周末有计划了没？下面两个展览可以去转转： 1，华辰春季影像拍卖预展，4月25-27号亮马大厦三楼，正式拍卖29号下午五点。 马良 棉花糖上的日子，估价30000-40000 2，798“巴黎北京摄影空间”本周六有新展开幕，展览的主题是两代西方人眼里的中国：马克吕布《行摄中国四十年》+Ian Teh《暗流》。 马克吕布大叔1996年在中国美术馆的展览影响了一代人，90年代末纪实摄影特别火的时候受到中国摄影师热烈的追捧。时过境迁，纪实热早已褪去，当下流行无人的风景，马克吕布又来了，还是那个四十年看中国，挂在画廊里的老马的照片和当年挂在美术馆的照片味道会有什么不同呢？ 画廊的策展人煞费苦心，把年轻摄影师Ian Teh拍中国的照片和老马形成对照。Ian在1416教室曾多次介绍，他看中国的角度又是怎样的呢？ 有去的吗？邀约一下，展览现场见。
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周一消息树
一个展览 MOMA的“色谱——色彩的再造”（Color Chart: Reinventing Color 1950 to Today）这个展览很值得一看。尤其是在色彩极度缺乏的北京，敲开展览的网址，突然看到一个五色斑斓的世界，你就会觉得很开心——我忽然想到，大家都在做“彩色摄影”，每一个城市大概都有这个城市自己的色谱，每一个人也会有每个人自己的色谱，你是如何拍“彩色照片”的呢？或者说在北京怎么拍彩色？ 展览审视了自上个世纪中期以来色彩内涵的变化，色彩所代表的精神和情感上的力量逐渐被消费社会的色彩观代替，色彩所蕴含的美学观念渐渐演变成消费社会的一种物质符号。展览汇聚了44位艺术家的作品，作品都围绕色彩展开评论，讨论了各种在我们日常生活中发生的“色彩现象”。 展览在网上观看起来非常贴心，可以按照时间表从1950年逐年看作品，可以按照艺术家的名字观看，也可以根据作品的媒介分类来看，其中包括摄影、绘画、雕塑、装置、媒介艺术等等各种类别。点击开作品后可以看到图片说明和作品阐释。阐释非常重要，很多作品不阅读解说恐怕很难理解。 Christopher Williams的柯达、富士、爱克发彩色系列作品很有趣。他将一些黄色、绿色以及橙色的碗碟，放进洗碗机里，根据以上三种胶卷所声称的其最擅长的颜色，将之对应起来拍摄，比如用柯达拍摄黄色碗碟，并且后期处理也同样用柯达系列。有意思的是，柯达和富士还原黄色和绿色都没有问题，而用爱克发拍橙色可是费了很大劲，一直都只能出来偏红的颜色，最终在加了柯达的滤色片之后才将色彩校正过来。 Christopher Williams在做胶卷的色彩还原测试？当然不是，他的作品让我想到了这样一些问题，柯达黄和富士绿意味着什么？为什么黄要和柯达联系在一起？从什么时候开始，黄色成了柯达这一消费产品的符号以及它如何变成这样？我们的世界已经变成了“二手世界”，”二手世界”替代了我们真实的感官刺激，但这些用柯达、富士和爱克发转换出来的世界靠谱吗？ 又：昨天看到了RD和Antonis，一个从武汉过来，一个从莫斯科返乡，聊了很多有意思的话题。
茄子！美国家庭快照史（4）
1963年柯达公司出品了傻瓜型相机Instamatic，便宜，而且方便操作。这款相机获得了全面的成功。到1970年柯达公司已经出售了将近五千万台Instamatic相机。在这之后不久宝丽来公司研制出了SX-70一拍得相机，也收到了快照摄影师们极大的欢迎。正如策展人Matthew Witkovsky所谈到的，这两款相机拍摄出的都是正方形照片——这种奇特的画幅和传统的绘画风格的长方形照片完全不同，使得这些业余爱好者的照片别具特色。下面这两张照片大概都是用Instamatic拍摄的。强烈的闪光灯产生了一种超现实的色彩，让这些照片产生出一种奇怪的甚至艳俗的魅力。 Left: Unknown photographer, September 1969. National Gallery of Art, Washington. Right: Unknown photographer, January 1965. Collection of Robert E. Jackson. 尽管美国人的家庭快照的拍摄工作仍然在继续，这个家庭快照展在1970年代末期停止了，这是在数码技术诞生之前的阶段，而数字技术已经改变了快照的生产方式。当下，成千上万张家庭快照在Flickr等图像分享网站上随处可见，但是那种以打印照片为主，精心集纳的家庭影像已经近乎消失了。 国家博物馆的快照展以1978年拍摄的一个老妇人的生日晚会的照片为结束，我认为这照片一个非常棒的结束，让我们看到了如此有趣并且难以重回的过去。我喜欢这照片里老妇人竖起指头并且和她的蛋糕上的蜡烛相呼应的样子。这种多姿多彩的摆拍风格使今日的美国家庭快照呈现出和最初时完全不同的风格。（完） Unknown photographer, May 13, 1978. Collection (…) Read more
