图像的一代与摄影的真实(二)

图像的一代与摄影的真实(二) 这文章太好了,尽管很长,但是希望你能耐心看一下 从纪实摄影转型 作者/Andrea Kroksnes挪威艺术史学家 我们怎样解释图像一代从传统的以关心人为本,推动社会改革为目的的纪实 摄影的转型?我们怎样看待这一代人对已经进入博物馆的经典影像的戏谑?当我们 看到了香烟广告和著名的艺术作品出现在他们的照片里是怎样的感觉?在早期, 摄影扮演一种自大的,有教化色彩的角色,压迫、剥削、屠杀是这类照片的主体。 这些照片不仅仅因为其视觉刺激获得关注,同时也激起人们的道德谴责。而同时 也对于照片中受害者的同情,把我们最初的那种对死亡毁灭的强烈的偷窥视欲合 理化,道德化。苏珊桑塔格也曾经提到过,这些照片怎样由于其过度的杀伤力, 而最终失去了他们对观看者的影响。 唐麦卡林1970年戴拍摄的瘦弱的比拉夫人,比起沃纳比肖夫1950年代拍摄 的印度的灾荒已经缺乏影响力了,就其原因是这些照片已经因老调重弹而变得陈腐, 而1973年出现在无数杂志中的撒哈拉沙漠中因饥饿濒临死亡的一家人,对于观者 来说,他们如此无动于衷,就好像在观看一次暴行展览。 这种反映犯罪,自然灾害,战争的照片在1980年代中期达到高潮,1984年 NBC和BBC报道了致使一百万人死亡的埃塞俄比亚干旱,同年,前好莱坞演员 里根当选美国总统,80年代进一步被无处不在的媒介占领,以及到处是无止境 的媒介上的商业化的影像。 照片只有当展示一些我们不知道和出其不意的影像时,才会让人们震惊, 而在一个信息为主导的社会,任何一个人都对所有事情了如指掌的时代,摄影 已经明显丧失了激起人们道德谴责的能力。恐怖事件到处皆是,已经充斥着我们 的媒介。当我70年代在德国上学的时候,当地电视台每周五晚上都会播放对纳粹 大屠杀的回顾,是一些纪录片,当时我姐姐9岁,我六岁,我们都在电视前和父亲 一起观看这些纪录片,父亲认为这是记住并且了解历史的一个重要方式,并且阻止 同样的事情再发生,我不是德国公民,持挪威护照,我非常希望了解这段历史, 并且了解我祖国的屈辱,我知道观看这些非常重要,而且是我的职责,尽管我可能 仍然缺乏对事实的判断能力,但是我尽可能的去了解。可是,问题在于这些恐怖的 (…) Read more

下一代震荡波

上次在博客上的帖子Regeneration in china ?,引起了一些讨论,而且很有价值 我把链接贴在下面,供大家参考。 Opps 的 http://www.opps.cn/word/?p=148 http://www.opps.cn/word/?p=151#more-151 anyon的 http://anyonwang.spaces.live.com/blog/cns!B277776B31F6D9E!508.entry?_c=BlogPart

电缆震坏了,美国去不了了,于是来到了挪威

下面这篇文章来自挪威国立当代艺术博物馆,很长的一篇文章,我实在鼓足了 勇气,才决定翻译这篇文章,也想借机梳理一下理解当代摄影的思路,今天翻 译了第一部分,觉得还有几分意思。同学们可以去看原文: http://www.forart.no/kroksnes_1/kroksnes_1.html 图像的一代与摄影的真实 作者/Andrea Kroksnes挪威艺术史学家 谢丽·利文(Sherrie Levine)的作品引起了很多评论家的关注,事实上对这位 摄影师作品的研讨是对后现代摄影师,或者说“图像一代”的摄影师艺术创作思潮的 研讨。从图像一代(picture generation)开始,他们不再生活在一个将照片挂在墙上 的时代,墙上一代已经逐渐消失了。新一代的摄影师在挑战权威,并且创作属于自己 的独一无二的艺术作品。 Sherrie Levine仿韦斯顿作品 大部分进入纽约艺术世界的图像一代艺术家的作品,出现时间都和谢丽·利文 是同一个时期。1977年谢丽·利文作品和Troy Brauntuch,、Jack Goldstein,、 Robert Longo Philip Smith 一起在一个叫做艺术空间Art Space的画廊展出,评论家 Douglas Crimp给这些摄影师撰写的评论中将其和辛迪雪曼并论,并且将这一代人称 为“图像的一代”,而这个名词以及评论家提出的“图像理论”也成为了Metro Pictures (…) Read more

Regeneration in china ?

