针对最近在普林斯顿大学艺术馆进行的展览《星暴：1970-1980年代的美国彩色摄影》(“Starburst: Color Photography in America 1970-1980”)《纽约时报》刊载了一篇评论，评论者对此展览并不十分满意，其理由是认为此展览太中规中矩，展览的空间在一个非常传统的“墓穴”一样的展厅，展出的作品也过于编年体，并未揭示出彩色摄影被主流艺术圈接纳的真正原因。

不过，评论者所期待的一个更为“革命性”的彩色摄影发展历程的剖析，也显现出这股潮流在摄影艺术发展中的重要地位。以前在1416里也介绍过不少彩色摄影发展的相关文章，但这篇展评还是透露出不少新的信息，以下就是我根据这篇评论进行的一些编译。

“黑白就是摄影的色彩”——罗伯特。弗兰克（ Robert Frank ）

“彩色摄影是粗俗的。”——沃克。伊文思（Walker Evans）

“拍不好，就把画面弄成红色的”——安塞尔。亚当斯（Ansel Adams）评价威廉艾格尔斯顿（William Eggleston）的作品“红屋顶”（The Red Ceiling）

这就是摄影史上几位大师对彩色摄影的判断。

并不奇怪，他们一直拍摄黑白，因黑白成名，他们不需要改变；另一方面，彩色一直都被用于广告，用于逼真地促销产品和观念，这使得在艺术创作中，彩色一直被打入另册。

因此，七十年代，美国摄影圈冒出来的彩色摄影流派，其动因并非来自技术革新。因为卢米艾尔兄弟早在1907年就研制出Autochrome彩色摄影的方法，1936年Kodachrome35毫米彩色胶片就诞生了。

当新闻摄影已经从布列松那里找到理论基础，当艺术摄影也从迪安阿勃丝那里寻到凝视的角度，彩色摄影便成了摄影领域的一块待开垦的新的疆域，新一代摄影师试图为这个旧名词注入新思想。Mitch Epstein超越自己老师Garry Winogrand的方法是，用彩色去拍街头摄影。

Garry Winogrand摄影

Mitch Epstein摄影

“星暴”试图展示这一批美国彩色摄影先锋的成就，展览的策展人声称，当时并非只有小青年才大胆在创作中使用彩色，有很多摄影师将彩色作为他们的“退休项目”（retirement project）,在退休之后为所欲为，比如Harry Callahan就是在他60岁的时候开始彩色。

Harry Callahan摄影

六七十年代出现的这批彩色摄影师，他们在历史上的重要地位在于，其作品启发了很多当代摄影师，使之成为承上启下的一代人。

Joel Meyerowitz拍摄的Coney Island沙滩上的人，预言了Rineke Dijkstra更为感性的摄影项目：沙滩上的青年的诞生，而他的光线更为戏剧化的作品则和Gregory Crewdson的作品脉络相承。而Joel Sternfeld用闪光灯拍摄的街头肖像则可以和 Philip-Lorca diCorcia的作品归为一类。

joel meyerowitz摄影

Rineke Dijkstra摄影

joel meyerowitz摄影

Gregory Crewdson摄影

Barbara Kasten和Jan Groover重返现代主义美学表达方法则和后来的 Eileen Quinlan 和Sara VanDerBeek的作品风格很相似， Neal Slavin在七十年代中期对一些另类组织展开拍摄的观念摄影项目，催生了Julie Saul和Yancey Richardson这些摄影画廊里所展出作品的诞生。

Barbara Kasten摄影

Eileen Quinlan摄影

Neal Slavin摄影

不过，这一代人的熠熠闪光之处还在于，他们不仅在摄影美学上有所突破，同时也在摄影哲学上启发人们进一步思考。如同艺术领域在五六十年代从抽象表现主义发展到波普式的反讽（ Pop irony ），Sternfeld，Epstein和Eggleston这些人的作品也揭露战后美国人生活的单调和乏味。那个年代，社会经济状况恶化，人们被电视的电路板腐蚀，在这种状况下，彩色摄影则成为透视人类灵魂深处的最合适的介质。

Mitch Epstein摄影

最近和一个朋友讨论到这样一个话题，时至今日，在通俗意义上，当人们谈论到“摄影艺术”，仍然将其指向抽象的“黑白摄影”，仿佛黑白了才是艺术了。黑白还是彩色，仍然是一个问题。

不过，当我们在拍摄彩色的时候，恐怕也要问同样一个问题：“为什么是彩色？”

延伸阅读：《纽约观展记：William Eggleston》