茄子！美国家庭快照史（3）
20世纪的一些业余爱好者们对一些摄影上的小把戏非常着迷，有不少书都是专门介绍多重曝光，蒙太奇、剪影作品的创作技巧。这里面有一些是需要在暗房里才能完成的，而另外一些则是在拍摄时候的视觉欺骗。大概人们最为常用的把戏是利用透视搞怪，你看到的这张照片就是这样，画面里的女孩仿佛在喂超级巨大的牛，而实际上她应该站在牛身后的地方。 早期的摄影教程上都指导摄影师们不要背对着阳光站立，否则他们的影子就会投射到被摄对象身上。但是很多人都忽视了这个建议，这导致照片里都是不经意间的投影。而到了1940年代，这种大家经常会犯的错误却成了人们搞笑或者制作特殊效果的手段，下面这张照片显然经过了多次排练，最终形成这样好玩的效果。尽管这只是闹着玩，但是从中你也可以看到，当时的人们已经在挑战所谓摄影记录真实的底线——这是在在几十年以前，photoshop还没有发明的年代。 Unknown photographer, 1940s. Collection of Robert E. Jackson. 所有的人都倾心于拍摄他们孩子的照片——吹蜡烛、跳水、和宠物在一起玩耍。但是在这次展览中有一个现象，在60年代兴起一股潮流，人们热衷于拍摄搞笑的关于孩子处于危险情形中的照片。这张照片里的家庭陈设看起来是一个中产阶级家庭，一把抢对准一个坐在沙发上，牛仔打扮的孩子，手里也拿着一杆枪。由于大人的脸不在画面里，我们看不到他是微笑还是怒吼，这让照片增加了几分不确定性。 Unknown photographer, Dec. 1, 1959. National Gallery of Art, Washington
茄子！美国家庭快照史（2）
我们总是把快照看作一种自发以及非艺术的作品——日常生活的一种直白的写照。（快照这个英文单词snapshot原本是射击里的一个用语，意指快速的，对一个移动的靶子无目的凭借直觉射击）。不过这种对快照的理解并不全面。华盛顿艺术馆这次展览的一个革命性成就是它展示了快照中体现出来的人们在拍摄时的深思熟虑，你会发现很多照片经过精心设计。从一开始，摄影就和当时维多利亚风格的戏剧表演、室内游戏相契合。对于成年人来说，相机给他们带来一种娱乐功能。下面这张照片，10个人把脑袋从一块布后面露出来，中间的人打一把伞，上边的人举着美国国旗。我们无法确切知道他们在做什么，但是这样的照片说明业余摄影并不仅仅是记录生活，它同样也在积极地塑造我们的生活。 Unknown photographer, c. 1910. National Gallery of Art, Washington 在柯达让拍摄变得简单之前，假使你想拍照，你必须去一个专业影室，在那里你必须呆坐在一块背景布前面，挺直腰杆，表情严肃，而摄影师则摆弄着那台支在三脚架上的大相机，通过开关窗户来调节必要的光线。而业余摄影师的兴起则为摆布拍摄带来了全新的气象。下面这张照片，三个年轻人之间的周密且令人吃惊的合作打破了传统摄影表现方式的边界。在这张精心设计的照片中，两个妇女坐在镜子前面背对着摄影师，年轻男孩拍照的形象则出现在镜子里，左边的妇女持一面镜子反射出她的脸庞，这面圆镜子又和墙上挂的圆形绘画作品形成呼应。空间、节奏、构成，多重表现，这张照片有着现代主义的特色，和当时的立体主义构成相互呼应。 Unknown photographer, c. 1900-10. Collection of Robert E. Jackson. 早期的家庭快照摄影师们如何处理他们的照片？大多数时间，他们把照片贴在家庭相册里，在厚厚的黑卡纸上写上图片说明，有的时候他们还在照片周围用水彩笔涂抹。和今天的供人们涂鸦的本子类似，早期的照相簿承担了供人们发挥创意，在官方文化以外进行创作的功能。在这个照相本子里，两张相似的登山照片并置在一起，人们的影子倒映在湖水里，但是左边的照片是颠倒过来的。这种拼贴让照片之间形成一种非常生动的韵律和节奏。 Unknown photographer, August 1918. Collection of Robert E. Jackson.
