摄影的个展就是他的，为他牢牢的确立了在彩色摄影圈的地位。另一位早期彩色摄影的大师Stephen Shore，他是历史上第二个在世时就在大都会博物馆做个展的摄影师。还有一些早期实践者比如Ernst Hass，Helen Levitt……这些我们现在熟悉的名字几乎全都是美国人。当然了，客观原因是柯达的大本营在美国，近水楼台先得月。不过从别的方面想想，我们为什么能够知道这些名字？我们为什么能够看到他们的照片？这背后有一个很有力的大手在推动着，MoMA，Szarkowski。 凡是在Szarkowski执掌摄影部期间在MoMA做过个展的摄影师们都火了，Atget，Arbus，Winogrand，Eggleston……这些人都成为了他们所在领域的传奇式人物。很难说这是一件好事还是坏事，Szakowski确实慧眼识人，发掘出了这些最有天赋的摄影师，让他们在摄影史上都能有一席之地，但是，他们的光芒也使得人们无法看到更多出色的摄影师。这里想聊聊最近看到的一位意大利摄影师Luigi Ghirri。（据系主任Charles说，传言他没在MoMA做过展的原因是他的照片放大做的不够好）。 在Google上找关于Luigi Ghirri的内容很少，他在美国出版的第一本书是2008年的It’s Beautiful here, isn’t it…，去年又出了一本Kodachrome。他不怎么为人所知的原因之一也是去世的比较早，近些年才逐渐被美国人发掘出来。他从70年代初开始拍彩色照片，从时间上来说和Eggleston，Shore差不多，也算是早期的实践者了。 拿他的照片和Eggleston比较的话，用个不算太恰当的比喻就是小清新和重口味。看Eggleston的照片色彩很浓郁，尤其是红色，那张著名的红屋顶，色彩激烈的像是要从画面里面喷出来。这要部分归功于他当时所用Dye-transfer的印刷工艺。从内容上说，虽然两个人关注的都是很日常的画面，但是Eggleston的照片阴郁深沉，即使是明亮的户外，云彩也总是带有压迫的感觉。与之相反，Ghirri的照片很轻快。蓝色很淡，天空很远，构图总在有意无意之间。             William Eggleston, Red Ceiling 仔细端详Eggleston的照片，总会有些看似不经意的细节引起人的注意，而这其实都是他有意安排的，所以他的照片能够从很多拍日常生活的照片里面脱颖而出，这是Eggleston之所以成为Eggleston的原因。Ghirri的照片更像是旅游日记，他经常开着车在意大利到处转，沙滩，绿树，小店，阳光，这几乎就是现在小清新的代名词。但他的照片总是隐隐约约的藏着些什么，不是实在的可认知的物体，而是一种弥漫的情绪。虽然Eggleston的照片也有很强的隐喻性，但是他所隐喻的情感能够被观者所感知，而Ghirri照片中的情绪却很难捉摸，就像是记忆深处的微光，时隐时现，但总也无法看清。 Luigi Ghirri 不要让照片太直白了。有趣的照片是让人能够看了还想再看的，Ghirri即是如此。有很多照片虽然在视觉上很刺激，但是一下看上去就能让人看明白照片在说的是什么，失去了很多不确定性，照片也就没意思了。Ghirri的照片很空旷，不是那种吓人的空旷，也不是Shore或者Robert Adams他们那种有着强烈的人类存在痕迹的空旷，只是简单的空旷，或者用空灵这个词也许更贴近一点。有时候有人，有时候没人，人物很少有正脸，也能看出他不是为了拍人而让人物出现在画面里。他在寻找什么东西。直到我读了他写的一段话之后才明白他在找什么。 (…) Read more