昨天仍然有四个好朋友,应邀前来逆光的办公室,现在才想起来,真应该到真正的1416 教室里去聚一聚,下一次,俺要试一次。 没有所谓正儿八经的研讨,但是我们认真的观看了全国16所院校的大学生的摄影作品。 研讨会在逆光楼下的食堂里以工作餐的方式顺利结束,给大家一个令人惊讶的数字,我们 三个人有粥有饭,有菜有肉,一共开支10元钱。 我们做了一下午纯粹的学生。以后谁要是还想回到学校当学生,包括体验到办公室罚站的 滋味,请联系我。 就这次比赛的作品,我写了一篇文章,叫作《数字化的未来——对94名摄影专业学生作品的内容分析〉, 因为全文可能还要发在媒体上,我只摘录其中片断。 一, 宏观创作思路 “真实”影像,(当然,这并不意味着这类影像本身达到了绝对的客观与真实,而是就其特性来 说,它不是虚拟的或者说是摆布的,而是从现实世界取材的。)这类作品一共有43组,占45.7% 非真实影像,这一类影像利用了摄影器材采集影像信息的能力,但是反映的是一些虚拟的,或者 并非真正在现实生活中存在的影像。54.3% 二, 微观创作方法 在43组真实影像中: 有10组使用了慢速快门的拍摄手法 有7组在后期进行了比较明显的色彩校正,比如一组民工题材的报道摄影作品,民工肖像是客观 的真实,但是作者在后期将照片进行了消色处理,只保留民工衣服上的局部色彩。 有6组作品使用了拼贴的方法,将不同空间和时间里的照片进行拼贴对比。 以上这些处理方法的采用,摄影师的目的都是增加摄影作品的主观性。几乎很难找到以一种有观点同时 会又是以平静的态度拍摄的影像。 在51组虚拟影像中 有38组照片都使用了人物模特,通过让模特扮演摄影师假设的角色,来传达摄影师的想法。造影而 不是摄影已经成为趋势。 有18组照片使用了数字手段对影像进行合成。另外还有5组照片进行了比较明显的色彩调整。摄影师 的创作更加依赖后期的数字化处理,而不是前期的拍摄。 我同时也将这些作品发送给其他我认识的一些老师,也会将他们的观感传递给大家。

圣诞快乐

今天生病了,小小的不适,不写新的东西了,贴一些我前两天收集到的现成的文章吧 Regeneration 摄影展我在之前的博客里提到过,也翻译过所有的照片文字说明,事实上,这个 影展的前言也非常精彩,我说下午要举办小小研讨会,忘记今天是举世瞩目的圣诞节 结果响应者寥寥(就一位,我们单独聊吧),下面就把这个影展前言的一些片断贴在下面, 昨天去参加了袁东平老师的纪实摄影画册《穷人》的研讨会,感慨颇多,上一代人的很多精神, 比如面对现实的勇气,在新生代中变得非常罕见,从这个展览的前言则可以看到当代年轻摄影师的变化。 背景 《继往开来》(reGeneration)-50名未来(2005年至2025年)摄影家。它是由瑞士洛桑艾丽斯 摄影博物馆(Musee de l’Elysee)馆长威廉尤英与助理策展人娜塔丽赫斯多佛和让-克里斯多佛布拉塞共同策划, 为纪念该馆在2005年成立二十周年而推出的。 策展目的 年轻摄影师目前在做什么?他们是否有意识或无意识在接受谁的影响?他们是顺从者还是叛逆者?理想主义 者还是现实主义者?逃遁者还是参与者?我们是处在新事物(新运动、新反叛和新曙光)的端倪,还是仍处在 一个旧篇章的末页?新冒尖的摄影师仍然采用传统的手法,还是倾向于当代艺术手段?他们是否仍然采用胶片 和化学药品,还是依靠像素和 Photoshop?或者他们视需要兼容并蓄采用这两种技术?当今最优秀的年轻艺术 家在何处?欧洲和北美是否仍然处于领先地位?是否已经有“一代”新的摄影师出现? 策展过程 根据这些问题,策展人开始在世界60多所艺术院校征集学生作品,包括北京电影学院、杭州中国美术学院和 沈阳鲁迅美术学院。每个学校可提交10名优秀学生作品。在挑选过程中,他们不看校名,不看简历,也不考 虑政治敏感的因素,以开放和尊重的态度进行遴选。作品的形式和内容不拘,可以是新闻报道摄影,也可以 是观念艺术作品,关键在于作品的质量和整体性。总而言之,他们寻找在未来20年里有可能成为著名摄影师的作品。 策展人发现 现在的年轻人对理论特别重视,许多人提到深受罗兰巴特(Roland Barthes)《明室》的影响 现在的年轻人对摄影史了如指掌。过去几代摄影师可能经过技术训练,但通常靠直觉拍摄, 并自学摄影历史知识。 (…) Read more

