荷赛大师班研究之三——闪光灯

之所以把闪光灯拿出来单独谈,是因为对于闪光灯的使用向来存在争议。 国内一些传统的观点认为,能不用闪光灯就不要用闪光灯,尽量保持现场气氛。但是随着彩色化时代的到来,原来在后期暗房可以对曝光进行弥补的做法,对于彩色摄影却行不通,曝光不准确将会导致色彩无法还原,此外还会存在色温的问题。一些不提倡用闪光灯的摄影师也开始用灯了。怎样用好闪光灯,或者说怎样在保持现场气氛的前提下用好灯,是比拒绝闪光灯更重要的问题。 在荷赛大师班里,闪光灯技术使用纯熟的大有人在,无论是现场报道还是在影室里布置拍摄的照片,闪光灯都被摄影师作为一种很好的辅助工具加以使用。但值得注意的是,还有一些摄影师他们对闪光灯的用法却不以保持现场气氛,弱化闪光灯的存在为前提的。闪光灯的使用很直接,打出了难看的投影,这是一种被认为是错误的使用方法,却被摄影师加以利用表达他们的观点。 Brian Finke  拉拉队 我把这种反常使用分成下面几种情况。 第一,通过闪光灯的毫无掩饰的使用,强调摄影师的存在。在报道摄影中,我们常常希望读者不要从画面中看到摄影师,希望能够尽量还原现场,但是对于有些摄影师来说,这不过是一个天真的想法,因为摄影师的介入总是不可避免的改变着事实,那倒不如将这种介入也表现出来。 Michakl Trippel 变化中的东德 第二,用闪光灯的增加现场气氛。这似乎有悖常理,但是摄影大师维加(weegee)就是一个很好的例子,闪光灯撕开夜幕强调了事件的突发与突兀,Peter Funch对车祸的报道就是这种方法。 第三,用闪光灯表达观点,闪光灯产生的阴影,可以给读者带来紧张、充满危机的感觉,学员Brian Finke对美国拉拉队亚文化的报道,闪光灯使画面具有了多重意义。

荷赛大师班研究之(三) 工具的变革

35毫米相机是经典专题摄影常用的工具,毫无疑问,因为它便于携带,易于操作,可以将更多心思放到捕捉画面上,因此受到青睐。 而中画幅和大画幅相机,被认为适于拍摄风光、肖像、建筑以及影室照片。 但是,从大师班学员的作业中可以看到,这种对相机工具的模式化认知已经发生了改变。 在1994年和1995年的学员作品中,都各只有一位摄影师采用了120相机拍摄,但是在2004年有6位、2005年有5位采用120相机。比例明显在增加。 实际上,工具的变革并不仅仅在于相机画幅的变大,还呈现以下一些特点: 1,不同画幅相机的混合使用,比如在使用120相机的同时使用135相机。 2,反传统拍摄手法的使用,比如120相机在拍摄的时候强调稳定性,但是摄影师可能将其作为135相机使用,用来抓拍,产生晃动紧张的画面。 3,对于工具更自由的选择,比如除了以上一些相机以外,摄影师还可以采用宽幅相机,宝丽来相机,袖珍相机甚至针孔相机。我在荷赛中国讲习班上课期间,老师针对我的拍摄题目“同志”建议我使用袖珍相机,后来我买了一台康泰时t3,由于相机的改变确实给我带来了很多思路和拍摄方式上的改变。 使用小型相机拍摄的同志酒吧 这种工具变革背后有怎样的动因呢?我觉得也有以下一些原因: 1,叙事方式的变化,以前占据主流的叙事方式是强调对现场的实录和不干涉对象的拍摄。但是120相机的使用需要摄影师更多的介入拍摄对象,需要对现场的控制。从一个完全的局外人,到现场的控制者,摄影师的自我存在被强调了。 2,从传媒市场到艺术市场的需要。专题摄影和纪实摄影一直依赖于平面媒体、展览和出版进行传播。但是随着艺术市场的活跃,让自己的作品进入艺术市场流通成为摄影师的又一个选择。即将在青海举办的国新办图片编辑研讨班,其中来自法国的讲师Yves Gellie的课程就是一个非常有意思的话题,主题是 “The new approach of photojournalism : Between Photojournalism and Fine Art”. 翻译过来是:新闻摄影的新方向:在新闻摄影和纯艺术摄影之间的现代新闻摄影。2004年的大师班课程上,策展人Val Williams就建议杂志摄影师可以和博物馆画廊合作,可以从杂志的摄影工作沿展开去,做自己想做的事情。而使用更大画幅的相机则可以带来更好的品质,增加照片的收藏价值。

黑白还是彩色?