茄子！美国家庭快照史（1）
1416编译自slate杂志关于美国家庭快照的文章，作者是Mia Fineman。这是我早就想翻的一篇文章。你也可以点击这里直接阅读全文。 Unknown photographer, c. 1900. Collection of Robert E. Jackson 我所熟知的每一位摄影策展人，手头都藏着一些其他人的家庭快照。这些照片当初购买的时候也就几个美元，跳蚤市场或者今天的ebay上有的是这些玩意儿，但是作为匿名的作品，这些照片已经和它们原始的含义——一个家庭的记忆——隔绝了。无声的照片，神秘的来源，这使得它们愈发迷人。对于那些爱摄影的人来说，这些照片身上散发出的笨拙、率真的性情真是魅力无法阻挡。 近些年来很多博物馆也显示出对这些快照的兴趣，并且在摄影爱好者中间，他们也对之充满了热情，但是对美国家庭快照的美学价值和发展历史向来缺乏一个全面的、学术的研究。而这种状况在今天得到改观。 华盛顿国家艺术展览馆展出了题为“美国家庭快照艺术，1888-1978”的展览，其中汇集了超过250名业余摄影师的作品，大多数都是黑白的，很多照片尺寸小到能够托在你的掌心。这些照片都是策展人从一个收藏家手中近9000张照片中挑选出来的。作品按照编年的方法陈列。展览从对柯达1号相机的介绍开始，这是一款外型像盒子一样的相机，固定焦距，里面装着100张照片。当你拍完之后，需要连同相机一起送回柯达工厂里冲洗，并且重新装上新的胶片返还给顾客。 柯达的这种廉价、易用以及不断应用新技术的特点，开启了成千上万的非艺术家们的创造力，他们以充满想象力的方式开始应用摄影媒介。下面你看到的家庭相册的封面由很多小照片拼贴而成，除了有黑白照片还有手工制作的晒蓝图片，不但有肖像照片还有旅行照片、街头摄影、建筑照片。这简直是一个独特而精彩的艺术品，体现了业余摄影作为一种当代民间艺术的独有魅力 家庭快照史2:这里 家庭快照史3:这里 家庭快照史4:这里
一周一周
时间与空间 1，玛格南的摄影师Chris Steele-Perkins最近在英国HOST画廊举办个展，展出的作品并不新鲜，是他今年出版的两部图书“Northern Exposures”、“Tokyo Love Hello”里的内容。但是，一个是英国、一个是日本，一个是黑白、一个是彩色，一个是传统的报道的，一个是日记体的感性的，为什么要策划这样一个展览，策展人如何将这两部迥然不同的作品并置在同一个展览中？ 以下是策展人的回答： 把经典的黑白报道摄影和彩色的当代街头摄影混杂在一起，这个名为“从英国Haswell Plough到原宿”的展览为我们提供了一个特殊的视角，它表现了摄影师Steele-Perkin的爱情、感情以及他对于两块完全不同的土地与那里的人民的理解，这两个地方对他自己的人生有着非比寻常的意义。（在日本摄影师遇到了自己现在的妻子） 把两个不同的系列放在一起，是在试图表达我们对这两部不同风格、不同个性的作品和这位值得尊敬的摄影师的凝思与敬意。 策展人真棒，在这两个空间的转移中，影像记录下了摄影师个人情感的变革，而这又并不仅仅是一个个体的感情演进发展的历史，同时也暗含着当代摄影发展的线索。 2，暑假和父亲重返自己的出生地，一路上听他讲了不少故事，回家的时候，第一件事是就是找来了旧相册看，寻找验证那些模糊的记忆的线索。这大概也是英国华人摄影师Dinu Li拍摄“The Mother of All Journeys”这部作品的出发点。 Dinu Li的这部作品以前1416曾经介绍过，摄影师循着母亲的老照片以及母亲的回忆重新探访她曾经生活过的地方：中国大陆、香港、英国。这一系列的地点转移显然有其背后的含义。最近这部作品结集出版，出版人的评价是：借助家庭快照和Li的母亲的口述，这部作品重温了过去，带着淡淡的乡愁，并且让我们对于今天自己所生活的时代也重新审视。
