周一消息树

一起读书吧 最近天气有些热,清热解暑的方法除了喝绿豆汤,还有钻图书馆,我在这里发起号召,把本周作为1416的读书周。大家可以把你们的读书笔记,看到的好书发给我,在这里共享。 今天的周一消息树,就来说一些有关书的事儿 1, sirwj的摄影书 Sirwj给我发来链接,他把自己的好书都挂在flickr上,欢迎大家去串门儿,真是一枚好人。我很眼馋他的马丁帕尔的那本《摄影书的历史》(The Photobook: A History) 2,巧思思的书香书语 “如影随行”的博主巧思思同学的博客搬家了,新博客在这里。我们上次在北京长谈还是在书店,一同做了一个小小的开书店的梦。她写这个博客主要围绕摄影图书,偶尔也有业内八卦,欢迎各位探访,并给她压力持续写作。 3,一本画册的出炉过程 强烈建议去看这个帖子,它会让你忍不住去书店找这本书,并且下次再捧起一本爱不释手的画册也会想象它背后的编辑和出版的故事。 帖子介绍了杂志摄影师 Dan Winters的作品回顾集《Periodical Photographs》从筹备到设计出版的过程,作者就是这本书的版式设计 Scott Dadich,作为Dan Winters的好朋友,他为此书的设计呕心沥血。 他回顾了这本书最早的草图,页面编排过程中长达几个小时对着贴在黑板上的小样凝视,讨论,以及封面的妥协。 第三稿封面 最后的确定的封面

周一消息树

Burn 马格南的摄影师david alan harvey把自己的博客做成了一个项目,这就是Burn杂志,而这个电子杂志又引发了一个年轻摄影师基金项目,这就是Emerging Photographer Fund。 目前Burn正在连载最终入选的十个候选人的作品。 厨子的口味决定了菜的色香味,这边粤菜太多,酸甜肉太多,我现在每天都特别想吃咸,而看了这些照片我更恨不得想直接去抓一把盐来吃。我不知道你的感觉,并非是因为这是一个马格南的基金,我就想看苦大仇深,但是,这些照片形式感太强了,太眩了,太甜了。如果给它们贴一个标签,我会命名其为:新国家地理杂志风格。 昨天看了一本书,是英国摄影师大卫贝里( David Bailey)的快照作品集,标题很有趣,叫做《这种照片马克也能拍》(Pictures that mark can do ),马克是贝里的助理,这句开玩笑的话成了书的标题。书的最后一页是这么写的:“解释过多就显得累赘,它们只是照片”。(to explain more would be too much. they are just pictures)——或者也可以翻译成:此中有真意,欲辩已忘言 这是我想要的感觉,史泰德出的书太好看了,翻完了顶着小凉风回家,觉得正好。 @巴黎 上周的消息树介绍了@600的活动,信箱里受到了主办方的来信,他们希望我能够告诉大家,他们正在展开@巴黎的活动,评委还请来了Stephen Shore和Gil (…) Read more

周一消息树

群众运动 一些邀请网友参与的项目,变得越来越有意思。 @600邀请网友上传他们在相同的网络时间:2008年11月4日@600这个时刻拍摄的照片。这个照片集纳还有点儿意思,同一时刻,却有白天有黑夜,社会环境和自然环境迥异。 他们新项目是征集巴黎的作品 以下是两张@600作品中的“不明的风景” Fulvio Bortolozzo, Torino, Italy Raimond Wouda, Hagestein, Netherlands Good杂志也总是有一些特别新鲜的群众游戏,最近的项目是征集漂流瓶子里的小纸条。我很喜欢他们曾经做的改造报纸头版的活动:Newspaper2.0,头版新闻最“政治化”,最有“冲击性”,总是试图设置我们茶余饭后的话题,但也许也是最无聊的,通过在头版上涂鸦画画的方式,读者如此改造头版: 读书吧! 企鹅出版社最近出版的一套新书,封面皆高调使用了马格南图片社的照片,精心设计,比如 Danny Lyon的摩托党: 其实,现在图书出版的花招越来越多,美国当下流行的是给新出版的图书建立网站,强调“watch before reading”,把小说简介做成视频,片花弄得比大片儿还精致。 比如这本恐怖小说《bood and ice》 ,观念小说《the kept man》,还有这本散文《 i was told (…) Read more