1994年第一届大师班的作品,在《generation x》集子里只有一位摄影师的作品是彩色的,1995年是三位,到了2003年,情况完全反过来了,使用黑白的只有一位,2004年变为三位,2005年是 五位。黑白从最初的绝对主导,随后使用频率逐渐下降,而最近又出现了回流的现象。 2001年我参加荷赛中国讲习班的时候,上课的时候我们也向老师提出过这个问题——用彩色还是黑白?两位老师当时还产生了一些小小的争议。他们的具 体观点我有一些模糊了,只记得一位老师认为黑白的表现力强且不易掌控,而另外一位则坚持彩色摄影更加难拍。2003年平遥摄影节曾经设置了一个讨论拍摄纪 实是黑白还是彩色的论坛,但是不知道什么原因后来并没有举办。 伦敦,早期使用Kodachrome彩色胶片拍摄的照片 by Chalmers Butterfield 我们对经典纪实摄影的认知都是从黑白开始的,比如尤金史密斯、萨尔加多他们的作品是黑白为主的。加拿大艺术家杰夫·沃尔(Jeff Wall,1946-)曾经谈到:“在1960年代的时候,大家都已经接受了纪实摄影基本上是黑白摄影这种看法”。(艺术世界 2002年第一期)情况确实如此,在国内90年代纪实摄影最热的时候,几乎所有从事这项工作的摄影师都在拍黑白。出现这种状况的主要原因,萨尔加多的看法是具有代表性的,他并不排斥彩色,但是在他看来:“黑白照片有更强的概括力,而彩色片却容易把观众的注意力转移到五光十色的外表上,导致忽视事物的内在本质。”还有一个重要的原因是,早期的纪实摄影关注的都是一些社会问题,边缘题材,或者是战争与灾难。这类题材似乎不适合用彩色来表现。 但是从80年代开始,技术的进步实现了媒体的彩色化印刷,版面需要更多的彩色照片,另外一个现实就是媒体的娱乐化,广告商不愿意自己的广告旁边是一个索马里难民,媒体更需要一些生活化轻松的专题。面对市场的压力,更多的人转向了彩色,彩色意味着更多的市场。曾璜在1995年接受中国摄影采访的时候谈到,“中国摄影师要走向海外市场,要多拍正片, 因为国外图片市场上正片的市场比黑白或彩色照片的市场大得多。”当时一些摄影师自己偏爱黑白,但是又不得不拍摄彩色,所以常常准备两台相机,一台彩色一台黑白。 但是有趣的是,事物的发展过程中总会出现一些回归的现象。近来,黑白影像在媒体上重新受到青睐。曾璜在图片编辑手册中就专门介绍:“西方的主流媒体出现了使用黑白影像的回流。近年来《时代》周刊和《新闻周刊》的重点报道都可以看出这样的发展趋势。”2005年,时代周刊的图片编辑Mary Golon在给当年的大师班讲课的时候,就介绍了时代周刊在操作卡迪娜飓风时时代的两个反常之处,反常之一是他们使用了荷兰摄影师vu图片社的kadir去拍这个专题,希望能够得到一个从不同视角看这场灾难的摄影师,反常之二就是他们使用了黑白照片,Mary golon这样解释:”黑白影像在时间界定上有一种永恒的感觉,这符合我们对这场灾难报道的立场,它的影响是长期的。” kadir van   lohuizen摄影 kadir van   lohuizen摄影 如果用最中庸的话总结一下以上事实,杰夫·沃尔还有这样一句话:“有人说彩色摄影好,有人说黑白摄影更纯粹。总之,有各种各样的说法。但是,我认为这样考虑问题的方式有点不大对。就我来说,不管是黑白摄影还是彩色摄影,都说明了摄影各种各样的可能性,这当中蕴藏着许许多多的探索方向。” 的确,我们今天最幸福的是,社会正朝着多元化发展,其实我们可以选择任何一种我们喜欢的媒介表达,只要你认为这种表达方式是合适的,是能够传达你的个人感受的。在孙京涛在他的博客上翻译的“苏珊·梅塞拉斯(Susan Meiselas):中美洲及其人权”这篇文章中,摄影师也有这样一个值得学习的例子—— “在拍《狂欢节上的脱衣舞娘》时,由于不知道黑白和彩色哪一种效果好,我索性两种都用。那时,我还同时拍摄纪录电影、研究各种曝光问题。那时还没有高速彩色负片,所以我只能用黑白胶片。我很喜欢黑白胶片的那种颗粒感。 在尼加拉瓜,我同样用两架相机拍摄黑白和彩色两种胶片,但我逐渐发现,在这个地方用彩色胶片更合适。彩照能够拍出人们身上穿的色彩缤纷的衣服、粉刷过的房子,更重要的是能够抓住当地居民的一种情绪——对未来生活的乐观。这与萨尔瓦多截然不同。在萨尔瓦多,我也用两种胶卷拍摄,但那是因为杂志更喜欢彩色,而我却觉得黑白影调更能反映出那里战争的残酷性。 © (…) Read more

