1416 教室

最近一段时间很有意思，不断地接触到“肖像”这个字眼。 前段时间的一篇blog，让我不经意间和纽约的华裔摄影师沈玮搭上了线，这实在是一个意外的收获。在blog里介绍的是沈玮获得pdn年度摄影作品奖的《红粉纽约》，而他却特别强调这并不是他的主要作品，如果要了解沈玮当下的艺术创作，可能就需要到下周在纽约Jen Bekman画廊开幕的“新美国肖像”（A New American Portrait）摄影展去看看了。 “新美国肖像”是一个群展，一共有9位艺术家的18幅作品参展，其中包括我们熟悉的马格南的摄影师Alec Soth。展览的两位策展人是美国摄影艺术界的新锐人物，其中Jen Bekman被《美国摄影》杂志评选为2006年度最具创新人物，她通过互联网搭建的旨在推新人的平台Hey Hot Shot艺术摄影季赛活动，已经成为年轻摄影师进入艺术市场的一个重要桥梁。而另一位策展人Jörg Colberg则更是一个依靠blog横空出世的家伙，他的个人博客“Conscientious”关注当代摄影，视野广阔，很难想象这是一个天体物理学家的blog. 这两位网络传媒时代窜红的摄影评论家和策展人所策划的展览，必定也有其独特之处。展出的作品有环境肖像、自拍等多种类型，策展人Jen Bekman指出：这18幅肖像作品具有其内在的深度且充满感性色彩，它们描绘了当代美国人的状态——性、性别、欲望、爱国、消费主义、恐惧、阶层、希望以及孤独，这些不同的情感融汇在一起。 什么是“新”肖像？Jörg Colberg特别在blog上发帖讲述了自己钟爱的经典肖像作为和“新”的比对，其中包括爱德华斯泰肯（Edward Steichen）、桑德（ August Sander）、比尔布兰特（ Bill Brandt）阿维顿（Avedon）和纽顿（ Newton）的作品。 谈到“新”肖像，就不能不提6月号的《中国摄影》杂志，这期的主题也是肖像。编辑指出 “从人脸到面相，尤如从纪实到象征，中间的跨越与转换，本身就是一个属于摄影专有的、同时又具有社会意义的话题，既体现了观看的进程，也表达了用视觉定义世界的努力。” 在这期杂志里有评论家杨小彦撰写的“面/相——中国当代摄影中人脸的意义”，以及“变脸：当代肖像摄影新趋势”（江融文）等文章，收录了韩磊、徐勇、向利庆、张鸥、郭航、刘铮、 李广锌等人的肖像作品。在这些摄影师里我们又可以发现一些有意思的联系: 张鸥也是一位在纽约从事艺术创作的华裔摄影师，她（他？）的作品主题是“爸爸和我”，通过肖像作品描述了一些被美国家庭收养的孩子和他们的父母之间的关系。同样是肖像、同样在纽约，沈玮和张鸥这两位艺术家一位选择了美国人作为自己的主题，另一位则寻找美国人和中国人之间的关联。（张鸥的作品正在北京展出，点击这里可以看到介绍） Almost naked 沈玮摄 (…) Read more

马格南最近的新花样可真多，建议你赶快去下载这个玩意儿：马格南在法国电影资料馆举办的摄影展手册。点击这里。 展览的题目叫做：The Image to Come :how cinema inspires photographers（即将到来的影像：电影如何影响摄影师），讲述了10位马格南摄影师和对他们的作品产生影响的电影导演、电影风格或者某一部电影的故事。策展人是这样解释展览的初衷的： “即将到来的影像”是布列松用来形容电影和摄影的不同时所采用的词汇，因为电影的魅力总是存在于下一个即将到来的影像之中。但是如果反过来，动态的影像是否也能够成为激发静态影像产生的火花呢？ 展览的两位策展人分别来自马格南和电影资料馆，他们将展览布置得充满想象力，惊喜连连。影像文化网站（Lensculture）对展览做了细致的描述，让我们这些无法前往的人们不禁浮想联翩： 整个展览丰富而多变。有些组合是将电影的片段和照片放在一起，有的则用幻灯片演示的方法，制造出一种出奇不意的效果。还有的干脆就把摄影师个人的剪贴簿展示出来。摄影师Gueorgui Pinkhassov还展示了当年他受导演安德烈·塔尔科夫斯基Andrei Tarkovsky的邀请，前往观看他拍摄电影潜行者Stalker（1979）时拍摄的导演的照片以及电影拍摄场景。 总而言之，每一个组合都是独一无二的，没有条条框框，没有重复，它再次证明了这两种形态之间相互影响如此深远，以及它所激发出的创造力是如此的多样。 以下便是参展的摄影师情况： Abbas与电影导演罗拔图罗西里尼(Roberto Rossellini).的作品战火( Paisà) Antoine d’Agata与自己拍摄的纪录片Aka Ana。Antoine d’Agata受到电影《感官世界》的影响，在日本逗留的四个月期间拍摄了一部自传式的纪录短片Aka Ana，总长２０分钟的影片中纪录了摄影师本人一个个充满暴力、犯罪和喜悦的夜晚。 Bruce Gilden和美国５０年代悲观宿命论影片（American film noir ） Harry (…) Read more