书香迷人

我这两天泡图书馆,说不出的幸福。尤其是可以霸占一个角落,旁边的落地窗外是匆匆而过的人流,面前有几排巨大的书架,左前方是各种画册,右前方是1936年以来全套的《生活》画报。 我就不显摆了。前两天在网上偶然发现一个旧书店,遮掉每本书的价格,都是好东西。 我是搜索布列松1952年出版的《决定性瞬间》找到这个网站的。 看到这个封面,你就会知道《决定性瞬间》某种程度上,并非是一个“新闻摄影”用语。(也许以后还可以讨论这个话题) 但是这本书,咱们就别想“拥有”了,价格是2500美金,而且还没有现货。 这本书很酷,是讲明信片的,以前的明信片超有想象力。(对了,大都会博物馆的Walker Evans和明信片的展览也开了有一些日子了,他的收藏可真不一般。) Eugene Atget的巴黎。 另外,怎么能够错过这本书呢!KIKI……二十年代巴黎蒙巴那斯的女皇。如果你不知道kiki,可以去看这本书《爱情是这个样子的-蒙巴那斯的吉吉》。或者查看摄影师曼瑞的照片。下面这本书里也收录了10张曼瑞的照片。 到这里和这里去继续挖宝吧。周末愉快!

时差(三)

三本书 “拿下”,这是淘书时最开心的时刻。应打算逛遍全世界书店的曾翰同学的要求,周密带我们去了旧金山一家艺术书店Green Apple Books。结果,我比曾翰收获更大。 我买了三本书,都是我喜欢的。 《论摄影》(on photography)这本书我已经有了两个中文版以及 2001 年的英文版,而这次则撞到了一本1990年的版本。旧书的封面是不是比现在的新版好看一些呢?封面设计是Carin Goldberg,以设计图书见长,可以去她的网站看看,有不少很不错的设计作品。 和早期企鹅出版社的《论摄影》一样,此书的封面使用了一张1850年的达盖尔银版照片,摄影师是一位美国人,姓名不详。我很喜欢照片里女人那种淡淡的神情,充满隐喻,而男人的姿势和样子则有些做作。选择这张照片作为封面,出版人和桑塔格本人恐怕都别有用心,这张包含照片的照片,与读者相隔两重时差,使得对之的解读更为复杂:人们为什么要和照片合影? 或许《Photography Until Now》这本书可以通过对早期摄影史的回顾,找到一些解读上面那张照片的线索。这是我买的第二本书。 此书源自MOMA1989年的一个同名展览,策展人和作者是当时MOMA摄影部主任John Szarkowski,他坐拥MOMA丰富的摄影资源,梳理了从摄影史前时一直到1980年代的摄影发展历史。书的文字不多,语言凝练,MOMA重要的摄影藏品都收录其中,在阅读大部头的摄影史之前,其实可以先拿这本书做一个热身。我强烈建议诸位去亚马逊购入一本。 书中有很多很有启发性的观点,John写史的方式是非线性的,常常包含各种穿梭和对比。他会把技术和文化传统联系起来,比如早期人们对达盖尔和卡罗式两种摄影术的态度,他指出,由于达盖尔银版法的成像质量高,更多被用于实用和记录的功能,而卡罗式摄影法则因其缺乏细节,被当作一种艺术。又比如,他还提到美国和欧洲早期摄影风格的不同,美国没有艺术传统,因此摄影一诞生就被当作一种技术,一种科学——自然科学而不是应用科学。这使得美国早期摄影史中,利用摄影展开地貌风光和纪实的探索是主流。 他最有趣的一个对比是斯蒂格里茨和雅各布里斯以及路易斯海因,这三个人在同一个时期都住在纽约,但是作为美国摄影领域的潮头人物斯蒂格里茨,却从来没有和另两人有任何交叉,尽管他也曾在言论中谈到,他关注工人,没有什么比观察下层人民,并且在头脑里刻画他们的形象更为让他着魔的。而实际上,斯是把劳动阶层当作艺术主题,“事实”并非他关心的对象,纪实和艺术在当时界限分明,这使得这三个人,成为处于同一个时空但却生活在不同时区的两群人。 回家之后发现一个有趣的巧合,《Photography Until Now》的第一章是“before photography”,而我买的第三本书则是《After Photography》 《After Photography》的作者是纽约大学的教授Fred Ritchin,他是当代重要的摄影理论家,尤其是对数字时代的影像颇有研究,这本书是他最新的著作。因为还没有展开阅读,我对书的内容没有什么发言权,在之前的这篇文章里,有提到一些他对数字影像的看法。 写这篇文章的时候,我觉得这三本碰巧被我收罗在一起的书,很是耐人寻味。阅读摄影史,就会发现摄影一百多年的历史实在短暂,早期大众对摄影的疯狂,到今天依旧是疯狂;斯蒂格利茨对皇家摄影学会风花雪月的反抗,到今天两股敌对势力依然存在;曼瑞和莫霍利纳吉对摄影艺术的思考,今天当代摄影艺术家未必能够比他们更深入。从历史发展的角度来看,摄影实在简单,并没有太大变化。但阅读《论摄影》之后,你又会发现,摄影似乎又比任何其他媒介都更为复杂,因为它用一种“观看”的行为,将所有的社会、文化生活都包容进去,而所谓观看的权利,观看的纯洁性,又是一个哲学问题。而现在,当我们还对老问题争辩不休的时候,数字时代的摄影,这个摄影之后的摄影,又带来更复杂的讨论。