一周一周
摄影与绘画之间的纷争——哪里是三言两语能够说清楚！浏览上周新闻，却发现有两件事情恰好从细微处描述了这两种艺术形态之间对立而又统一的复杂联系。 A 画家对照相的态度 著名画家Lucian Freud上周接受了英国一项最高的骑士勋章，在颁奖典礼上，按照惯例与会人员一起要拍摄一张合影。就在一切准备就绪，摄影师按下快门的同时，Lucian Freud却出人意料地把身子扭了过去，并且用手遮住了脸。 Lucian Freud不需要用他外祖父——伟大的心理学家弗洛伊德的荣光来证明自己，他是英国当下重量级的画家，作品在索斯比拍卖会上拍出天价。即使是为英国女王绘制肖像的时候，他依然按照自己的风格行事，以至于这张显得“阴郁”的女王画像引起了诸多争议。 但是画面里永远冷冰冰的主角，让人们还是将之和弗洛伊德的思想联系起来，认为他是弗洛伊德的替身。而他本人也曾这样说过：我所处理的每个主题，犹如自传的体例，它是关于希望、记忆、愉悦与真实感的结合。 此刻，当他面对镜头的时候，选择了逃避。有人说，这大概是现场的闪光灯太强烈了，还有人说，是画家害羞。但是，这行为似乎更是对摄影的对抗，藐视，亦或是换个不太激烈的形容词——一个建议——那种呆呆的面对镜头的合影有什么价值呢？ 画家曾经说过：“我画人物，不在于他们表现出什么，也并非他们就是如何。”而不幸的是，摄影却时常停留在这两处地方。 相关链接：1 、2 B 摄影与绘画的对话 美国加利福尼亚摄影博物馆正在举办一个名为“什么是真实的？摄影和绘画之间的对话”的展览，展览意图探讨摄影和绘画之间的边界，并且认为这种边界的拓展可以将观者的注意力从日常生活的表面移开，而关注其实质。展览主要通过三位艺术家的作品来唤起公众对这个话题的思考： Todd Brainard，他所绘制的风光画，都是以照片为原型，但是通过将色彩变成超现实的等手段，改变了人们原本认为理所应当的现实。 Miranda Lichtenstein的作品是一系列的宝丽来照片，全部是一些静物：水果、蔬菜、花卉，似乎是技法非常传统的绘画作品，而实际确是摄影作品，而另一重现实和虚幻之间的联系是，作品中的背后的阴影都是绘制出来的假背景。这完全打乱了观者心目中的真与假的认知，不得不仔细观看每一幅作品的细节。 另一位画家James Lorigan则用类似“照片写实主义”的风格，将梦想描绘为“现实”。
被取缔的图片
昨天去位于北京环铁艺术区的琴山画廊看荒木的展览，同去的朋友是一个严肃的情色艺术研究者，他发现展览的图录里有几张照片并没有在墙上出现，经过再三追问，我们在二楼有幸目睹了被“取缔”的三幅作品。 几乎在同一时刻，另一位艺术家南戈丁也在英国遭到了同样的礼遇，一幅关于两个小女孩的图片被认为儿童不宜，在展览开幕的前一天被封存。 之前在连州也有艺术家的作品被撤下来。 道德检查在全世界都发生，而受到关照的却往往并非是那些露点严重的，比起荒木和南戈丁，一些摄影爱好者的裸体艺术作品其实是有过之而无不及。荒木们的大胆和火爆在于它们并非在描述“裸”而是在诠释“性”，并且将之表达得相当自然以及坦白，唯其如此才会刺痛检察官以及旁观者的神经，让人心惊胆寒。 看来，作品被取缔也并非一定是坏事，色情和情色仅仅相距“一墙之隔”。
对不起，您的电话暂时无法接通