荷赛大师班研究之三——语言体系

关于大师班的研究,以前发了不少,但是回应者寥寥,不知道是不是过于抽象,还是我谈的都不到位。不管怎样还是让我把剩下的话都说完吧。 《generation x》是大师班十年作品集。必须指出,仅仅依照这本画册展开研究是不科学的,因为这些照片经过图片编辑的选择,已经并不能代表或者无法还原摄影师原来的拍摄面貌,带有一定的偶然性。我们因此一方面选择摄影语言作为切入点,另一方面以尽可能多的样本来得出更接近事实的推断。 从明天开始,我将从以下一些角度进行分析: 1,彩色还是黑白 2,相机的画幅 3,闪光灯的使用 4,镜头运用 5,肖像的拍摄 6,影像与叙事

周日小广播 (三)

1,互联网上最好的美国摄影师网站 美国摄影杂志花了三个月的功夫在互联网上游荡,挑选了10位风格不同的摄影师,他们都在新的层面上将摄影语言发扬光大。 第一,Brian Finke   www.brianfinke.com Brian一直在关注美国亚文化,比如拉拉队长以及最近的项目,空中小姐。他的作品主要的展示媒介是网络,网站是由他妻子设计的,风格干净简洁。(注,他曾是2001年大师班学员,我们有介绍) 第二,Guido Mocafico  www.mocafico.com 这是一位商业摄影师,网站上有多种风格的照片,在他看来,网站就是他的照片和存储想法的银行 第三,Alec Soth    www.alecsoth.com 刚刚被提名为马格南候选摄影师,密西西比河是他的一个拍摄项目,出版了著作《密西西比河的梦乡》,最近又在拍摄尼加拉瓜大瀑布。 第四,Amanda Marsalis   www.amandamarsalis.com 女摄影师网站上展示的全部是她为商业广告以及完成媒体拍摄任务的照片。她说,很多客户比如图片编辑,都是通过她的这个网站找到她来完成任务,这连她自己都感到吃惊。 第五,Lauren Greenfield   www.laurengreenfield.com 仍然是一位女摄影师,VII的成员。她对网站的利用绝对值的借鉴。她最新的拍摄项目是“瘦”也是讲厌食症的。这个作品在网络上以多媒体报道的方式展示。在拍摄的同时她还完成了一部纪录片,11月将在HBO播放。同时还将发布图书并举行影展,这一切活动都在她的网上进行推广。 第六 Eric Ogden www.ericogden.com 摄影师为名利场、时尚等媒体拍照,也为索尼公司这样的企业拍摄。他的照片以肖像为主,对人物的状态控制极佳,都是一些非常有“气氛”的照片,值得学习。 第七,Douglas Menuez http://www.menuez.com/ (…) Read more

1天以前

现在,距离奥运会开幕还有761天。 1天以前,在lightstalkers网站有人贴出一个寻找亚洲、非洲和南美摄影师的帖子,他们有一些提供给英国报纸的文章需要寻找摄影师合作。http://www.lightstalkers.org/posts/show/seeking-photographers-in-asia-africa-and-south-america 回应的帖子有几十个,印度印尼、韩国、越南、新加坡,中国台北,香港,但是,很难找到内地摄影师出现。 也有,是到中国旅行的一个外国人,还有一个会在上海呆两年,仍然是一个外国人。 如果今天,年轻的摄影师仍然因为语言的障碍、视野不够开阔仍然不能国际化,那么就真的是错过了大好时机。