Man Ray和Atget

Man Ray是一个很有意思的人,我没有想到他和Atget还有一段交情。按说,他们两个的摄影道路简直是风马牛不相及。一个搞达达超现实主义,玩的是先锋艺术,另一个则是老实拍照,常常在纪实摄影领域被频繁提及。 Eugene Atget, Le Dome, boulevard Montparnasse, June, 1925 Man Ray, Rayograph, Hand with switch and cord 他们曾经是邻居。Man Ray不仅收藏Atget的照片,还把他的作品弄到超现实主义的官方杂志La Revolution Surrealiste的创刊号上发表,当时Atget只有一个请求:“别写我的名字”——他一直过着隐姓埋名的生活,直到死后才在Man Ray的助手Berenice Abbott的努力推广之下变得大红大紫。 Man Ray写过一篇很有意思的文章《摄影不是艺术》,后来他又补充说明,说他除了坚持这篇文章里的观点,还有一个新的声明,那就是《艺术不是摄影》。Man Ray在玩文字游戏,他这里所说的“摄影”,是将其当作一种材质,把摄影的肉体和魂魄完全剥离了。 这恐怕也是他和Atget惺惺相惜的原因,在他看来,这个家伙很纯粹,没有在乎过手中的器材,甚至都没有在乎过自己行为的结果。所以,当 Abbott试图给Atget冠以艺术领域的卢梭和巴尔扎克的称号,Man Ray完全不同意: (…) Read more

周一消息树

时尚摄影师Matteo Ferrari也搞一些个人创作,不过,总是捡好玩的东西拍。最近几年似乎流行怀旧风,今昔对比的摄影类作品挺多,Matteo Ferrari把一些车主和爱车的老照片,原景重现,主人们已经不再年轻,身边的世界也都变得认不出来,它们的车却风采依旧, 这组作品就叫做“从一而终的车”,     Matteo并没有给自己的作品写阐释,我觉得就是看着好玩而已,另一位摄影师Eric Etheridge的今昔对比就比他严肃很多。他对1961年美国民权运动中争取种族平等的示威者进行了追访,出版了图书“Breach of Peach”,书中收集了这些示威者当年被捕时拍摄的警察局快照,拍摄下了他们当下的面貌,并对之进行了访问。两个年代的时间切片碰撞到一起,一个是快照,一个是摄影师精心控制的肖像照,它们的碰撞别有一番意味。   今天还要给大家献上一个好东西——新出版的图书《事关你我》(What matters),这本书由纽约时报知名作家担当编辑,对当代社会的各种社会问题展开探讨,书中包含的章节有:人类与地球之争,人类与人类之间的杀戮,财富分配的不平等,人类与疾病之间的争斗等等。每一部分不仅有摄影大腕的作品,比如纳切威的摄影报道,同时还配有一位作家的文字。 针对这些社会问题,每个人应该作出怎样的努力,这本书也列出了一系列相关的网站和机构的名称。 挺不错的一本书,而且你也别为看不到而着急,这本书有一个专门的网站,打开之后你会乐坏了,在免费下载区,你能够下载书中20个小节的Pdf版本,照片编排得很不赖,呵呵,够看一阵子的。  