2007年三八妇女节前夕，马格南发布了一个小幻灯片故事，汇集了马格南女摄影师的作品。 England. 1963. Eve Arnold on the set of Becket. Photo: Robert Penn. 点击这里观看作品 “我们就是那些少数的，为历史作证的女人。”这是幻灯片开始的话，然后就是激烈的鼓点一直贯穿到放映结束。看过以后，非常失望，这段作品集太甜了，对不住这些伟大的名字Eve Arnold、Martine Frank、Inge Morath、 Susan Meiselas,、Lise Sarfati 和Marilyn Silverstone。 马格南女摄影师的境遇可以从这个短片中看出来，她们得到的重视，无非因为贴上了女性的标签。在马格南博客上针对这段作品，马格南的男人提出了这样的问题：“女性对摄影做出的最大贡献是什么？”这个问题和幻灯片的内容一样滑稽，因为展出的所有照片都是各式各样的女性形象，但女摄影师真的那么爱拍女人吗？ 问“女性对摄影做出的最大贡献是什么？”的人得到了两个反馈——妇女们群起反攻，说你问这话是什么意思？！本身就是对女性的歧视；而狡猾的男人们回答，女性最大的贡献是她们成为男人的模特，比如阿富汗少女等等。 其实我不是一个女权主义者，我也害怕变成Lise Sarfati那样的女人，这是我唯一见过的一位马格南女摄影师，在荷兰的年轻摄影师培训班上，她作为讲师出现，却遭到了全体学员的痛恨，因为她说话尖酸刻薄，对人爱搭不理，完全一副骄傲自大的样子。后来荷赛的人私下和我们讲，说lise所到之处确实都比较麻烦，她的人还不错，但是脾气却非常糟糕。 我猜想Lise一定有非常艰难的工作经历，造就了她的坏脾气。女性能够在摄影领域立足就很艰难，而混在报道摄影领域，就更是奇迹。一些人变成了男人婆，那就基本和男人没有两样，而另外一些仍然温柔体贴的，就注定绯闻不断，出名的不是照片而是情史。 再说，眼泪就要掉下来，不管怎样，还是为少数派妇女，为摄影领域的新鲜空气——干杯！ 工作中的Margaret (…) Read more

手机摄影 数字相机 分享照片 Flickr 图片博客 业 余摄影师图片库 Scoopt Splash 市民新闻摄 影 专业和业余的博弈 打印照片 photoshop 艾丽斯摄影博物馆(Musee de l’Elysee)是第一家试图回答上面这些问题的博物馆，或者说他们在弄一部新媒体时代的摄影史。 这个雄心勃勃的计划如何实现？ 第一步：提出问题——为什么要弄这样一个展览，主题是什么，回答以下问题 数字时代对于摄影来说一个全面的革新，还是仅仅是一个进化？ 数字时代的改变是不是代表真正的影像民主时代的到来？ 改变是否威胁了专业摄影师的地位 改变意味着影像更加真实还是相反的效果 第二步：找到展览的主线 数字摄影的内容特性——数字摄影的技术内涵———数字照片的拍摄——数字照片的分享——数字照片的评价——数字照片的保存 第三步：找到展览的表现形式 从以上几条主线分别展开，每个线索都按照特定的模式布展，这个模式包括： 1， 文字总体介绍 2， (…) Read more