杂七杂八

周末,今天偷懒没有遛狗狗,博客也因此上得晚了一些。说一点儿杂七杂八的事情。 5月份在美国上市的属于桦榭集团的低俗画报《shock》关张了!我们在1416教室 里曾经有过相关报道 http://clickart.yculblog.com/post.4107284645.html 这本杂志自从上市以来就因为版权等问题,麻烦不断,最终导致年底关张,关张之时 的最后一期封面故事是2006年最shock的照片。不过,从另外一个角度来说,搞摄影 的同胞们,你们看看,无论是想做一本曲高和寡的高级画报,比如《生活画报》,或 者是品味低下的低级画报,比如这本shock,在这个互联网时代,都已经举步维艰。 如果读者连头脑中的虚幻世界都能从电脑里找到答案,还需要在画报这样的平面媒体 里寻找视觉感官刺激吗? 影响十二期发布了:http://voice.chinafotopress.com/12th/index.htm 特别推荐看这篇文章:http://voice.chinafotopress.com/12th/be_pic.htm——专门讲新闻人像的拍摄 昨天漂流书的注意得到很多人的支持,下一步就是考虑专题的主题,大家也给些意见哦。

指点迷人去路——荷赛大师班研讨了什么

我昨天路过雍和宫的时候,偶然瞥见了胡同一家人门前的黄纸条,上面写着这样几个字:“指点迷人去路。”我觉得合辙押韵,尤其是“迷人”一词的运用甚为有趣,拿来做今天博客的标题,希望大师班真的能够给“迷人们”一些指点。 话题:你需要向NGO和其他一些组织推销自己 有一位学员讲述了她是怎样通过申请基金的资助完成拍摄项目的故事,其他人也认同这种做法,大家的体会是:自由摄影师的时代已经过去了,而且作为独立的摄影师个体,在欧洲很难得到政府的帮助,因此和NGO组织建立联系成了一种不错的方式。路透的摄影发展总监还提出了这样一个看法:“同编辑们建立很好的个人联系变得至关重要,而且推销展示自己应该占去你50%的精力,这也是你工作的一部分,你不能说,我不行,我不会。” 自由摄影师刘飞越为绿色和平拍摄的沙尘暴污染的照片 大师:Lesley Martin 光圈基金出版人 出版图书是一个摄影师能够散播自己名声的一个好办法,你应该学会撰写图书出版计划,了解出版社的标准,你要按照出版的标准衡量并且展示自己的作品,而不是将之没有任何修饰随便扔给编辑,同时你还要考虑作品是否能够和展览、在线展出以及教育联系在一起,这就意味着你要通过多重途径推销自己。 作品展示渠道的多样化,是摄影师今天必须要考虑的问题,今天你有很多种方法可以展示照片,但是每一个途径都有它自己的特点,每一次你通过新的媒介展示作品,实际就是在学习新知识。 就图书出版而言,你要了解纸张的特点,设计、发行方面的知识,要了解读者,然后要懂得如何综合运用以上元素,不要让你的作品失去了控制。 大师:David Hurn 玛格南摄影师 David Hurn 摄影 大卫说摄影师应该有一个敏感的鼻子,可以闻到未来的味道,感觉到什么可能是未来需要的,也正是这个鼻子让大卫本人一直保持金身不倒。大卫特别强调摄影师要有经营自己的能力,但是不要在做每一样工作的时候都浮在表面,即使是婚纱摄影也有深入的可能。他给年轻摄影师的忠告是:“坚持你要做的事情,同时不要让自己因为营养不良而饿死了。”