“对不起，您的电话暂时无法接通”这句话和摄影究竟能够产生多少关联？而这的确是近日英国HOST画廊的一个展览的名称。 成千上万的人每日出没在伦敦的地铁里，大家彼此之间互不理睬，甚至有些人连隐形眼镜都懒得带，到处是擦肩而过的陌生人或者互相推搡拥挤不堪的人流，每当这个时候，总有一个声音很客气很礼貌的声音在站台里响起：请大家注意安全，保持和站台之间的距离。 就是这个声音，激发了摄影师Laurie Fletcher 的想象，那些将陌生人彼此连接起来的声音背后怎样的面孔？尤其是在当下这个越来越自我封闭的，机器化的社会中，这些声音变得尤为重要。 Laurie Fletcher 寻找那些在人们日常生活中出现的一些经典的声音的拥有者，比如拨错电话时传来的声音，体育比赛中播报结果的声音。他在这些“播音员”自己的家里为其拍照，目的是使之和我们在公共空间中听到的声音形成反差，体现他们自己的生活和独立的个性。 这个摄影项目是一个只有欧洲人才能想得出的主意，我很喜欢，声音和影像在一定的社会文化背景下巧妙地结合起来，互相对照，激发我们的想象空间。 对于我来说，最感兴趣的是每次给手机充值或者查询余额的时候传来的声音，“请输入提示语言的种类，1为普通话。。”在不同的省份这些声音都有所不同。 不晓得在这些我们所熟知的声音背后是怎样的人，也许这些声音在不远的将来都会逐渐被机器人模拟出的人声所替代。 广播里的足球比赛结果播报员。
慢慢回归工作状态
从一次旅行中康复并不容易。外出的这10天一直从未睡过一个好觉，直到现在仍旧觉得懵懵懂懂。这一次的远行，目的是探访我的出生地，父亲年轻时工作的地方。整个旅程似乎穿越了一个时空隧道，过去的父亲，过去的我，远离喧嚣的村庄，信仰。很多很多事情。似乎需要很久才能把条理梳理清晰。 照片被锁定在另一个笔记本中了，奇怪，USB接口似乎出了问题，什么移动硬盘都无法工作，是因为照片们不想回到这个灰蒙蒙的城市？ 离开了将近10天，打开电脑，互联网里的消息足以让我的大脑发生交通阻塞。干脆就从最新的内容开始—— 十本杂志，一个卡特里娜 时代集团的老总带着旗下10本杂志的总编辑们，五月份在美国新奥尔良曾经的卡特里娜地区游历了一圈，老总的意思是让编辑们在飓风袭击两周年之际好好体会一下民间疾苦。但是他没有想到，编辑们回家以后都没闲着，不约而同地都在各自杂志中开始鼓捣卡特里娜专题。 时代集团决定不妨将计就计，步伐一致，于是，在卡特里娜两周年来临之际，全美十本顶尖杂志同步发出了声音，我觉得有意思的是，这些杂志五花八门，但是都从自己的视点切入，比如时代周刊在研究新奥尔良依旧处于危险之中的原因，老房子杂志访问了重建自己房屋的人们，财富调查救灾款的去向。不要以为娱乐和体育和这一事件很难沾边，体育画报报道了当地学校一个棒球队的故事，而娱乐杂志则和R.E.M乐队的主唱联合拍摄了一个纪录片。 从文化的、社会的、历史的角度切入一场灾难带来的影响，让10本杂志的报道更加厚重，而背后关键的因素是那次集体出游，这次美国出版史上罕有的主编下乡运动，让他们从办公桌走向了现实。 摄影是这次报道的重头戏，10本杂志的报道在时代的网站中有一个集纳：time.com/katrina, 值得一看，但是速度很慢需要用代理服务器。 十一个摄影师，一个“风景” 芝加哥美国当代摄影艺术馆（Mocp）“沉重的风景”（Loaded Lanscape）摄影展开幕。 这是一个重新为“风光摄影”定义的展览。展出的作品被美国摄影杂志的编辑称之为充满了静谧的力量，画面里没有嘈杂的声音，在展开对历史的回忆，控诉战争的残酷的时候，它们并没有用视觉冲击力作为诉求，而是通过一种安静的表达直抵人们的心灵。柬埔寨——曾经发生过大屠杀的土地，南北朝鲜的边境线——在策展人看来，这个展览是在探寻风光摄影的真正意义，它也许不应只跟在浪漫派画家身后书写甜美的自然景观，它的意义也在于“纪实”。 Alan Cohen, NOW (Killing Fields, Cambodia, 2001
第一印象