剪辑、拼贴、影像的第三种效果理论

对于个性化的专题摄影表现方式,我想插一个话题,影像传播的第三种效果。 美国的威尔逊•希克斯在他的著作《文字和图片》中提出了“第三种效果”。含义是,当两张有关联的图片被放到一起的时候,读者不但会分别观看这两张图片,而且还会把他们联系起来阅读。这样除了图片各自本身的含义以外,读者还会在这两张图片之间读出第三种意义出来。这就是这两张图片的“第三种效果”。(此段话引自福利的论文,原出处不详) 实际上,第三种效果,不仅仅发生在两张图片之间,在单一作品中也出现。美国农场安全委员会摄影师Artelia Bendolph 有一张自己非常喜爱的照片《亚特利亚 班朵夫》,画面中显示一个女孩身后木头窗户上贴着一张报纸,报上广告版照片中有一个养尊处优的中产阶级女人捧着一大盘食物,广告的文字是“你的面包师提供你诱人的各式面包!”摄影师这样剖析这幅影像:“这张照片的特别之处是它结合了两个图像的象征——就像这张广告——与照片中其他组成要素,而创造出第三效果。你先看到女孩,这是第一层效果,你再看到广告,而有了第二层效果,第三效果则在你同时注意到两个影像,并且体会到其中的反讽意义时出现。”(引自《纪实摄影 摄影大师及其理念》p49) 第三种效果理论的出现,为我们在拍摄多张照片,比如专题摄影的拍摄和在版面上使用多张照片,提供了很有益的启示。 我对于专题摄影中这种第三种效果的体会,来自于做硕士毕业论文时看到的一段话——日本著名的摄影评论家重森弘淹认为“专题摄影的出现打破了过去只能欣赏一张照片的形式,与片断的新闻照片不同,它可以将事实与复杂的侧面联系在一起,赋予一定的深意。” 他还认为专题摄影的编辑手法深受电影中剪辑方法的启发,尤其是无声电影的剪辑手法,电影是在蒙太奇产生之后,才成为具有故事情节的艺术形式,专题摄影也是这样把图片“剪辑”到一起,“不仅使静止的照片也能展开故事情节,而且由于画面的相互冲突,产生了不断飞跃的印象和观念”。(引自西方摄影艺术流派及其大师们一书,p88) 回到我们谈的个性化专题摄影表达方式的话题上来,经典的专题摄影,非常注重叙事结构的内在联系,在照片的剪辑上,是按照一种非常规矩的叙事方法,比如从全景、中景到近景,其间穿插细节,这样线索比较鲜明,但是因此或多或少忽视了照片与照片之间在感性上给读者带来的冲突与对照。或者说经典的专题摄影太像电视了,也许会给读者带来视觉疲惫——我们为什么要观看静止的照片组合叙事?为什么不看电视好了? 静态的照片除了有瞬间的魅力,在操作上还有一个优势,可以在组合的时候非常自由的跳跃、切换,产生的第三种效果也更加强烈,但是电视却很难做到。一些使用个性化表达方式的摄影师,则很好的利用了影像的这个特长,他们在注重个体感受的时候更加自由。可以参照刚刚获得马格南女摄影师基金的jessica dimmock的作品“吸毒的人”,她的作品有南格丁的风格,房间中的景色,让我觉得似乎在跟随她的视线静静的观看  http://www.lightstalkers.org/jessicadimmock

荷赛大师班研究之二——变化2005 ( 总结)