缘分天注定——荷赛大师班研讨了什么

2006年荷赛大师班的第一节课,是从不谈摄影开始的。 11月3日开始的大师班要求学员以不谈摄影的方式介绍自己,于是有人唱起了自己最喜欢的歌,有人谈起了自己国家的风土人情——但是,在一群摄影师中制造不谈摄影的氛围,被证明是非常困难的,有人这样说:“我真的不能把我的生活和摄影完全分开,因为摄影在其中占据了主要部分。” 荷赛大师班研讨了什么?以下片断摘自2006年荷赛大师班的研讨记录: 大师:Witold Krassowski 波兰 Witold Krassowski 波兰 Krassowski用一个词来形容摄影师的生活——serendipity,我觉得这个词朴素但是又充满真理。这个英文单词很难翻译,字典里的解释是“意外发现珍宝的运气”,原本是一个童话故事里的主人公的名字。Krassowski认为这种意外时刻存在于摄影师的身边,你认为你拍到了,但是后来发现其实并不好,但是你当时并不在意的,后来却非常珍贵。我觉得这的确是摄影生活中有趣的现象,其实有人也将这个词翻译成“歪打正着”,但是我还喜欢另外一个翻译,那就是——“缘分天注定”。 特约嘉宾:Ayperi Ecer 路透社摄影发展部门负责人 Ecer的发言是引起反响最强的发言,她在西帕图片社和马格南图片社巴黎分部当过图片总监,多年的图片经营经历让她对图片市场的发展走向有一个全景的认知。 Ecer认为,通过观察有关图片的金钱的走向,你多少也可以预见到摄影的未来会发生什么。今天即使最激进的图片社也要考虑到生存,要妥协,我们都面临一个国际化的市场。 二战以后,图片市场的一个重要问题就是摄影师的版权。后来图片社成为一个强有力的帮助摄影师讨价还价的中介,图片社本身就是照片的生产者,在上个世纪80年代杂志会画大价钱请摄影拍摄,并且还会仔细观察摄影师的全部小样,他们希望确认自己的照片是拥有独家版权的,尽管有的时候他们根本不会用这些照片,这个时期图片的使用完全基于“独家”的概念。但是数字摄影颠覆了这一切,观看和获得因为技术的改变变得容易,这种独家的概念便消失了。 同时,一些大的传媒集团的出现取代了图片社的部分工作,因为这些传媒集团拥有大量的出版物,照片在杂志与杂志之间就可以产生流通。在目前这个时期,所谓讨价还价不存在了,图片社成为一个完全的图片供应服务机构。 今天和未来的问题是,时至今日,我们仍然没有一个明确的完全可以取代旧有模式的图片盈利方式,我们在自己的专业市场中都有些迷失了,图片编辑很绝望,文字在这些年变得更加强势,因此摄影师需要考虑和文字记者组成团队工作,这大概是一种未来比较可行的商业模式。 大师 Simon Norfolk Simon Norfolk  阿富汗 时代已经变了,杂志在不断节约开支,网络是它们强有力的对手,杂志的内容需要更加情节化,更加强调它们的观点和立场,摄影师应该意识到,这样他们就需要也改变自己的工作方式。

视觉恐怖!!

依旧是月黑风高的凌晨,俺带着狗狗去散步,越想心里越不是味儿。楼下保安最近问起 我家“大狗”的近况,他嘴里的这个专有名词——“大狗”是北京的一种特产,指身高在 35cm以上的狗。在未判定这种狗是否有攻击人的倾向之前,zf用一个词儿就把这种狗全给禁 了,那就是——视觉冲击力。哈哈。我真没想到是这个词儿。 要想讨论摄影职业化语境下的视觉冲击力,请上曾璜老师的博客。俺这里介绍一下业余 人士对视觉冲击力的看法。所谓视觉冲击力就是指,这些狗太大了,具有相当强的视觉震撼, 因此无论咬人与否,一出现就会造成“视觉恐怖”。 视觉恐怖这个词让我想到了论坛里一句恶俗的话:“长得丑不是你的错,出来吓人就是 你的不对了。”我们似乎从来没有这样关心过人民的心理健康,而且原来视觉真的具有力量, 是谁发明了视觉冲击力这个词?我看着我家狗的时候,真的感到了很强的冲击力。 一只有视觉冲击力的狗狗。。。。 欧洲伊斯兰妇女的面纱给欧洲政府带来难题,虽然很多伊斯兰妇女已经改良了他们佩戴面纱的方式。Photos by Denis Dailleux / Agence Vu for Newsweek 视觉恐怖的这个说法不光在咱们这里出现,最近欧洲几个国家纷纷表示要限制在其境内 的穆斯林妇女带面纱,原因是面纱是对当地文化的一种不尊敬,并且还是一种非常敏感的视觉 符号。英国一官员认为,人与人交流主要通过面部表情,面纱是一种阻碍。他这种说法立刻 遭到穆斯林组织的反驳,他们反问英国原来那个盲大臣到底是怎么工作的?面纱作为一种内在 信仰的外在显示,在视觉上成为欧洲移民国家的一个文化难题。 (链接: http://www.msnbc.msn.com/id/15789437/site/newsweek/) 对视觉恐怖的反击也有好的结果,比如有一个好消息是胖瘦的标准可能在未来发生一些 改变,因为随着巴西、阿根廷对T型台上超模体重的限制,那种超级瘦的模特可能不会在时装 秀场上出现了。这个限制是模特一方面要年过16,此外绝对不能皮包骨头的瘦。著名的时装 (…) Read more