周一消息树

1, 美国人家 摄影师兼出版人Rick Smolan最近推出的新书《美国人家》(America At Home)有一些冒险,受次级债影响,美国房产市场岌岌可危,但是这似乎并没有影响到Rick Smolan对这本书高涨的情绪,相反,他觉得这正是他出版此书最重要的新闻由头。 这本书为报道摄影师拓展发表照片渠道作出了非常有意义的尝试。Rick Smolan的夫人是著名摄影师Elliott Erwitt的女儿,他们一起策划了不少图书,其中包括很有影响力的“Day in the life”丛书,主要用肖像的方式报道美国人的生活。这一次,运用与之前同样的手段,Smolan派遣了100名摄影记者花了七天的时间在全美各个地方报道人们的居住生活。同时他还发起了成千的业余摄影师拍摄他们自己家的生活,最后一共获得了二十五万张照片,然后从中挑选出250张照片。这些照片并不仅仅关注美国人家的房屋建筑结构,同时也把重点放在各种表现“家”的概念的情感因素上。 这并不是一本简单的图录,完成作品拍摄的都是摄影记者,书中的文字也非常讲究,包括很多分析,比如美国儿童的平均睡眠时间比30年前已经减少了一个小时,他们还请著名卡通漫画人物“辛普森一家”的创作者撰写了文章。 能够让这本书大获成功的无疑还有Smolan出色的市场营销才能,他建立了一个网站,买书的人都可以上传一张他们家的照片,定制一本以自己家的照片为封面的图书。 我做了一本我家狗狗封面的书,真好玩呀,多花14美金,我的狗就能上封面了 Smolan还为这本书拉来了很多赞助商。比如——宜家,宜家的赞助不仅仅是经济上的支持,同时也为书的发行铺平了渠道。 Smolan谈到,赞助商的支持让这本书能够做得更加精致,印刷更讲究,深度报道摄影已经在杂志上难以立足了,在充足的资金支持下,这本书做了一些本应该杂志来做的事情。他还强调,虽然有赞助商介入,但是报道完全自主不受他们影响的。书中同样也报道了无家可归人的生活。 Smolan乘胜追击,另外一本书《英国人家》,全部由英国摄影师拍摄,也即将出版。 2, 静谧的家园 Lensculture将两位年轻摄影师的作品并置在一起,他们都在关注人的居住生活,与上面《美国人家》的热火朝天相比,他们的作品充分体现了新一代摄影师作品的特点,空荡荡的场景,没有人气,只能在安静的画面中隐约嗅到人的存在。 Douglas Rickhard记录的是美国市郊的建筑,大规模同质化的房屋被主人精心地粉刷成各种颜色,试图摆脱千篇一律的乏味,随后又逐渐被废弃,摄影师对光线和色彩非常敏感,他静静地走在街道上,不时按下快门,同时发出对这所空城的疑问。 摄影师Trevor Traynor也记录了一所空城——俄罗斯的儿童乐园,这个城市正在处于冬春交替的季节,道路非常泥泞,在摄影师眼里,春天似乎来得很缓慢,但是毕竟还是来了。

慢摄影(二)