以上对参加大师班学员专题摄影作品风格的分类,显然很粗糙,并且带有一些我自己比较主观的观点。但是我认为从中还是可以看到一些端倪。 虽然不能完全参考我的统计数字,但是可以看出,脱离传统的叙事方法,使用较个人化的风格进行叙述的年轻人越来越多。这姑且算做我们的一个结论,当然这也绝对不是对专题摄影传统套路的颠覆,只能说,我们能够用来表达自己思想的语言工具正在变得越来越丰富。 这种从传统到个人的变化可以通过以下两个案例看出。 案例一2000年来自英国的大师班学员gary calton,在诠释当年的主题work的时候,拍摄了救护中心抢救一个烫伤女孩的故事。 他的作品为传统的叙事方式——1,选择一个典型的主要人物。2,围绕这个人物的方方面面展开报道,比如刚刚进入医院,治疗,康复。3,影像尽量包含多种信息,表现人物之间的关系,使用广角镜头,重视前景和背景 2003年丹麦摄影师peter funch也拍摄了一个紧急救护队,当年的主题是enough 他的作品却并不遵循传统的表现手法——1,故事并没有主角 2,故事的叙事结构是散落的,逻辑主线是摄影师个人的感情,并且通过影像的整体风格(快照)的方法予以控制,从而使之不见松散 3,作者带有强烈的个人观点,他并没有表现救护队如何抢救车祸(一般的传统叙事都是如此思路),而是将血淋淋的死亡直接呈现在读者面前。 案例二是对厌食症的报道,2001年英国的felicia webb选择了一个厌食症妇女作为他的报道主题,照片也遵循了传统专题摄影的表现方式,比如暗合了生活画报的八股——特写照片、肖像照片,人物关系照片等等。2003年,德国摄影师sibylle fendt 的摄影主题同样是厌食症,但是他的作品完全脱离了叙事的功能,他使用120相机(这也是很多个人化表现方法常用的画幅),他的照片以多人的肖像为主,这些肖像中却并没有着意刻画厌食症的症状,肉体痛苦,等等,却着力表现这些女孩犹豫、孤独的内心状态,或者说是摄影者本人对她们的印象 经典的表达方法 个人化的表达方法 也许可以这样总结: 传统经典的专题摄影表现方式,重逻辑,重照片的叙事功能,强调叙事时的客观。尤金史密斯等人提炼出来的表达方式,确实是经典语言,至今并没有过时。这套语言系统易于掌握,易于同读者交流,可以成为一种共通的语言。但是缺点在于摄影师必须达到一定的功力,超脱形式的束缚,以求影像的精致经典,否则可能会被套路束缚过于平庸。 个人化的表现方式,重感情,重照片的表情功能,没有固定的套路,摄影师完全根据自己的感受表达,并不是以旁观者的身份,而是以一个参与者的身份展开拍摄。作品带有很强的感染力。更为重要的一点是,个性化的表达方式发挥了静态照片之间由于情景切换而产生的“第三种效果”,这种蒙太奇效果体现了专题摄影的优势。但是个性化的表现方式可能不能得到所有读者的共鸣,同时拍摄因为没有模式可循,难度更高,稍有不慎整个专题会很散乱。 注:关于“第三种效果”的理论我打算明天详细写写,这个最近有一些想法。 又注:上周五,当时飘着一点小雨,老孙千里迢迢把大师班的一本画册送到我手中。非常感动。

荷赛大师班研究(二)——变化2005 (续)

2004年 主题pride 经典(4) 因纽特人的生活 巴格达 生活在加沙地带 帮助戒毒的教堂 因纽特人 个人(8) 雅罗斯拉夫尔人民的生活(散点的记叙) 斯洛伐克——加入东欧以后 英国的年轻爸妈们 参加选美的孩子们 放纵的男女 同性恋游行(法国式虚焦点) 重返纳粹集中营 拉脱维亚衰败的工厂(120相机  全部空镜头) 年轻爸妈 选美 破败的工厂 2005年 主题ordinary 经典(3) 秘鲁 巴西圣保罗高级商场旁边的贫民区 非法移民 个人 (9) 阿根廷的心理诊所 (…) Read more

荷赛大师班研究(二)——变化2005 (续)

2002年,主题 ——faith 经典(6) 修女的生活 早产儿 教会 同性恋 hiv感染者 练习跆拳道的孩子 修女的生活 个人化(4) 一个叫做faith的小镇(大量空镜头的运用) 导盲犬 (街头拍摄,独特的个人表达方式——大面积黑,逆光,高反差) 塞拉利昂的盲童学校(作品用了很多虚焦的表现方法) 布拉赛的街景(距离感 疏离) faith 小镇 导盲犬 盲童 布拉塞 街景 2003年,主题——enough 经典(6) 8国高峰论坛的反对者 精神抑郁的患者 刚果共和国国内的战争 巴以冲突 居住在西玛拉雅山脉的少数民族(近些年来非常少见的国家地理风格) (…) Read more