艺术生涯经营之三大纪律八项注意

这是我从台湾画廊协会的电子杂志里看来的,我觉得特实用,特切中要害, 打算投身艺术市场的人们应该通读五遍: 不要觉得美术馆是为了已经成名的艺术家盖的,而抱着酸葡萄心态。 不要觉得拿自己的作品去推销是出卖灵魂,怎么卖和卖给谁才是关键。 艺术和其它行业一样,要辛苦耕耘才有收获,不要认为出自幻想、兴趣、 试试看的心态就能一夜成名。艺术市场上靠实力、创造力和认真的实验 态度远多于靠巧合、突发的灵感。 不要自比梵高而郁郁寡欢,却一厢情愿相信自己是怀才不遇。时代不同了, 现在要是到三十五岁还乏人问津,就该放弃了走向市场了。 市场上所有的东西都是商品,商品都要以质量取胜,『艺术商品』的质量为何, 不妨向在市场上更资深的艺术家请教。 对自己作品应陈列在哪里要有个底案,是要留名艺术史、跻身美术馆、挂在收藏家 的客厅、居家的厨房装饰还是旅馆大厅?有个定位才能找对经纪人或画廊。 不要随便参展,有些展览是针对业余艺术家或外行人的组织,像是先生娘想在诊所走廊 展览你的作品等。一但被归类为休闲业余型的艺术家,市场就会对你失去兴趣。 不要和你自己觉得是好人、但是是烂艺术家的朋友太常一起在展示及社交场合出没, 因为这样很容易让人家把你们归成同类,而且通常是归到烂艺术家那类。相同的, 常在已经有市场表现的艺术家身边晃,有时也能获得经纪人或画廊的注意。 选对经纪人或画廊非常重要,不要因为一时需要钱就随便把作品和还没做的作品签约 下去,不好的包装、营销会毁了一个艺术家。而若改变心意,有时解约过程之复杂棘手 会让你痛不欲生。 不要把自己的作品集夹着就挨家挨户找经纪人或画廊推销自己,这在这个专业里是致命 的错误。应该先做调查,找到跟自己风格契合的经纪人或画廊,研究他们的展览和代理史, 再做接触。 如果经纪人或画廊拒绝你,不要马上摆出一副”你只不过是个不懂艺术、一身铜臭的商人”, 经纪人的考虑和艺术家不同,他们有市场的生存规则必须遵循。如果你的东西好,尝试一步 一步说服经纪人或画廊。 如果你还默默无名,不要想着一步就走进最有规模、最具影响力的经纪人或画廊,先找 中小型的经纪人或画廊试身手,如果你有所表现,大画廊自然会注意到你。经纪人或画廊 彼此之间的沟通对话或是相互刺探是很频繁的,有潜力的你不用怕被遗忘。 (…) Read more