提到人像拍摄中的虚化,当然不能越过这个人——朱利亚•马格丽特•卡梅隆(Julia Margaret Cameron)在达盖尔摄影术流行的时代,人人都想把照片拍摄清楚,强调照片的技术性因素,可是她却使用长达十分钟的时间曝光,有意让她拍摄的人像不在焦点上:“在调焦的时候,当我感到特别美的时候,就停在这里拍下照片。我不会像其他的摄影师一定坚持转到那个所谓清楚的焦点才肯罢休。” 早期的肖像拍摄,被摄对象身后甚至要支一个架子,漫长的拍摄过程是一个仪式。现在,随着拍照的速度越来越快,这种仪式感被完全破坏了,摄影的“气氛”也消失殆尽。 《Train your Gaze》(目光所及)这本书很棒,谈的是人像摄影中的“注视”,这真给了我很大的启发,围绕在肖像摄影中的看——无论是你的视线,被摄对象的目光还是读者的观看,都非常耐人寻味。《Train your Gaze》算是一本教科书,从各个角度训练摄影师学会“看”,第一章的拍摄任务非常有趣,我把它翻译出来,也许有人愿意试一下,期待看到你们的成果。 一张优秀的肖像摄影作品产生于静默之中。这不是商业人像,摄影师竭尽全力逗你的被摄对象开心。在一种安静的状态中,彼此相互注视,空气或许有些尴尬或者仍旧非常自然,或许双方沉浸其中,或许挣扎着试图逃脱,但是不管怎样,此时你按下快门,你捕捉到的是一种实在的人的在场,而不是随便抓下来的漂浮在空气中的感觉。 我们来完成这样一个摄影任务,找到一个你非常了解的被摄对象:妻子、丈夫、家人、好友等等,请他们给你一个小时的时间,你将利用这一个小时拍摄一卷胶片,以下是一些工作准则: 1,    除了邀请你的被摄对象拍照,在拍摄之前不要给他任何有关拍摄内容的暗示,只是告诉他:你将在一个地方坐或者站一个小时,拍照的时候需要看着镜头。(注意,是看镜头不是看你。) 2,    把相机支在三脚架上,根据你自己的需要取景、对焦,都设置好了以后,就把相机固定在那里不要动,这个拍摄任务需要你集中精力去观看,如果不停地将相机移来移去会分散你的精力。 3,    不要躲在相机背后,尽量使用快门线,而且快门线越长越好。 4,    在拍摄的这一个小时中,不要说话,或者让你的被摄对象说话。 5,    把握拍摄节奏,尽量把这个一个小时的时间全部利用起来,如果你5分钟就把一个胶卷全拍完,这个练习就没有任何意义。 6,    在拍摄的过程中请注视你的被摄对象,你会发现一点点表情的变化,一点点身体姿态的改变,对于拍摄结果都有很大的影响。这个练习是有关两个人的照面,你需要捕捉的就是目光相交的那一瞬间,也是人与人交流的那一瞬。

“安妮”日记

最近在看安妮·列伯维兹(Annie Leibovitz)的书《A Photographer’s Life: 1990-2005》,那是一个摄影师的心灵日记。序言的结尾部分是这样的: 我把编书用的全部资料搬到了莱茵贝克(RHINEBECK,一个距离纽约市区2小时车程的小镇),在一个仓库里建了一个工作室。Rosanne Cash送我一盘她还没有上市的专辑“black cadillac”,这里面的曲子是她在自己的双亲和继母全部都去世之后写的。每天早上,我都会来到这个空荡荡的仓库,把音乐的声音开到最大,然后大哭十分钟再开始工作。我那时候并不清楚,经过这段痛苦的旅程,我已经走了很远,离我真正的自己前所未有的接近。 2月份安妮的妹妹拍摄的纪录片《Annie Leibovitz: Life Through a Lens》也要在英国播出,这部片子里记叙了她当年跟随滚石乐队拍照时染上毒瘾的生活,她和苏珊桑塔格之间的关系,以及她50岁以后才为人母的感受: 你整天忙忙碌碌的,直到你50岁了,50岁了,你才突然发现,我的天呢,我忘记了生孩子。抚养一个孩子是件幸福的工作,没有孩子之前,我以为世界是平的,但是现在它是圆的。

他们说(2)