荷赛大师班研究之二——变化2005

(这两天每天回家的时候,都发现狗把家里所有的通讯设施全部破坏,有线电视,电话,网络,所以连着休息了两天,呵呵) 新千年的的大师班学员作品,是否有一些新变化?在下面的研究中,我们对2000年以来的作品进行分析。比对的主要指标是作品表现风格。我将之分为经典的的和个人化的两种。 所谓经典,是指作品的拍摄思路与表现方法沿袭尤金史密斯时代的专题摄影风格,作者力图站在客观的角度,对主题进行以叙事为主的解剖和分析,整个专题讲究逻辑性,画面结构注重景别上的差异,叙事照片和抒情照片之间的搭配。 所谓个人化,作品在叙事的同时,更加注重个人化的感受,话语方式从经典作品中的“你看,这是。。。”而转到为“我看,这是。。。”摄影者主体的感受被强调,因此专题的结构也更加多样,富于变化。 需要说明的是,这两种类别的区分很粗糙,之间存在很多交叉,但是在表现样式上还是存在着一定的差别,这是我采取这种分类的一个原因,可能比较主观,但是这两者之间并没有存在高下之分,只是两种不同类型的表达方式而已。 下面,就是我们的一些统计结果 1995年,主题——patriotism 除了德国摄影师的作品“德国影像”全部可以归类为经典专题 2000年,主题——work 经典  (8) 拳击手的生活 非法移民 矿场主 两家日报的日常工作 紧急救护中心 岛上监狱 拾垃圾的人 尼加拉瓜少数民族 拳击手 非法移民 个人化(3) 婴儿的诞生(自拍) 铀污染(大量使用空镜头,非叙事性的表现手法) 两个农场的比较(原始农庄和工业化农庄,摄影师用两种画幅的相机,两种不同的光线(自然、人造))记叙自己对两个农庄的感受) 匆忙的纽约(全部是晃动的影像,体现纽约的繁忙时刻) 两个农庄 繁忙的纽约 2001年, 主题——indentify (…) Read more

周一小广播 之三

1,卫报采访世界杯摄影记者的摄影包里都有啥? 卫报摄影记者Dan Chung百忙之中,在自己的博客里为我们详细介绍了他使用的器材。 1)相机的品牌是佳能,他说你要是看到满场的白色大镜头你就知道佳能在体育摄影器材方面的垄断程度了 2)他平均每场比赛要使用五个佳能eos数码相机机身,其中最主要的是两台Eos 1d mk2,这两台机器主要配长焦,比如500毫米f4的镜头200毫米配f1.4的镜头。 另外一台机器是Eos1ds mk2配定焦的35毫米镜头,以及闪光灯,这个主要是对付运动员跑到摄影记者面前来庆祝时候用的。 还有一台Eos20d 配14毫米2。8的镜头,以及借来的一台Eos 1D mk2n配16-35毫米的镜头分别架在曼福图迷你三角架上,放在球门出用遥控器操纵拍摄进球的。 3)相机的远程控制装置是pocket wizard的multi max控制器或者英国摄影师tom hevezi制作的远程操控装置。佳能公司的caon wft-e1a则可以远程控制相机实时的将拍摄的照片传到笔记本来。 4)假如下雨了,相机可以有专门的防雨罩,镜头也有一种叫做lenscoat的新产品保护。存储卡可以放在一个叫做digremora的产品里,这东西可以安装在相机底部,因此你需要的时候可以立刻换上。 5)在远程传输照片方面,使用Fujitsu loox720便携电脑,内置idruna公司新出的软件,电脑上有蓝牙,wifi,和以太网这样就可以用多种方式连接网络。上述软件可以在相机里直接将照片传到伦敦总部,方法是只要操控一个按键。 6)以上全部设备放在一个品牌叫做think tank的摄影包里,包里有专门对付胶卷安检的防护措施,可以放一支400或者500的镜头,三个机身,底下还有轮子。 7)最后Dan Chung认为,器材当然不能帮助你拍摄出好照片,但是要是你会充分利用这些器材,当然会让你如虎添翼。 2,一本挖空心思的书 我最近打算买一本摄影书,这本书太奇怪了,我没有想到还能有这样一本摄影书,以及摄影还可以有此等特殊功能。 具体来说这是一个韩国妇女写的书,专门写给家庭妇女的摄影书,用数码相机制作party的邀请函,制作你家的路线图,拍摄动感的party照片,拍摄你制作的美食,出门买衣服的时候街拍,回家整理衣橱的时候拍摄资料,如果这些还都是能够理解的数码相机使用方法,至于怎样使用数码相机减肥,用数码相机再造男友,这你就要动些脑筋了。 表面上看,这本书不过是换了个方法介绍如何使用相机,但是我感兴趣的是,今天,大众对影像的态度以及对影像的利用已经进入一个完全不同的状态。