财富名人秀

悦读悦带劲儿 读财富 这两天博客一下子清静起来,有读者反映贴的太多了,决定以后周末不贴 东西了 如果要想研究杂志的图片编辑,《财富》绝对是一个值得学习的样本。 12月4日的这一期,更是带给读者一个惊喜,极其奢侈地用28个页码刊登了年度人 物肖像。年度肖像,其实不是一个新鲜的主意,比如《时代》每年都有这样的专辑。 但是《财富》使用了一种真的我觉得只能用奢侈这个词来形容的表现方法:黑白照片, 白色背景,整p的版面设计。 实际上更确切的说,这期的肖像特辑是年度最有影响力(POWER)的人物,在阅读 完专辑最后一页的报道《图片背后的故事》以后,我觉得再也没有比这种方法更加Power的了。 以下是这篇文章的翻译: Behind the lens 关于有影响力的人物肖像的拍摄,往往会落入一个陷阱——私人飞机,大别墅,带司机的豪华 汽车,但是当财富试图给读者展示我们的2006年有影响力的人物的时候,我们希望能够展示 他们的权威,他们最真实的状态。所以,我们把目光放到这些人自己的身上,我们在一块简单 的背景前面,为他们拍摄黑白照片。“这种简单的照片将会使我们的被摄对象更加有力量,而 不是削弱他们的权威,假如我们在证券交易所里为John Thain拍摄,或者在房间里给默多克拍摄, 我觉得他们不会得到如此的突出。”这是做出这个拍摄计划的图片编辑Greg Pond的看法 为了实现这种拍摄目的,财富请来了人像大师Albert Waston完成拍摄,Waston的突出特点就是 他在时间的压力下仍然能够出色地完成拍摄任务。“最重要的是,我们在拍摄每一个人物之前都 有充分的准备。”摄影师 Albert Waston说。在拍摄Katsuaki之前他用了5个小时的时间在被摄 对象居住的酒店测试灯光,不幸的是,在开始拍摄的那一刻由于咖啡机导致电路跳闸,好在一切 (…) Read more

艺术的价值是否真的可以用金钱来衡量?

在资本的世界里,回答是肯定的,一切都可以量化,都可以计算,都可以进行 金钱的转换和交易。 这是一个非常“科学”的艺术家排行网站——artfacts ,这个网站以做全球 艺术家排行而闻名。网站一方面倡导在线的艺术品买卖,另一个则开展每年 一度的艺术家排行工作。做艺术家的排行是一件非常困难和复杂的工作, 大家一定好奇他们是怎么做到的。 艺术家排行的理论基础是Georg Franck的注意力经济理论,Franck的观点 是注意力(或者名望)在文化世界里与资本世界里的经济动力一样也是一种 经济基础。注意力本身就是财产,金钱将与注意力一起流动。资本行为是 通过对资产的运作和投资产生利润。照这样看来,策展人(美术馆的负责人、 画廊经营者)就是在扮演投资人的角色,他们把自己的固定资产(画廊的空间, 或者他们的名望)出借给艺术家,并且希望通过这些艺术家反过来吸引更多 的注意力(或者名望等等)。因此,画廊所有者和艺术家的关系实际就 是投资人和企业家之间的关系。 在以上的理论基础之上,artfacts展开了艺术家排行,排行的主要依据就是 艺术家的参展情况,专业人士的评价等等,他们将展览的重要性和国际性 数量化进行计分;比如今年的计分资料来自于全世界102个国家、超过6100个 美术机构(包跨非营利的美术馆及营利性的画廊)所举办的5万5千个以上的个展 或联展,共有超过9万个艺术家列入排行。他们认为,自己列入排行的是“值得” 排行的(也就是金钱资本应该关注的)因此artfacts强调这不是说没有进入排行 的就是坏艺术家,这只是因为那些人还没有得到足够的注意力。 这个排行并不是对艺术家的具体艺术作品的评价,而是对专业注意力对艺术家的 关注程度的评价。此外排行榜还特别关注艺术家的国际影响,只有艺术家的影响力 是在国际范围的,他才会被列入候选。之所以把国际影响力作为一个入门的标准, artfacts认为只有艺术家能够被多样的社会、 国家、 文化都接纳,那么才能证明 他的重要程度,也就是说他具有国际品牌效应。 (…) Read more