David LaChapelle (时尚广告) 我最想说的就是,为你自己拍照,而不是市场,或者图片编辑。也不要考虑风格,这都是些表面性的破玩意儿。你关注自己,风格自然显现,比如我从来没有特别考虑过色彩,我只是个性使然地被色彩吸引。拍好照片的关键在于你对它的迷恋。把你头脑里的东西清空,如同一张白纸一样思考,只是考虑你看到了什么,而不要管别人。首先让你自己开心,然后其他人自然会捕捉到这种感觉。 David Sims (时尚广告) 我经常告诉我的助理,不要走出了我的工作室然后径直走进你自己的。把你赚到的钱用来旅行。寻找那些捕获你的灵感,与之坠入爱河。你需要自由的创作,不受到任何人的干扰。在一个每个人都有自己的观点的团队里工作是一个挑战。很多年以来,人们都不喜欢我的照片,他们觉得我的照片有问题,但是我从来不介意。你要相信你自己的品味,相信你自己的直觉。 Ellen von Unwerth(时尚广告) 你要有自己的风格。在这个领域工作多年的人都是有着自己的风格的摄影师,比如Burce Weber以及Peter Lindbergh。你要形成一个看世界的方法,有些人可能拍得照片都非常病态,或者照片连焦点都是虚的——比如我,但这就要看你喜欢的是什么,你要找到一些东西,然后跟随它。你需要寻找到自己的那条线。 Tina Barney(肖像) 我希望你能坐下来,拿出一支铅笔一张纸,写下你是谁,你想要做什么,我甚至建议如果你没有得到明确的答案,不要去碰相机。 Anton Corbijn(肖像) 用眼、脑和心去创作。 Ranki(肖像) 相信自己,不要放弃。从助理开始工作,确信你自己选对了正确的摄影领域,然后再仔细钻研。但首先,要学会经营自己,因为摄影的99%的工作是一种自我经营工作、处理和其他人的关系。大概只有1%有关创造力。 Charles Freger(新生代) 聪明一些,要和别人分享自己的关系,越分享,你得到的越多。同时,也要建立你自己的关系网,比如我在柏林的一个展览就是朋友引荐的,但是同时我也帮助他在法国办了两个展览。 Naomi Harris(新生代) 一切全凭你自己的力量。要有你自己的视野,然后持续关注之,拍出自己的作品集。假如你给杂志的图片编辑看自己的作品集,不要这一页是一个可爱的小狗,另外一页却是风景,要有自己的重点。挑选自己的作品集要严格,不要因为仅仅有纪念意义而选择某些照片。考虑到其他城市去工作,为什么要在遍地都是摄影师的纽约和他人激烈竞赛呢?图片编辑现在承担不起拍摄影师到处出差的成本了,他们需要在外地寻找优秀的摄影师。有空的时候就和图片编辑见面,到图片社推销自己,要不然就踏踏实实地拍自己的东西。但是关键是今天,没有人会跑过来主动看你的照片,他们都呆在一个个盒子样的房间里,今天仅仅成为一个出色的摄影师是没有用的,你还要成为一个好的推销员以及一个好的商人。 Alec Soth(新生代) (…) Read more

他们说(1)

托funky的福,我拿到了“image makers and image takers”这本书。太喜欢了,去成都的路上一直在看。里面有很多有意思的细节,比如俄罗斯摄影师Boris Mikhailov讲,“只有三种情况摄影师才有权利拍摄他人的肖像:第一,用于新闻报道,第二,充满爱(你和他们已经成为朋友),第三,付费——这是资本主义的方式。” 我真希望将funky带给我的这本书让更多人分享。在阅读的时候,看到访问者向接受采访的人都询问了一些相似的问题,比如:你给正在跋涉在摄影旅途中的年轻人什么建议。我就把关于这个问题的不同答案翻译出来吧。摄影家的分类是按照书里的分类,但是作者也在前言中指出,其中的界限已经渐渐模糊,很多人跨越几个领域工作。 Thomas Demand (艺术摄影) 我不教学摄影的学生,我教学艺术的学生,但是如果他们对摄影也同样感兴趣,那也很好。但是他们可能一不小心就从错误的一端开始自己的摄影生涯:不是先选择内容而是先选择了媒介。这样说是因为,对于大多数人来说,成为一个艺术家的可能是微乎其微,所以最重要的是激情,而不是附庸风雅。这样,即使你没有成功——这很有可能,但是你至少做了一些对你自己而言有意义的事。 William Eggleston(艺术摄影) 不断尝试。我可能会直接告诉他们(哈哈大笑),去看我的照片吧。 Boris Mikhailov(艺术摄影) 我觉得对于今天的摄影师来说,找到一个好的摄影主题非常困难。你必须环顾四周,然后检视自己的生活,找到一种新的生活态度是非常困难的,但是一旦你找到了,就成功了。看看Robert Mapplethorpe,他之所以重要,就是因为他发现了一些东西,并且将之转化成一种生活态度,一种新的观看的方式,南戈丁也是同样的情况,她拍摄的是关于新生活的影像。 Stephen Shore(艺术摄影) 去读一读这本书《给年轻艺术家的信》(letters to a young artist),同时你还要找到自己的创作动机:你是在追寻一些问题的答案呢,还是你最终的目的就是做一个展览。 Mary Ellen Mark(纪实摄影) 真诚地面对自己,追寻你的梦想。看一看著名摄影师的作品,理解他们的影像,受到激发而不只是模仿,你要有自己的观看方式,最糟糕的事情是,别人评价你只是某些风格的仿造者。 Martin (…) Read more