大师班研究之一:变化1995

我以1995年第二届大师班的学员为样本,通过名字搜索十年后的今天他们在干什么,同时比照他们当年的作品。这种分析是非常粗糙的,因为样本有限,同时信息也只能局限在网络报道。不过,结论不是最重要的,我的乐趣是从中获得了很多的线索。 这届大师班的拍摄主题是patriotism爱国,也许是因为题目的限制,这届学员的作品都与战争、政局相关,唯独中国学员黄文,她从“学京剧的孩子”切入表达爱国,可谓是一个亮点。 我们要谈的是变化,但是在我的检索中,却首先发现了这些年青摄影师的坚持,因为除了一个名字无法完成检索,其他所有人都仍然继续从事与摄影相关的工作,此外,有几位摄影师十几年来都持续关注他们当初的选题,这很令人惊讶,对被摄对象,对于所拍摄题材的真情实感是让他们如此执著的根本动因。这给我很多启示,摄影师应该有一个自己长期拍摄的项目,这个长期也许是10年可能会更多,但是这种关注将远比急功近利的为了参赛和影展更有意义许多,你会得到更大的回报。 下面就是我对一部分摄影师的发现: Kai Wiedenhofer,德国摄影师,大师班的作业拍摄加沙地带的战乱与冲突。 十多年以来他一直关注这个题材,对加沙地带的拍摄动因,从他15岁开始,起初是对这一地带的文化以及历史产生了浓厚兴趣,随后才他发现以照相机是一种最佳表达方式,因此他才走上职业摄影的道路。他长年生活在这一地区,并学习当地的语言和文字,这使他更加了解自己的拍摄内容,kai出版了画册《完美的和平——从一场暴动到另一场暴动的巴勒斯坦人》,在其中表达了自己的爱以及对战争的失望。 与他报道题材上的不变追求相比,kai的作品风格较之1995年发生了变化,看得出来他更加职业了,影像语言更加丰富,也更加纯熟。   大师班作品                                                                                                     画册封面 更个人化的报道摄影表现形式 nadia benchallal在法国出生的阿尔及利亚人,大师班的作业是战争中的穆斯林妇女,她的作品带着女性的直感去拍摄的,注重被摄人物的状态,但是在视觉表现上则似乎非常漫不经心,但是你读的越久就越有感触。               与Kai 一样Nadia在其后一直继续这个选题,她前往阿尔及利亚,波斯尼亚,伊朗,加沙地带拍摄,同时她也拍摄了一系列在巴黎生活的穆斯林妇女、孩子,以及南非血统的人们。在她的另一个专辑《frome shore to shoure》中记录了她重返阿尔及利亚的寻找自己的过去的故事,她把后来在阿尔及利亚拍到的照片放在自己和父母的照片旁边,以此表达对自我身份的体会。Nadia是联系图片社创始初期的摄影师。www.contactpressimages.com/portfolios/benchallal/benchal_bio.html 在这里可以看到她的作品。 大师班作品 发表的作品 阿尔及利亚妇女儿童     swapan parekh,印度摄影师,曾在美国icp摄影中心学习纪实摄影,后来成为黑星图片社的摄影师,swapan在大师班的作业就显示了其对影像的极佳的控制能力,以及很高的职业素养,这种扎实的影像表现力,使得他在他后来的发展道路上,一方面在报道摄影领域尽显才华,另一方面将一部分精力放在了广告摄影身上,并且也十分优秀。事实上,以广告养报道摄影,是不少摄影师的生存方法。       swapan的大师班作品 jerome (…) Read more

小师班课程之二——荷赛大师班研究

  形而上的东西我们已经讨论太多了,下一个环节进入一些具体的影像研究。我手头有一些荷赛大师班的学员作品集,从这些作品集出发我想就下面一些话题展开一周的探讨: 1,1994-2006年学员作品风格和选题的变化(但是比较遗憾我只有一本1995年的画册,从2000-2004年的比较全,所以可能归纳有些偏颇) 2,不同地区年轻摄影师作品风格的差异 3,年轻摄影师的职业生涯发展与定位 这些题目都内容庞杂,希望我能够把这些内容整出来,不过可能感性认识比较多,还无法达到深入的研究