似乎到了一个缅怀胶片的年代。数码相机那种可以无休止按动快门的感觉，不知道是不是会让一些用惯了胶片的摄影记者感到烦躁？ 怀念胶片的一种方式是怀念胶片印出的小样（contact sheet），1416曾经介绍过的华尔街投资者Bruce Silverstein的画廊Silverstein正在举办一个名为“第一印象，摄影师的写生簿”（First Contact: A Photographer’s Sketchbook）的展览。 Elliott Erwitt的小样，非常工整地探寻决定性瞬间 威廉姆克莱因的小样——没有决定性瞬间的小样 展览的题目《摄影师的写生簿》这个比喻非常生动，小样里的起承转合就是摄影师在不断转换视点观察过程中绘制的一幅幅草图，接触印像里呈现出的是摄影者对世界的第一印象。 画廊的策展人希望通过小样对布列松的“决定性瞬间”予以阐述——在若干个瞬间中，究竟怎样的瞬间被摄影师挑选出来予以强调呢？ 展出的小样包括两个部分，一部分是马格南摄影师的小样，另一部分是一些私人收藏，包括Richard Avedon,、Robert Frank,、Man Ray、Irving Penn和Diane Arbus拍摄双胞胎时的那卷底片。 随着胶片时代的落幕，收藏摄影师的小样也逐渐变成一个很有价值的投资行为。 Bruce Gilden的小样也很凶猛 点击这里，和这里可以看到展出的部分作品。
一周一周
两生花 1， VII摄影师Lauren Greenfield拿过无数奖项，但是她最近获得的一个奖颇有深意，似乎预示着未来摄影记者工作有着更加广阔的天地，这就是美国电视领域的顶尖奖项艾美奖（Emmys）的提名。最终获奖结果将在9月16日揭晓。 7月19日，Lauren Greenfield的名字出现在59届艾美奖最佳记录片的提名名单中，是纪录片“骨瘦如柴”（《Thin》）给她带来这一荣誉，这部讲述厌食症女孩的记录片曾经在HBO播放，Lauren Greenfield的这部纪实摄影作品最终产生了三个成果：一本书、一部纪录片、一个网站。 上面这幅图片是一个厌食症女孩在刚刚进入康复中心和即将出院前后的比照。 1416曾经介绍过拍记录片的摄影师，请看这里 ——————————————— 2， 最近一期New York magazine里的一页广告，很有创意。两个不同产品的广告，左边是珠宝广告，右边是酸奶广告，非常生动地并置在一起，要协调两个广告主并非易事，广告设计者是怎么做到的呢？有趣。 ——————————————— 3， 美国两家报纸的头版刊登了同样一张照片——等等，还是有一些不同，似乎有张照片放反了。左边是正确的，右边则是错误的。 出错的原因并非是报纸将照片反转过来，而是他们从照片提供者那里拿到照片的时候就是错的，这家报纸仍然就这个失误发表了致歉声明。“不能倒转照片”是很多报社摄影部的照片使用守则之一，但是常常有图片编辑和设计师因为设计的需要而违背规定。 ——————————————— 4， 最近，现代艺术博物馆（MOMA）在展出摄影师JoAnn Verburg的作品，作品的特点上大画幅（5*7拍摄的，放大到4*6英尺）同时常常两张或者三张构成一组。 纽约时报评论JoAnn Verburg的作品特点是在“尽力将摄影中的瞬间延展开来”，摄影师早年的一部代表作品是将一些一百年以前拍摄的美国风光地貌，以同样的角度重新拍摄。
不一样的展览
Host画廊 英国Panos图片社的负责人Adrian Evans是学艺术史出身，Panos图片社在他的带领下也算经营得有声有色，其代理的摄影师不断在荷赛上获得大奖。近些年，他的兴趣点有了转移，目光投向了画廊的经营。2005年，他和另外一个著名的网络摄影杂志FOTO8的负责人合作，开设了HOST画廊。 Host画廊在当下有些糜烂的艺术氛围中独树一帜，这个画廊的宗旨是：在画廊的语境里，用或新或传统的方式讲述故事，展出作品的标准是要富有创造力和激情的高水平的纪实摄影以及叙事性的摄影。 以代理纪实摄影为主的画廊在当下的确罕见，Host近些年来举办的展览既有历史性的回顾展比如维加的展览，也有传统的经典纪实的作品比如Paul Lowe的波斯尼亚人，此外还有尤金史密斯获奖者Pep Bonet 对非洲爱滋病的报道——作品大胆地将彩色和黑白混杂在一起。