在经济上，这两年国内媒体热衷于把中国和印度比较，这两个国家有很多相似之处：人口大国，积淀深厚的文化传统，西方人眼中的神秘国度，更重要的是，两个国家的经济正迅速崛起，成为全球经济发展的超级巨星，有人认为这是中国龙和印度象之争。 这引起了我的另一个好奇之心，印度的新闻摄影和中国相比又发展如何呢？ 作为世界新闻摄影比赛的评委，来自印度的Swapan Parekh，有这样一段话：“印度的新闻摄影长久以来笼罩在传统的沙龙摄影的气氛中，仅有的一些全国性的摄影比赛都是面向业余爱好者的，只有很少的一部分出色的新闻摄影师，他们通过自身的力量拍出了很好的作品，但是从整体上讲，印度的新闻摄影仍然很落后，不过这两年也在逐渐发生变化。印度摄影师Arko Dutta拍摄的海啸就获得了荷赛年度大奖。” 的确，荷赛在印度的新闻摄影界深深地植入了它的影响，印度新闻摄影比赛是按照荷赛的体系进行的，荷赛大师班接纳了很多印度的学员，上面提到的Swapan Parekh就是其中一个。此外荷赛还在印度举办各种面向年轻人的讲习班，因此在印度新闻摄影界，能够在荷赛获奖也是万众瞩目。同时，由于大量外国人拍摄的印度题材的新闻摄影作品在荷赛频频获，这让本土摄影师也充满信心积极参与，每年参加荷赛的印度摄影师名单都是一长串。 如果用一些更具体的画面唤起我们对印度新闻摄影的理解，1997年为了纪念印度独立五十周年，在费城艺术博物馆（Philadelphia Museum of art）艺术馆举办了一个名为“印度：1947-1997”的展览，囊括了250幅摄影作品，策展人是这个博物馆的摄影策展人Michael E. Hoffman。这个展览是对印度历史的回顾，同时也可以让我们获得更多对印度新闻摄影的理解。 展览的开始是两位摄影师具有历史意义标志性的作品。本土摄影师Sunil Jahah拍摄的1947年独立日前夕甘地的肖像，是一个让人难以忘怀的瞬间，甘地低着头面对着拥挤的人群，但是这个宁静的瞬间很快就被打破了，在Jahan的1948年的照片中，同样的卡车上是被暗杀的甘地，街道上同样也是拥挤的人群但是心中的愤怒超越极限。与jahan作品并列的是我们熟知的布列松的作品，他也出现在甘地的葬礼，布列松则更为专业地从全景到近景记录了整个仪式以及其中孕育的悲伤。 这一段历史作为开始，展览却飞速跳跃到当代印度，先是一个居住在新德里的美国摄影记者拍摄的印度教的照片，然后是年轻摄影师 Swapan Parekh 拍摄的印度非国民主义者。展览在印度和西方两国摄影师视线中的印度交替展开，但仍然以西方摄影师为主，比如萨尔加多拍摄的印度劳动者，马丽艾伦马克的印度玩蛇人，Steve McCurry的铁路工人等等。 我觉得有意思的是，在进行这一段对印度新闻摄影的简单回顾时，似乎不时闪现着中国新闻摄影的影子：沙龙、荷赛、西方视角、本土摄影力量的崛起。也许下一个阶段，应该是印度象和中国龙在国际舞台上的角逐。

   前日关于“五个稻农的展览”的文章，引发了一些朋友的争议，其实上一篇博客文章已经在试图解答这些问题，今天我摘录了”eye magazine”的Val Williams对“爱影像”（Loving Your Pictures）展览的一段评论，站在艺术史的角度，他对这个展览的意义，以及解读影像的多重语境多种可能，给予了最好的解说：   “拾得艺术（found object）在艺术史上并不是新鲜玩艺儿，最为著名的应该是杜尚，他把物体从原先的语境中孤立出来，在博物馆赋予其新的意义。（见杜尚作品喷泉）而Erik Kessels的展览也有同样的含义。这些被称为私语摄影（vernacular photography）的影像也有其存在的重要价值，他们不但展现了另外一种叙事方式，同时在历史的洗礼中，再次想象的过程中，通过重新结构，展现了更多的故事；而事实上，那些曾经因为特定目的而生产的影像在文化意义的层面不但可以被转述，并且有可能完全颠覆原来的语义。    过去，拾得艺术和私语摄影一直都是在艺术策展的边缘存在，但是今天却逐渐成为视觉艺术的主流。”   葵葵在中青报发表的对于五个稻农的作品评论，有一点我并不认同，葵葵在审视这些照片的同时在追问真实性的存在，而事实上这种追问是徒劳无功的，或者说是没有意义的。一方面，这些视觉元素被视框孤立以后，脱离了原本的语境，脱离了原本的时间和地点就无法被再次还原，另一方面，真正重要的是，我们对影像的解读并不应该完全以真实性为目的（纪实摄影也不例外），每一张照片都有意义，这是一个真命题，而这个意义在不同地点不同时间被发现（found）并且得到延伸与发展，这才是“看”照片的精妙之处。就好像在观看五个稻农的影展的时候，有的朋友从中看到了一些做作的痕迹，其实这就是对“意义”的一个发现。 注：拾得艺术——源于法文object trouv’e,一件拾得物是一件既存的物品-經常是世俗產品-被賦予新定義，用以成為一件藝術品或藝術品的部份。拾得物的觀念來自杜尚(Marcel Duchamp)。1913年杜尚開始實驗他所謂的「現成物」(Readymade)。他賦予一件未經改造的商業量產品-如：尿壺、鏟子-一個名稱，再予以展出，將其轉換為一件現成物雕塑。他的意圖在於強調藝術的知性本質，並且在過程中讓注意力轉離物品製造過程中的物理行為或工藝性.二次大戰後的藝術家以拾得物創作了各種不同的作品一件拾得物無論新或舊，都給與一件藝術品新意義，該意義融匯物品過去的實用性或意圖的功能。(转自网站http://arts.nthu.edu.tw/NewWww/Exhibition/1998-11-02/others/index.html)    私语影像——王瑞的翻译是自语影像，这个概念相对于fine art而存在的，影像的创作目的不是为了追求艺术境界，是摄影师的喃喃自语，可能是一些快照形式的家庭影像，但是因为其“纯真无邪”的摄影态度，这些“自发”的影像也非常珍贵。