视觉文化

读书是一件很快乐的事。推荐一本我最近看的书《视觉文化》。 观看是否需要学习,究竟有何章法,是这本书试图解答的问题,探讨这方面问题的书籍很多,但这一本的独特之处在于,它将一些晦涩的理论描述得非常通俗易懂,让人扎进去就出不来了。 我喜欢这本书还有一个原因是它的结构非常清晰,分别从理论和媒介两方面来介绍视觉文化,理论部分涵盖了图像学、形式、艺术史、意识形态、符号学,而媒介则包括美术、摄影、电影、电视和新媒体。挺适合做教材的,作为了解视觉文化的入门书籍则是最好不过。 这本书里给我印象最为深刻的一个片段是罗杰弗莱(Roger Fry)在伦敦举办马奈和后印象主义画家画展的经历,参展人士包括赛尚、高更梵高等人,此展览在当时引起了巨大的争议, “民众突然爆发了愤怒和嘲笑的狂潮,一位先生因为高声大笑而被带离画展,评论家认为那些画作是无政府主义和幼稚的。”弗莱则对这个展览持有这样的观点:我们必须放弃根据其对生活的反映来评判艺术品的做法,而应把它看作是对情感的表达。” 看到这里,你是否对这段历史有似曾相识的感觉呢?John Szarkowski,1967年策划的新纪实展览大概有着同样的遭遇,据说有观众朝阿勃丝的作品狂吐口水。其实,摄影世界里的现实与虚幻之间复杂的关联并不是孤立的现象,只不过矛盾更为激烈罢了。 说到“看”,美国摄影博客对一张来自纽约时报的照片大加赞赏,我觉得正好也可以拿来让大家“看一看”,故事是关于被误判强奸罪入狱16年的男人的故事,文章所配发的照片是这样的:

书摘:《西方现代艺术批评》

昨天翻了翻不久以前从网上买的《西方现代艺术批评》一书。前言里有几句话印象深刻: 正如《纽约时报》的艺术评论家约翰 罗素(John Russel)所述,当今世界“有大量我们不便提及的暧昧的金钱常常被隐藏在艺术品中被运往某地,这比其他合法领域显然更隐蔽。。。。” 当下不再是市场跟随艺术演变,而是恰恰相反:掌握财权的人成为世界艺术的真正决定者。他们中的一些人,比如查尔斯萨奇和彼得路德维希,认为自己和过去那些文学或艺术事业的大赞助者一样,可以在艺术史上占据一席之地。不过,过去皇室、大资本家和教会赞助者和现在艺术赞助者的主要区别在于,前者选择他们的赞助对象,并一定只在那些经过艺术家考验才能进入的艺术团体中进行选择。然而,后者却敢自作主张“发现”一些毫无艺术家品质,只是通过自我推销、模仿艺术家,完全忽视艺术、艺术技巧和艺术历史的人。 约翰罗素忧郁地指出:“很多人对庸俗艺术有积极的回应,而且与高质量的艺术相比,他们更喜欢庸俗的艺术。这样的事实并不犯法。这只是‘人间喜剧’的一部分罢了,而有些人总是懂得很好地利用这个事实。”罗素重复了让-弗朗索瓦利奥塔1982年的论调:“艺术家、藏画家、批评家和群众在无所事事的时候会对什么都津津乐道。不过,这种‘海纳百川’的现实主义是金钱主义,当审美标准缺乏时,人们就可能通过作品所能带来的利润来衡量它的价值。” 这本书看起来是法国艺术评论者让—吕克﹒夏吕姆的一本艺术批评文章的合辑,翻译得比较晦涩,而且中文版的一个最大问题是很多人名都没有原文,以至于试图了解这本书作者的背景都非常困难。书中将德国当代摄影先驱人物贝歇尔夫妇(Bernd&Hilla becher)翻译成“比齐尔”,在没有原文参照的情况下,恐怕会让读者完全摸不着头脑。

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