Host同时也把目光投向了一些当代的纪实摄影师比如Alec Soth用8*10拍摄的充满柔情的的“尼亚加拉河”。 我挺喜欢这个画廊的，秉承摄影的纪实传统，但是又不因循守旧，你可以去浏览它近些年的展览介绍，其中部分展览很遗憾没有更多的作品展示，比如瑞士摄影师Yann Mingard的人迹罕至的村庄这个展览，作者访问了一些偏僻地区，记录那里人们的生活，其中包括中国西部（新疆）的一些地区（摄影师沿着丝绸之路进行了探访），摄影师的个人网站可能打不开，但是还可以在这里看到一些，真的很棒。 中国有人在摄影 Busoni先是搞了一个Opps felting在线影廊，大量优秀摄影师的作品给学生们提供了饕餮大餐。他又弄了一个中国有人在摄影的在线影展，集纳了一些出于自然之心，真纯的年轻摄影师的作品。 我忍不住给他发了一封邮件。关于Busoni组织这个展览的初衷和我的一点点看法，都可以在他的blog上可以看到。也欢迎大家发表意见。 木格摄 木格摄
一周一周
“稀奇古怪”的影展 A 美国国家地理杂志摄影师搞行为艺术 美国国家地理杂志摄影师Nick Nichols在美国弗吉尼亚州夏洛茨维尔举办的LOOK3摄影节上遭遇了尴尬，而他则将这种尴尬变成了行为艺术。 此次摄影节是首次举办，但是请来了尤金理查兹和莎丽曼等摄影界的大牌人物。Nick Nichols的展览非常独特，他将自己拍摄的野生动物影像制成巨大的海报模样，然后将其悬挂在室外的树枝上。 但是其中一幅猩猩的照片生殖器清晰可见，引来了市民的不满，尤其是一些孩子的父母，他们认为这样的照片非常不雅和下流。但是Nick Nichol并不想就此妥协，他认为这就是动物本来的面貌，自然的状态。最后，Nick决定将画中敏感部位用红漆遮住。此行为的全过程有视频可以观看，这一方式尤其值得中国一些策划“身体艺术展”的策展人借鉴以备不测。 B 马格南报道摄影师亲密接触时尚 网络红人Alec Soth成为马格南的“时尚杂志”（Fashion Magazine）项目的新一个接班人。“时尚杂志”每年一本，由一位马格南摄影师以独特视角诠释他眼中的时尚，活动已经持续了两年，前面两位摄影师就是马格南非常劲爆的马丁帕尔和Bruce Gilden。 如今，这个接力棒交到了Alec Soth手上，他承认自己花了一番功夫来考虑如何完成自己的任务，最后决定以自己的故乡明尼苏达州为据点展开拍摄。他认为最能体现自己观点的是这样一个例子： 在巴黎拍摄了夏奈尔的设计师Karl Lagerfeld，随后又拍摄了在明尼苏达州的一个提着夏奈尔手袋的女孩，两者之间的并置体现了巴黎和明尼苏达之间的联系，也是时尚和生活之间的联系。 Alec Soth版的“时尚杂志”于6月5日在巴黎出版，一共188页。而相配合的影展已经完全成为一个时尚圈的聚会，夹杂着赤裸裸的商业广告，活动中有一个别出心裁的项目，在照片中寻宝，Alec Soth将一些著名的时尚品牌的产品隐藏在自己的照片中，参观者则需要细心辨认才能发现，这也许是强迫人们仔细看照片的一个最佳方式。 作为马格南图片社的一位新成员，Alec Soth非常之离经叛道，他和时尚圈打得一团火热，并声称自己很习惯和发型师、化妆师合作。一个典型的案例是他和W杂志的合作，共同完成了4月号一组大片的拍摄。其内容是让一些明尼苏达州的普通人穿上高级时装在他们自己的生活环境中拍照。他的这组照片发表之后引起了激烈的争论，W后来原文刊登了一则读者来信，他认为这种不伦不类的照片糟糕透顶，恳请W千万不要用Alec Soth这种不着边际的报道摄影师拍摄时尚。当然，也有人对之表示赞叹，他们认为这才是真正的时尚。 点击这里看Alec Soth工作的片段。点击这里看K1973转载的W杂志的照片