历史是一个严格的筛子

其实所有的现象都不是孤立的。已经杂七杂八的说了好多纪实摄影 的事(应该更明确一些,是社会纪实social documentary photography),纪实摄影 不景气,和资本市场的走向有密切关系,虽然这个工作具有历史意义,但是可惜在 当下不能享受。马格南的patrick曾经半开玩笑说:“我和我孩子说啦,爸爸现在没 有钱,要想有钱大概要等爸爸死后。”这个玩笑也挺残酷的。 昨天1416发的文章挺有意思,我捕捉到一个信号,要想作品好卖,尺寸的问题 变得特别重要,你要不使大画幅相机,你就别出来谈艺术,抓住这个时尚得赶紧,说 不定哪天就又变了。 说到时尚问题,你又不得不感慨:艺术和能和时尚沾边,消费文化已经无孔不入 了。今天早上看到商业摄影师Chase Jarvis也在谈时尚,他在博客上仍然就getty图片库 改变游戏规则,将照片上传时间作为搜索结果排序的标准,进行深入分析(1416曾有介绍), 他说“这种游戏规则完全遵循时尚的规律,今天我们的社会文化的核心特征就是持续 不断的变化,因此能够持续不断带给消费者新鲜感、使之震惊,这样的产品无疑是 最受欢迎的。” 所有的现象都不是孤立的,这个发生在商业摄影领域的故事,在艺术摄影领域也 在上演,我忽然想起大学的时候修过一门时尚的课程,里面说时尚的一个规律是“竞进反转”, 就是说时尚潮流的发展在走马灯不停变化的时候,会出现“逆流”的现象,已经过气的东西 会反而成为流行。所以我在这里再斗胆发布一个时尚资讯:要想让自己的作品大卖,可以去 追溯一下过去的艺术形态,肯定新鲜和震惊,当然已经有人做了,当然这个也要赶紧。 昨天Alec Soth的文章里还有特别好玩的一个细节,他说大多数摄影师都不喜欢 Andreas Gursky,就是因为他的作品卖价太高,看到这里,真的好笑,原来酸葡萄心理 全球都是,本来艺术品评价就没有一个标准,这种说三道四也难免, 不过下面的文章里的 一句话,我觉得可以解决酸葡萄心理。这篇文章《艺术市场泡沫现象》,来自台湾画廊协 会电子杂志。 (…) Read more

摄影的牛市

俺的博客老是上不去,最近各种各样的消息却不少。 第一, 牛人Andreas Gursky的牛市 Andreas Gursky一向是收藏家追捧的对象,他可以让你的钱袋鼓鼓。最近,一个匿名买家出价两百四十八万美元购买了Andreas Gursky的作品99美分,这张拍摄于2001年的作品,展示了一个便利店的宏大景观。这项拍卖创造了在世摄影师作品的最高纪录,并且离今年2月份刚刚创下的爱德华斯泰肯的两百九十万美元的纪录就差一点点。这幅作品由两张照片构成,宽度达22英尺。如同Gursky一贯的风格,照片后期修改得十分厉害,几乎消除了透视。拍卖会上的作品目录上将Gursky比拟为另一个安迪沃霍尔。作为Andreas Gursky作品代理画廊Matthew Marks,他们拒绝透露摄影师作品在画廊成交的历史和价格,并且声称这幅在市场上拍卖的作品并非出自画廊。 Andreas Gursky于1955年在德国出生,他的作品风格是客观写实主义,用类似纪实的手法研究日常生活。使用大画幅相机拍摄公寓、音乐会拥挤的人群、证券交易所等等日常景观,犹如上帝在旁观。2001年纽约现代艺术馆展出了他的43副作品,奠定了他的艺术地位。 原文链接:这里 第二,牛博对牛人 马格南提名候选人也是教书匠的Alec Soth最近贴了一篇叫做《人都哪里去了》的文章,评价了几位牛人,说得也挺过瘾,翻译出来以飨大家: “这期纽约客杂志刊登了一个96岁传奇建筑摄影师的作品,他的名字叫Julius Shulman,文章探讨了摄影师的与众不同的风格,他摒弃了其他建筑摄影师的做法,那些人的作品中都是空无一人的建筑,但Julius Shulman的照片中却有人的存在。这位建筑师谈到,很多建筑师看到照片里有人都十分不满,认为这将降低建筑的品位,但他却非常乐意在照片中出现孩子啊猫啊狗阿,为什么不呢?这让照片与生活更加接近了。 很多艺术家和纪实摄影师的观点都和传统建筑师的手法非常接近,他们也不愿意有人的存在,最为著名的例子就是Andreas Gursky。我认为他是一个非常棒的摄影师(不过我也感到其他很多摄影师都对他并不喜欢,大概是因为他的拍卖价格高得过于邪乎了)我欣赏他的上帝眼,以及和他类似的很多摄影师比如Thomas Struth, Peter Bialobrzeski, Candida Höfer,但我觉得他们的照片似乎有些走极端了,因为我发现,我越来越渴望看到照片中有人的存在。我渴望看得不是价值两百四十八万美元的99美分,我更希望看到Brian Ulrich的作品。 Luc Delahaye也是另外一个我欣赏的摄影师,他也有Gursky的上帝之眼,他的照片里总有人存在。可惜这种风格已经不在了,几年以前他在画廊展出作品的时候风格大变,这种变化和市场有关,他的照片被打印得很大,售价在一万五千美金左右。为什么描绘真实生活的照片如此不受欢迎?为什么对于人的存在大家如此恐慌呢? 当然Luc Delahaye也许尝试把纪实风格和艺术结合起来,但是这又怎么样呢?难道要让摄影作品和艺术市场结合起来就必须在照片中消灭人的存在吗?(问得好,问得好)我觉得人们对在照片中的人的存在这个概念完全误解了,照片中的人也许会让人觉得不舒服,但是这正是摄影这种媒介的力道所在。 (…) Read more