逆光的太空飞船航行报告

今天是一个比较适合写字的天气,闷热的日子过后,断断续续的下着小雨,就把这种氛围比作一张老照片吧,因为它总能让你的心情由现在向过去延展蔓延开去。而这恰好就是我们今天要谈的问题。 我们为什么要用相机观看这个世界呢?我们又如何展开对这个世界的观看?这是在布置这个作业的同时提出的问题,关于这个问题的答案有很多,以下是我的回答。                                自在 我们的太空飞船计划并没有完全遵照Charles Harbutt原来的意思,这是我犯的一个错误。原本题目中对完成十张照片有严格的时间限制——24小时之内。但是我考虑到每个人都很忙,便自作主张把时间延长到两周。结果是,两周的漫长思考过程让我们很多人都把这个题目当作了智力游戏,你试图在为这个问题求解吗?你是不是在寻找一个完美的答案?那么我们都错了。时间越长,考虑的越多,失去的也就越多。 我不会对这次作业有任何的评头论足,因为这十张照片完全是为你自己准备的,我们唯一应该反问自己的是,我真的很诚实的拿出了10张“我”最需要的照片吗?这个作业的一个核心本质,或者说最应该让我们感到酣畅淋漓的是,这些照片是为“我”准备的,而不是别人。 摄影中对自我的诚实,却是一个很难达到的境界,我得承认我的作业中有不诚实的成分,我也看到了其他同学很诚实的作业。我又不由自主地从习惯势力出发粉饰伪装自己。我做了一些拼贴对比,而事实上对于我最珍贵的也许就是一整本的家庭影集。 摄影最有魔力的是它在看与被看之间不断转换,但是作为本体的摄影师却越来越多的关注自己的作品的被看,而忽视了自我的“看”,这种虚荣,让我们忽视了摄影中最为重要的直感,越来越花哨与轻佻。 自在这个词的意思是轻松、舒适,而这种状况的达到是通过“自我的存在”达到的,我们可能不能总是如此幸运的为自己拍照片,但是“自我的存在”是真诚影像的前提要素。                                                                            过程 这十张照片的准备过程中,你是否有过犹豫不决,难以取舍的情形呢?我有。而这个过程,其实重于最后的结果。 我们去美术馆观看画展而不是在家里看仿制品,因为我们可以从真迹中体会画家的心境,从他的每一笔笔触中感知他作画时的“场”。电视剧里的结局一般来说都是最无聊的,但是我们都宁愿花很长的时间去等待,体会过程中的酸甜苦辣。 很多时候,我们太看重摄影的结果(在生活中的许多层面也一样吧),其实这个结果有什么意思呢?它是静止的,被局限的。最为珍贵的是创造这个结果的过程,就好比因为这次作业我们都翻出了自己堆在角落的老照片,或者我们发现手头竟然没有一张父母的照片,这些心情远远超出了10张照片以外。对于我自己,体会最深的是 拍摄“同志”的专题,这是一次很复杂的经历,后来我写了很多文字,但最想说的只有一句话——“我们成为朋友的这个过程,获得拍照可能的这个过程,它大过一切照片。”可能我的大多数照片都不可能面世,但是这都不是最重要的,我珍惜这个过程,也因此充满感激。 对于羞怯的人来说(我应该算吧),相机是你的通行证,去接近想接近而又不敢接近的人,去说想说而又难以启齿的话。这就是摄影带给我们的奥妙。                                                                       表达 其实看到这个题目的第一直感就是用手机拍照,尽管我最后没有选择这个表达方法,但是我不太想用过于精致、完美,或者说过于专业的手段为自己准备这些照片。我想起了看一个做菜的节目,一个美食家被问到他所品尝过的食物中,那道菜最好吃,他的回答是:妈妈做的菜最好吃。的确,在每一个城市里,最好吃的菜都不在饭店里而是在家里。 这个题目给我带来的另一个直感就是,我们要认真阅读一下本雅明的《迎向灵光消逝的年代》和罗兰巴特的《明室》。本雅明让我终于理解了尤金阿捷特作品的含义,说实话在此以前我一直都读不懂这个人的作品。 我们对阿捷特的解读往往将之作为一个纪实摄影的先驱者,似乎他名垂千古的是对巴黎街景的纪录。而在本雅明的解读中,“阿捷特的巴黎影像预示了超现实主义摄影的来临”,这个穷困潦倒的摄影师,他如此坚定拍摄自己心中的巴黎,他并没有运用自己其实非常纯熟的摄影技艺,他看似漫不经心地去捕捉自己心中的巴黎,他的作品完全保持一种异常寒冷的感觉,这种感觉“与这个城市之名所挑起的异国浪漫虚浮联想完全背道而驰”。而正是这种感觉让他的作品依然保持着难得的“灵光”。 对于本雅明来说,这个“灵光”是摄影远离纯属技艺而带来的一种摄影者和被摄者之间的契合与舒适,因此你可以从静态的影像中读到一个场,读到从拍摄到结束的全部过程。 “灵光”概念包含了我前面表达的所有观点,灵光的存在是不以结果为最终目的的,它是摄影师极为真诚的喃喃自语。而我们应该做何选择呢?在罗兰巴特明室里最后一句话是这样的: “摄影就这么两条路,是使摄影的场面服从于完美幻想的文明寓意,还是正视摄影不妥协的真实性,就看我如何选择了。” (…) Read more

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  • 摄影如奇遇
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