对一个纪实摄影基金的内容分析

http://www.changingideas.org Changing Ideas(改变现实)是我一直想介绍的纪实基金,正好在密集讨论纪实摄影的时候好好研究一下。最初看到这个网站的时候,就觉得它非常与众不同,在它提供的链接里我找到了关于如何撰写项目策划书的介绍,这个刚刚成立的基金,不是一个终点,提供了很多纪实和现实结合的思路和途径,我想通过对这个网站的分析,帮助大家了解纪实摄影基金,以及应该如何看待纪实摄影基金。 关于创始人:用摄影“对抗”现实 戴维(David Graham)在23岁的儿子因为跳水事故瘫痪后,选择了摄影,他去攻读了新闻摄影的硕士。我喜欢这位父亲,他坚强但是又充满柔情。应该去浏览一下他的网站,里面有一个故事叫做No Diving,记录了和自己儿子一样在事故中瘫痪的年轻人的生活,里面倾注了摄影师以及父亲的感情。 戴维因为儿子的事故更多开始关注慈善,并且希望帮助更多不幸的人,因此创办了这个基金。基金会还有一个目的,戴维发现很多摄影师在开展纪实摄影的工作中,心有余而力不足,曾经经商的背景让他更多考虑如何帮助摄影师得到经济上的帮助,因此决定承担架设桥梁的工作。 我已经不止一次的发现像戴维这样的案例,摄影师纪实的目的不是为了什么伟大的“摄影”目标,这点必须强调。在我们这些所谓摄影人的眼里,摄影就是为了摄影,但是在戴维眼里,摄影竟然出其不意地成为了疗伤工具。 关于基金会:纪实摄影项目孵化器 商业社会中的风险投资理念,孵化器理念被运用到这个基金会的运作中,基金会对纪实摄影项目进行衡量的标准是考察它是否真的可以对现实产生帮助。从对纪实摄影项目进行评测的专家团中,可以更加清楚地看到这一倾向,专家团是由法律、医疗、商业、经济、政治以及媒介专家构成,反而没有摄影人士,他们对项目的可行性以及影响力进行评价,选择出更加可能产生良好社会效果的选题对之实施帮助。 一个具有代表性的案例是摄影师Rights Watch的纪实摄影工作,他和人权观察组织合作对刚果的金矿进行了报道,他们发现刚果纷争的战局,是因为当地军阀试图控制金矿,然后将之提供给瑞士冶炼厂。因此他们将摄影师拍摄到的证据拿给瑞士的金子冶炼厂的总裁以及董事看,这一行动使这些瑞士企业对刚果军阀采取了制裁行动,取得了很好的效果。 改变现实基金会关注的就是这样的纪实摄影项目,他们愿意帮助摄影师启动这些项目,其中包括资金的支持,还有项目运行的计划、媒体支持等等。 纪实摄影师的社会价值体现在哪里?摄影用其现实力量和艺术力量,不仅提供了视觉的证据,同时也起到了视觉说服的作用。纪实摄影的结果不是体现在画廊或者画册中(当然这也是很重要的一方面),而是在于其和现实产生了有效的互动,有助于改变现实,这一点已经被无数成功的纪实摄影项目证实,而这一点才是纪实摄影师最值得骄傲的价值认同。 避免文章太长,明天介绍基金会的运作方式以及纪实摄影的资源 摄影师Rights Watch关于刚果的报道

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